神經科學家安東尼奧．達馬吉奧（Antonio Damasio）在其著作《感與知：讓心有意識》（Feeling and Knowing: Making the Mind Conscious）中曾闡述其多年研究的核心，亦即意識並非僅是大腦的活動，而是與身體的狀態和感受緊密相連，沒有身體的參與和由此產生的感受，就不會有真正的意識。
AI藝術的出現並非橫空出世，在早期計算機時代，便有藝術家開始探索如何利用規則、系統和機器來探索創作的邊界與可能。也因此，這次專題我們試圖透過11位藝術家的藝術實踐，為讀者勾勒出AI藝術從早期發展至今日多樣的嘗試與面貌，思索他們如何追問人類的「感」、「知」。
在這些藝術家中，先驅者如哈羅德．科恩（Harold Cohen），他耗費數十年開發自主生成繪畫的AI程式AARON，旨在模擬藝術家的創作知識與過程，堪稱人機協作的先聲。維拉．莫爾納（Vera Molnar）則在能接觸到真實電腦之前，就已透過她稱為「想像機器」（machine imaginaire）的手繪演算法，系統性地探索幾何形式的各種可能。從早期的探索前進，當代AI藝術展現出廣泛的多樣性。藝術家如馬里奧．克林格曼（Mario Klingemann）、雷菲克．阿納多爾（Refik Anadol）、蘇菲亞．克雷斯波（Sofia Crespo）、梅莫．阿克騰（Memo Akten）與安娜．瑞德勒（Anna Ridler）等人，並非單純的工具使用者，而是深入其內部運作機制；他們以演算法、神經網路和龐大的數據集作為創作媒介，挖掘其中的潛力與問題。而鍾愫君（Chung Sougwen）、平達．范．阿爾曼（Pindar Van Arman）、亞歷山大．雷本（Alexander Reben）與史考特．伊頓（Scott Eaton）的創作，則更強調人與機器之間具身的互動、協作與物理性的展現。
或許有些人認為AI藝術僅是某種技術操作的奇觀，或許也不乏創作者僅將AI用做潮流、酷炫的工具。但從這些藝術家的實踐中我們可以看見，縱使他們可能一如藝術史上那些發明新顏料、新技法、新媒介的革新者，親身投入技術的研發與創造，為未來塑造創作的工具箱與方法論，但終究他們並非耽溺於技術本身，而是藉由AI這面獨特的鏡子，反思人類的處境：我們的感知如何被塑造？我們的記憶如何被建構？創造力的本質是什麼？人與非人智能的界線在哪裡？科技與靈性是否必然對立？在數據與演算法的包圍下，何以為「人」？
本文原刊載於《今藝術&投資》2025年5月號392期
朱貽安（Yian Chu）( 157篇 )大學學習西班牙文，後修讀中國藝術史，有感於前生應流有鬥牛士的血液，遂復研習拉丁美洲現代藝術。誤打誤撞進入藝術市場，從事當代藝術編輯工作。曾任《典藏投資》編輯、《典藏．今藝術&投資》企劃主編，現為典藏雜誌社（《典藏．今藝術&投資》、典藏ARTouch）副總編輯。