重探歷史與當代調度：「第20屆台新藝術獎」典禮側記與得獎作品短析

第20屆台新藝術獎於7月2日下午舉辦頒獎典禮，這場原定5月底舉辦的盛會因疫情推遲，幸而終究迎來令人期待的實體頒獎典禮，並同時採取直播形式，讓藝文愛好者透過線上線下的管道在第一時間共同見證結果。典禮舞台以LED燈牆展現主視覺立體幾何畫面，突顯當代數位設計感。一開場即先進行「台新藝術獎20週年—榮耀時刻」影片首映，回顧過去19屆、64組得主的影像紀錄，反映出台新藝術獎秉持「用藝術打造台灣新價值」的初衷未變，至今走到20年的里程碑，也讓本屆頒獎典禮更增添一股感性的氛圍。

台新銀行文化藝術基金會創辦人吳東亮董事長致詞時表示，2001年成立台新銀行文化藝術基金會，隔年即創辦台新藝術獎，以實質獎金來支持台灣藝術家，協助他們在舞台上發光發熱，耕耘多年已成為國內最重要的當代藝術獎項。他感謝董事對基金會的支持，特別是當初建議設置藝術獎的林曼麗董事，可謂重要推手。最後，吳東亮也許諾台新藝術獎將持續秉持認真及永續的信念，與時俱進不斷地創新。

本屆被提名並同意參選的總件數為110件，最終由十組「視覺藝術」與七組「表演藝術」角逐三大獎項。決選委員由鄭慧華擔任主席、提名觀察團代表龔卓軍、汪俊彥，以及外聘委員張小虹、高重黎、張啟豐、林怡華等七人組成決選團。首先頒發的「視覺藝術獎」，由基金會董事石瑞仁揭曉獎項得主，為李亦凡的《不好意思⋯請問一下這個怎麼打開》獲得；而「表演藝術獎」則由吳靜吉董事宣布，得主為身體氣象館及人力飛行劇團（簡稱「人飛」）共同創作的《王子．哈姆雷特》。

延伸閱讀｜
EP17｜第20屆台新藝術獎真心話｜技術與批判、歷史與當下——feat. 王柏偉、汪俊彥
EP18｜第20屆台新藝術獎真心話｜地方與身體、評論與文化——feat. 吳思鋒、龔卓軍

而在「視覺藝術獎」與「表演藝術獎」頒獎過後，現場也播放「台新藝術獎20週年—來自國際決審的祝福」影片。獎項辦理迄今已邀集來自16個國家、70位專業人士擔任評審，銜接台灣創作者與國際接軌。受訪的國際藝文人士一致肯定評選過程與機制的嚴謹，更讚賞台灣創作者的作品充滿獨特的活力與多樣性，並認為台新藝術獎具備的高度指標性，能讓國際透過入圍作品迅速掌握台灣藝術發展的趨勢與現況，最終也期待與祝福台新藝術獎能夠持續辦理。

中場表演節目則由成立逾50年的「民權歌劇團大樂隊」帶來表演，以傳統歌仔戲曲調結合西洋樂器的混搭風格，呈現數首新編的創意歌詞，祝賀頒獎典禮，同時也期許天女降福，大家平安度過疫情，讓現場的氣氛為之輕鬆活潑。

隨後登台致詞的決選團主席鄭慧華認為，台新藝術獎見證這20年以來，台灣視覺藝術與表演藝術的發展和旺盛的能量。而且據她所知，在目前全世界藝術獎項之中，幾乎是唯一不辭過程繁瑣的一個獎項，由提名觀察人進行田調式地深入考察作為基準，至今累積了極為可觀的藝術書寫資料庫。台新藝術獎不僅是個評獎榮耀，更可貴的是能透過它，看見創作者如何回應時代的變化以及技術媒介的演進，以呈現當代藝術的精神性、原創力以及前衛性。

至於催生台新藝術獎的林曼麗董事在頒發「年度大獎」之前，也語帶感念地表示，20年的歲月留下非常多的美好，而台新藝術獎就是其中之一。台灣的當代藝術從來沒有停過腳步，陪伴在旁的就是台新藝術獎。她亦感謝吳東亮創辦人堅定支持藝術的決心，更期許台新藝術獎將迎接更美好的嶄新20年。隨後，林曼麗宣布「年度大獎」得主，由人飛《感傷旅行（kanshooryokoo）─當你前往南方我漫長的憂鬱變成一座用遺忘構成的西伯利亞》脫穎而出，獲得150萬元獎金。典禮中也預告由林曼麗董事擔任展覽總策畫的台新藝術獎20週年大展，將於10月底在北師美術館展出。（文／楊椀茹）

延伸閱讀｜第20屆台新藝術獎揭曉：《感傷旅行》奪年度大獎，李亦凡、《王子．哈姆雷特》拿下視覺、表演藝術獎

年度大獎：《感傷旅行（kanshooryokoo）─當你前往南方我漫長的憂鬱變成一座用遺忘構成的西伯利亞》／人力飛行劇團

「感傷，並不是無力的，後面可能有著可以隨時出拳的憤怒力氣。」導演黎煥雄在得獎致辭時的哭泣，令我再次想起他在去年該作上演前，接受本刊專訪所說的這句話。如他會後在臉書上補充，「被『拆穿』寂寞、上台的激動，真的都無關個人名聲，是一種共鳴的引爆。」

得獎的驚喜所點燃的引爆，之所以有如是後座力，必有經年累月的壓抑。黎煥雄在頒獎台上意味深長地說著，本作「是從沒有辦法完成的狀態，延伸出來的一個完整的完成。」縱然「感傷」與「遺憾」驅動創作者走向了更遠的路，但這些被統整收攏起的五味雜陳，似乎也暗示著榮耀背後的許多不可說、不能說、不必說的摸索、試煉、碰撞與挫敗。

2018年，在國家兩廳院（簡稱「兩廳院」）「夥伴計畫」的邀約下，人飛啟動了《許。南村》計畫，「以面對作家陳映真先生為對話基礎開展、跨越文類與世代、企圖尋找並見證台灣左翼歷史軌跡。」黎煥雄曾自承，這是他創作生涯中的難度之最。計畫經過兩年的工作，在2020年6月14日一個雷雨的午後，迎來了首次階段性呈現。作為有幸躬逢其盛的觀眾，這三分之一篇幅的成果無疑是令人興奮不已的；但計畫卻也至此被宣判終結，兩廳院終以「缺乏共鳴、不容易懂、仍然有一些疑慮」等為由，未被說服繼續提供支持。

陳映真的這般被擱置，為黎煥雄帶來了「一種巨大的時代性感傷」，但並沒有停留在對外的憤恨不平。他在去年演出前的訪談中曾悠悠地說，「​​也許不是世界沒準備好，而是我們沒準備好，讓它陷入到那樣的處境裡頭。」於是在團隊的支持鼓勵下，他暫時將陳映真或大寫的左翼歷史敘事放下，再起身投入至更為自省的、更為意識的「我們對待陳映真的某種內在心理」。換言之，除了一方面「重訪去年的陳映真（計畫）所遺落下來的角落，也藉此重訪我的年輕時代的陳映真，以及中間某種失落的自己。」

誠然，這早已不是黎煥雄第一次處理陳映真，也不是黎煥雄對過去的首度重訪，在時間長流下，他不斷甚至愈發地逼問著創作者自身位置的重置。1987年，河左岸劇團改編陳映真作品《兀自照耀著的太陽》，在小劇場運動中留下重要一筆；2018年，人飛結合該劇與同年演出的《拾月》，再復刻出新版的《M，1987》。而在本次得獎作品中作為文本共同發展的兩位重要創作者——獨挑精湛飽滿的單人表演的崔台鎬、上下左右翻轉劇場空間的舞台設計吳子敬，在《M，1987》中實已身兼副導演，作為黎煥雄的重要左右手。

彼時，人飛在行政總監張寶慧的遠見下，正耕耘著世代傳承的「十年養成計畫」：從2011年開啟的連串復刻作品中，持續面向新生代創作者與黎煥雄在語言、身體與歷史意識等層面上的相互參照，並從這樣的解析、辯證與批判中，回頭再行兩造的自我對峙。崔台鎬與本劇排練助理、獲本屆「表演藝術獎」的楊奇殷現皆是劇團核心團員，吳子敬則除為駐團編導，其所屬的「僻室」也穩定承擔著人飛製作的技術設計。

當時代已走過陳映真的左翼理想與實踐，走過黎煥雄所參與的小劇場運動後，劇場的反抗或逃逸如何可能又指向何方？《感傷旅行（kanshooryokoo）》作為一齣獨腳戲，演員當然不會只是陳映真或黎煥雄的化身，而是帶著自己的生命經驗、養成訓練、認識系統遊走進出，檢視與提問歷史之於自我形塑的框架或彰顯的斷裂。如同黎煥雄所言之，這是他在與陳映真兩位創作者之間的吿解完成後，共同傳遞給下一個世代的集體對話。（文／童詠瑋）

延伸閱讀｜【藝術家的自我復刻專題】拒絕遺忘，確定失落：黎煥雄專訪

表演藝術獎：《王子．哈姆雷特》／身體氣象館、人力飛行劇團

綜觀本屆「台新藝術獎」，三個獲獎作品或都可被置放在「單人表演」的形式框架下進行閱讀。在《王子．哈姆雷特》所屬的「莎士比亞戲劇單人表演系列」的節目單上，導演王墨林尤其開宗明義地強調：「『獨腳戲』是一場肉體與精神的鬥爭。」

這樣的探尋出自創作者對身體在當代失落的重新召喚。王墨林曾言：「身體最後的救贖，就是能量。」當演員獨自在舞台上面對陌生不安，卻又必須不斷輸出自我時，即須時刻臨場反應，當下的行動方有了能量的承載，進而建構出一個肉身存在，與世界開展對話；除了延續小劇場運動在體制外空間所創發的「遂行力」，王墨林亦反覆進行著存在主義式的叩問。「我是誰」這個問題貌似在身分政治與個人主義當道的時代下已迎刃而解。但王墨林拒絕口號教條或翻譯概念所支配的扁平動能，拒絕新自由主義的虛妄自主想像，投身以獨腳戲、行為藝術直面個人的意志與存在，重尋行動的本質進行抗衡。

於是在藝術生產關係中，演員楊奇殷也不再只是執行導演指令的棋子，首度肩負起「編劇」重任。他曾在2019年王墨林導演的《雙姝怨》中擔任導演助理，開啟合作機緣，兩位也將於明年初協同再次合作《母親》。而本次在莎士比亞劇本的框架下、王墨林的獨腳戲挑戰下，楊奇殷以約翰．伯格（John Berger）的詩作〈七重絕望〉為結構骨幹，我手寫我口地回頭梳理起自身在臉書上的生命軌跡，拼貼整理成的劇本所面向的是他所屬的「厭世代」、「全拋世代」或所謂「太陽花世代」。除了作為跨世代對話的物質基礎，實也昭示著歷史更迭的重複乃至惡化，呼喚著無政府主義精神的跨時代現身；另一方面，王墨林有意識地不直接介入劇本，更能專注地調動姿態與畫面，成就了本劇在語言與身體的辯證距離。如同評審在得獎理由中特別指出的，當前者遁入喃喃自語與失效溝通後，後者成為消耗殆盡後的見證殘存。

今年獲獎的兩齣表演藝術的作品，引發各界聯想「小劇場的勝利」。「小劇場」在此除直指人飛、身體氣象館等劇團，對80年代「小劇場運動」的美學與問題意識的持續深掘及薪火相傳，牯嶺街小劇場（簡稱「牯嶺街」）面對表演藝術機構化浪潮的屹立不搖，也絕對功不可沒。在本次「表演藝術類」的七組入圍作品中，牯嶺街演出節目即佔了四個席位，館長姚立群擔綱製作的就有三齣，包含最終的得獎者。縱然製作團隊低調地將舞台留給了主創者，並再三表示謙卑之情，「台新藝術獎」的肯定或在提醒我們，如何不讓其只是曇花一現或孤軍奮戰，讓歷史持續成為當代表演藝術的創作養分。（文／童詠瑋）

視覺藝術獎大獎：《不好意思⋯請問一下這個怎麼打開》／李亦凡

「對我來說，當代藝術創作好像關乎一種資源調度，然而也必須透過自己的學習跟培力，去讓調度產生更好的效果。」作為一位出生於80後段班的年輕藝術家，李亦凡獲得第20屆台新藝術獎視覺藝術獎之前，便在逐漸活躍於跨媒體藝術創作的發展中，留意著創作的調度問題。

此次獲獎作品《不好意思⋯請問一下這個怎麼打開》（簡稱《不好意思⋯》），首次展出於國立臺灣美術館「2021亞洲藝術雙年展—未至之城」（簡稱「亞雙」），其創作方法則源自李亦凡在C-LAB臺灣當代文化實驗場「CREATORS創作／研發支持計畫」提案的「瘋狂影像工具」計畫所研發之階段性成果。他參考「機造電影」（Machinima）為影像形式，透過VR技術操控數位3D建模的人偶和物件，讓遊戲引擎運算身體即時動作的過程留下直覺性表演，在去脈絡的數位模組拼貼的古舊空間格局裡，讓人偶帶領觀者穿梭其中，點描般地敘述數位身體的認知與技術經驗。

李亦凡說，《不好意思⋯》同時也回應著他在2019年臺北數位藝術中心個展「混沌的庇護所.zip」展出、並獲「2020高雄獎」首獎的作品《important_message.mp4》裡思考的影像生產工具之技術問題。李亦凡回憶道，當時亞雙策展人之一的侯昱寬認為「瘋狂影像工具」中實踐的成果，在工具性思考、生產和敘事表達等面向上，呼應著一種科幻方法，因此才進一步以此工具和技術創作。他進一步指出，不同於動畫以關鍵影格（keyframe）的非直覺性與去身體化生產影像，《不好意思⋯》在保有直覺與即興的過程裡，整體作品的技術端與敘事上，有了「鬆」的狀態。

視「調度」為當代創作的要素，李亦凡在尚年輕的生涯階段時得獎，資源的多寡與生產速度的快慢也勢必因創作成就的生涯階段，而可能有不同的視野與考量。藝術家說，作品雖多是跨媒體技術，他的創作事必躬親，到了現在的生涯階段，隨著創作的精進，工作方法上也有相對應的改變。他自稱算是比較傳統的創作者，在創作上也有點控制狂的自我要求，因為理解技術細節，熟知技術如何調度，過往鮮少將重要的技術假手他人、更遑論與其他創作者合作。但陸續獲得機構與獎項的肯定之後，也需再次審視調度的觀念與方法，不管是技術的還是創作之作者性方面，「之後或許要在創作上，有更開放性的思考合作可能。」（文／陳晞）

延伸閱讀｜
不可揭露性之揭露：論李亦凡《Rewiring》身體與機器、宗教與科技的互相滲透與模仿
腦控，一場詩意的陰謀：李亦凡「我期待數位影像也有手感在其中」