評析台灣低限冷抽藝術的發展，從「低限．冷抽．九人展」談起

「低限．冷抽．九人展」，是以台灣1960年代以來帶著「冷抽」傾向的九位藝術家為取樣，包括霍剛、莊普、胡坤榮、曲德義、蔡志榮、劉永仁、耿晧剛、宋曉明、吳東龍等，呈顯台灣在此一路向上的表現，也是台北采泥藝術與台南耘非凡美術館在系列抽象策展中，深具風格特色與學術深度的又一獻禮。

抽象藝術自上世紀的第一個十年在歐洲形成以來，便有所謂帶著表現性的「熱抽」（Hot Abstract）和偏向理性思考的「冷抽」（Cold Abstract）兩大路向。前者，以康丁斯基（Wassily Kandinsky,1866-1944）為代表，日後以美國帶著行動特質的抽象表現主義（Abstract Expressionism）為極致；後者，以蒙德里安（Piet Cornelies Mondrian,1872-1944）為代表，加上日後的低限主義（Minimalism）、結構主義（Structuralism），乃至俄國的絕對主義（Absolutism）等，形成另一脈絡。

抽象藝術在台灣的形成風潮，學者均認同以1957年「五月」與「東方」兩畫會帶動的「現代繪畫運動」為起點；其中，1960年代之後風起雲湧的抽象水墨創作，講究書寫性的筆觸與水渲墨染的趣味，帶著「熱抽」的傾向，被視為台灣抽象藝術最具代表性的風格。然而深入考察，則可發現：至遲在1962年，東方畫會自歐洲引進的「Ponto（龐圖）國際藝術運動」，標舉所謂「靜觀」、「禪思」的東方哲學，類似低限、幾何的「冷抽」創作，已經在台灣扎下根基，霍剛（1932- ）正是其中最具代表性的典範。

左起：莊普、曲德義、劉永仁、蕭瓊瑞、霍剛、蔡志榮、胡坤榮、吳東龍、耿晧剛。（采泥藝術提供）

霍剛，原名霍學剛；1932年生於南京，1949年隨國民革命軍遺族學校來台。在台北師範學校（今國立台北教育大學）藝術科就讀期間，進入有著「台灣現代藝術導師」之稱的李仲生（1912-1984）畫室學習，也成為「東方畫會」創始會員的「八大響馬」之一，更是台灣戰後「現代藝術運動」代表性的重要藝術家。

霍剛早期的作品，頗富實驗探索的前衛精神，運用一種自由想像的連續性線條，發展出具有潛意識特色的圖像，充滿神秘主義與奇異性，勾引觀者產生一種具夢幻、灰沉的聯想，可視為霍剛的「灰色時期」或「超現實主義時期」。稍後，畫面轉向以帶有墨韻和版拓趣味的黑色為主體，中間夾雜著一些淡紅、淡藍的色彩，猶如雄渾樂曲中的裝飾音，呈顯一種輕靈跳動的感覺。

1964年出國前往義大利，並定居米蘭，是霍剛創作風格決定性轉變的關鍵點。色彩完全脫離灰、黑的主調，轉為紅、藍、紫的構譜，而且都是帶著一些粉調的中間色；而在構成上，也以空靈的、幾何性的趣味，取代了之前筆觸行走、不定形的作風。確切地說：定居於米蘭後，霍剛開始專注於繪畫本質的探究，從繪畫的基本元素：點、線、面與色塊，進而發展到整體構圖的研究，從中發展合乎藝術家體質的抽象表現。作品從「點」的元素出發，進行關乎畫面配置的哲學，生成各自的存在性。畫風從早期的實驗、沉鬱逐漸蛻變成近期的開朗、明快。霍剛的抽象語法以「減法」運行，簡約中也蘊含著詩意，建構出一個更具包容性的抽象世界，也呼應了東方哲理主張萬物相容再生、孕育無限的精神。

從具體的畫面形式考察，在霍剛長達一甲子的創作中，建構了一種殊異、且如詩一般的神秘色彩特質，充分發揮類比色與對比色的配色原理。他經常以一組類比色，作為畫面構成的主要架構；而在這些面積較大的類比色中，可以看見相鄰的兩色，其中一色有著另一色的存在，這是色彩多次疊刷所得到的效果。同時，在這樣的類比色架構中，藝術家再置入一些對比色或黑白的小型元素，或是圓形、或是三角形、或是細線，使得畫面產生一種凸顯、跳躍、提振的視覺感受。小型元素的對比色，往往成為視覺的焦點；但大面積的類比色，則塑成了畫面整體的氛圍。

霍剛正是透過這些純粹的形色組構，營造出一種看似設計，其實充滿人文性與精神性的藝術創作。色彩營構氛圍、形式提供情節；尤其在形式當中，線條的方向、圓的大小，或三角形的排列，都具有高度示意性的功能；充滿了一種似乎有事正在發生、或有話要說的謎樣特質。這種特質既是音樂的、也是詩的特質。（註1）2016年於台北市立美術館（簡稱北美館）舉辦個人大型回顧展「寂弦激韻」；2018年6月則於義大利米蘭舉辦個人大型回顧展「形色之外」，是一位具有國際知名度的傑出藝術家，更是台灣「冷抽」藝術的重要建構者。

曲德義、霍剛的作品於耘非凡美術館展出現場。（采泥藝術提供）

1947年出生於上海的莊普，兩歲時隨家人遷居台北。1969年自復興美工畢業後，於1973年進入馬德里大學（Universidad Complutense de Madrid）藝術學院就讀，1981年，結束在西班牙馬德里藝術學院長達近九年的學習，回到台灣，正逢台灣政治、社會、文化面臨遽變的年代。1983年年底，北美館正式開館，隔年，莊普便以作品獲得該館舉辦的「中國現代繪畫新展望展」首獎；這也是帶著觀念藝術特質的抽象繪畫，在官方展覽中獲得首獎的第一次，正式開啟了台灣當代藝術「美術館時代」的序幕。

1984年，在台北春之藝廊推出的「異度空間——空間的主題、色彩的變奏曲」，和隔年的「超度空間展」，以「空間、色彩、結構——存在與變化」為主題，莊普都扮演了重要參與者與推動者的角色。1985年，他以「邂逅後的誘惑」為題，推出第二次個展，以方格蓋印的手法，成為他在台灣當代畫壇的重要印記；也以這樣的創作，獲得雄獅美術社頒給的「雄獅雙年獎」。之後，莊普陸續參與了SOCA現代藝術工作室和伊通公園等當代藝術空間的創立，也成為台灣抽象藝術的重要代表人物。

莊普的繪畫以方印為基本單元，在立體派或幾何硬邊的構圖方式中，呈現意念的運動和自律性。分格、捺印、排列——莊普的印記繪畫具有點描派技法的特徵，卻不以寫實具象為目的。透過形式語言本身，莊普尋求「以一生萬」的能動性；方印的序列推移、色彩的濃淡差異，皆反映藝術家既自律又嚮往自由的精神景觀。近來，在方印背景上，莊普也引入鋁製品、紙張等日常現成物，表現相互疊合或碰撞的微觀空間。具有不同觸覺感和重量感的現成物，或偏據畫布一方、或各自展開構圖，成為帶動視覺走向的亮點，也在和諧規律中衍異變化。「變化即存在」，如莊普所言，他簡化思維並且同中求異，將日常事物「化為修辭、標點，使之成為一首詩」。

此次展出的《日出之前》、《晴日換雨》、《落日的嘆息》、《地景化》、《喚醒的白》，都具有一種純淨的詩意與哲思。

莊普作品中的詩意本質，原就不純然是視覺上的形色結構，而是帶著行動與思維的內觀特色，在看似不著一語的境況中，卻有諸多和現實間的牽扯與暗示。而這樣的牽扯與暗示，往往披露在那些如詩、如謎，又似無厘頭的作品標題上；事實上，不止標題，莊普的創作，不論平面、立體，始終有其「當下」意義的返照，他的作品也猶如他心靈的日記，每一件作品，都是每一個當下片斷的存在印證。（註2）

評析台灣低限冷抽藝術的發展，從「低限．冷抽．九人展」談起

曲德義（1952-）係1976年自國立台灣師範大學美術系畢業。在學期間，亦拜師台灣現代繪畫導師李仲生。1978年，曲德義赴法留學，同時在法國國立高等美術學院（École Nationale Supérieure des Beaux-Arts, 1979-1984）及國立高等設計學院（1981-1983）學習，並以俄國絕對主義藝術家馬勒維奇（Kazimir Severinovich Malevich,1878-935）的研究作為碩士論文的主題；而在他本人的創作上，也走上結合李仲生的心象抽象（熱抽）與馬勒維奇色面構成（冷抽）的主軸風格。

如文前所述，抽象繪畫自其奠基者康丁斯基，即已隱然立下「熱抽」與「冷抽」的兩條路徑：前者，是以即興的手法，憑藉直覺、任由潛意識的流露，進行感性的抒發，畫面成為帶著動力的形、色聚合；後者則是以較知性的手法，將一些變化不定的幾何形，進行預想式的構成，呈現藝術家理念世界的某種秩序與空間關係。而曲德義正是企圖結合這兩條路徑，加上他自「支架（載體）體張面」（Support-Surface）藝術的吸納，特別強調創作媒材本身的能指性，呈顯出一種媒材／作品、感性／知性、形式／內容、筆觸／色面、穩定／傾斜、硬邊／肌理，乃至平面／空間、精神／物質等，多元對立又疊合並置的特殊風格。

1988年曲德義返台在台北三原色舉行首次個展，並進入甫剛成立的國立藝術學院（今國立台北藝術大學）任教，以迄2018年屆齡退休；其間，先後擔任校內及校外各種重要的行政職務，展現優異的行政長才。

曲德義的作品，自始就是以冷熱兩種色面的垂直或傾斜並置，造成一種帶著動勢與動能的不安定性；一如樂滿心（Larry D.Lutchmansingh）在1990年代中期所形容的：曲德義個人最明顯的藝術表徵，就是對空間運動的掌握；他可以同時在畫中引發空間運動，並延伸至畫外，有如立體派或拼貼作品中任意漂浮、擺盪的平面，又如那些充滿動力、活躍在二度空間畫面，同時也躍出畫外的各種線條。（註3）

作為華人，卻出生在韓國，來台就讀師大美術系，之後又旅居法國，這種多元的文化背景，充份展現在曲德義的創作行動中；通過潑、刮、塗、抹、流、磨等技法，一再的推疊與減去，見到了飽滿鮮明的色彩交錯融合，猶如頑童般瀟灑恣意地挑戰自我。曲德義對色彩的掌握及材質間衝突的美感呈現，總是有獨到的見解，在畫面的色彩與空間感的塑造層面，不斷提出別於既往的大膽嘗試。畫作多表現出正負空間不斷交錯的平面，創造出視覺空間的跳躍性，色彩間的融合及使用層層乳膠堆疊產生的曖昧地帶，加上藝術家在法國學習到的特殊打磨技法，平和地讓不同圖層在二維空間交錯並置、相互印證，在視覺上掀起一股莫名的騷動。藝術家更試圖在畫布平面中探索空間之外的空間，或許是長時間對形色的研究，看似感性天真的顏色加上嚴謹節制的形式，融合東西文化由內在經驗所激盪出的抽象作品，一次又一次超越色彩與形式的界線。此次展出的《並置H1608》（2016），是162×650公分的巨幅創作，完整呈現上述思維與技法的特色。 .

曲德義、霍剛的作品於耘非凡美術館展出現場。（采泥藝術提供）

胡坤榮，1955年生於台北三重，1977年進入國立台灣藝專美術科，受西班牙留學返國的陳世明（1948-）影響，開始研讀西方現代藝術理論並進行創作探討。作品以具幾何抽象的硬邊創作為主要風格；1982年在美國文化中心舉辦藝專畢業展、1984年再於龍門畫廊個展，受到矚目。與此同時，林壽宇返國帶來的衝擊，更對他造成深刻啟發，既參與幾次的「異度空間」和「超度空間」展外，也以立體創作獲得1985年北美館舉辦的第一屆現代雕塑展優選，並獲典藏。1991年，毅然赴法，客居巴黎十年，雖未正式進入學院學習，但深受法國藝壇氛圍影響，專注於幾何抽象繪畫之創作，2000年返台後，創作不輟。

胡坤榮的幾何抽象，以正方形色面為主，搭配一些斜面的構成；粉系的色調，讓知性的畫面，散發一股輕柔、感性的氛圍。繁複卻具秩序的空間結構，充分展現都會生活的幸福情趣與個人品味。

此次參展的作品《水中倒影》、《荷花池》、《浮世繪》、《蟲鳴》、《秋陽》、《前奏》、《初雪》等，都展現一種含蓄、內斂卻又深具動能的典雅氣質。

胡坤榮的作品於耘非凡美術館展出現場。（采泥藝術提供）

蔡志榮，1957年生於台灣雲林，為台北畫派創始成員之一；是活躍於台灣當代畫壇的藝術家，多次受邀參加國際性展覽，如法國巴黎大皇宮聯合展、德國幕尼黑藝術電影邀請展等。後期也策展國際性展覽，近期在上海多倫現代美術館個展並策展。創作上，無論是透過條碼、QR code為藝術理念架構的創作，或奠基於全球化概念的「環境動力美學」，都構築在人文支架後，潛藏的是藝術家精闢的美學論述和廣闊的全球視野，透過審美形式的媒介，直接而力道地切入時代動脈，面對科技規律的現實世界。此次展出的「符語編碼」系列，正如藝術家所言：是企圖反映出當代性的大時代思維，並建構出跨越時間、空間藩籬的全球性觀念，藉以匯聚成一股穿透國際界限的創作層次空間與展演。

蔡志榮的創作，在多樣化的表現與手法背後，其實總與種族衝突、政治對立、弱勢族群力求爭取平等的社會現象相連結；他不僅僅是一位藝術創作者，更是社會關懷的實踐家。藝術對蔡志榮而言，既是一種手段，一種藉由藝術行為具體實現社會參與的運作；也是人群教育的再造與實現藝術大同理想的展演。

胡坤榮、蔡志榮的作品於耘非凡美術館展出現場。（采泥藝術提供）

1958年生於台灣台東池上的劉永仁，1979年進入文化大學美術系，專攻水墨創作，扎下具有東方精神的藝術思維基礎。求學期間，即曾多次舉辦水墨作品展覽，表現出為東方文化尋根的企圖心。1983年畢業後，繼續專研水墨媒材，試圖從傳統性延伸到現代性；同時任職文建會美術科，並擔任國際版畫雙年展執行秘書。1989年前往巴黎遊學，1990年轉往義大利米蘭，並舉行現代水墨個展。1991年入義大利國立米蘭布雷拉藝術學院（Accademia di belle arti di Brera），創作關懷逐漸由水墨紙本轉向油彩畫布。1995年取得該院碩士學位。期間，曾先後為台灣《典藏》、《雄獅美術》、《藝術家》雜誌撰文，尤其對1990年代的威尼斯雙年展等多所評介，也是一位創作與評論兼擅的藝術家。

1996年返台之後，隨即在致力於推動當代藝術的台北帝門藝術教育基金會舉辦名為「深度呼吸之複次方」個展，開始提出「呼吸概念」（concept of breathing）作為藝術創作的核心思想。

藝術家認為：所有的感受都具有某種程度的空間擴張性。他著迷的形，通常是融化表象之後浮現的異形，那是表形之內真正的內在形，也是拆卸知性功能之後，進入潛意識之內的形，重新認識這些形象是令人愉悅的。在形與形、色與色相互妥協卡位之後，形成新的秩序和樂章，一切都像呼吸一樣自然而然地發生。它們是似乎宇宙開境以來就存在，原來就有秩序的挪動，自有其倫理和引力、斥力。在藝術本質與轉化之間，就像他的呼吸之門，它在千錘百鍊之中昂然存在，在看似隨機與偶遇的空間中構成，卻隱然存在於協調與非協調之必然。

歷經「呼吸深度」（2002-2010）、「呼吸形跡」（2010）、「呼吸滲透」（2011）、「呼吸．取境」（2013）等系列，2015年之後，逐漸轉向「抽象之弧」的探索。在這些帶著潛意識特色的作品中，劉永仁浸淫於形與形、色與色之間的對應、卡位，而形成深具張力與平衡的新秩序與新樂章；拆卸知性思維的邏輯架構，創作的過程就猶如平素生活的「呼吸」之間，那樣的自然、舒緩，而平順。

劉永仁任職北美館展覽組期間，策劃諸多和抽象藝術相關的重要個展與特展，並撰著相關評介，頗受肯定。「低限．冷抽．九人展」是他退休後參與的第一個大型展出，也是個人生涯全力投入創作後的一個全新開始；後續發展，深值期待。

劉永仁的作品於耘非凡美術館展出現場。（采泥藝術提供）

宋曉明1967年生於花蓮，1994年畢業於國立台灣師範大學美術系後，赴美國紐約市立大學城市學院（City College）完成藝術創作碩士；之後又於英國蘭卡斯特大學蘭卡斯特當代藝術學院（LICA）取得視覺藝術博士。宋曉明的作品，經常在抽象的背景前，呈現一種虛構的影像，如：幾可欺騙觀眾眼睛的膠帶；它們勾勒出畫面所呈現的幾個顯著特徵，比如光與影的交互影響與變化；這些栩栩如生的觸感，在在吸引觀者進入一個視覺上的實體世界。然而當那些對畫面中透過繪畫與原始媒材交互作用而產生的「真實感」，被「觀察」的理解所挑戰之後，觀者將發現：這些影像都只存在於二度空間，一切都是視覺上的幻覺，我們眼睛所見的現實並不全然真實。總之，宋曉明以看似極其逼真的影像，挑戰觀眾的視覺，也傳達了某些抽象的思維。在「真實」與「虛構」之間、在「認知」與「想像」之間，宋曉明的作品令人重新反思：視覺幻象的產生，是否正好揭示了人們對於事物表象的執著與慣性？

宋曉明的每一件作品，都傳達了他生活上的感受和幻想；那些想像與感受就如夢境般地無法捉摸與把握。但是，透過畫中強烈的質感刻畫與深沉的圖像隱喻，那些不能觸及的抽象境地卻又實際連結起觀者不同的想像與記憶。

宋曉明的作品於耘非凡美術館展出現場。（采泥藝術提供）

和劉永仁同樣留學米蘭布雷拉藝術學院的耿晧剛，1969年生於台北，1993年畢業於東海大學美術系，1997-2002年就讀於義大利米蘭布雷拉藝術學院跟隨迪亞哥．埃斯坡瑟鐸（Diego Esposito）教授，主修繪畫與裝置，開啟了觀念藝術的思考。

耿晧剛初期的作品，創作靈感來自對義大利特殊人文環境的強烈刺激；不過，他對這些外在視覺美感的吸納與運用，並不是納入一種理性的掌握或歸納，也不是抒發成一種感性的情緒或發洩；毋寧說，他更像是一個行吟的詩人，以開敞、流動、適意的心靈，讓這些色彩、形式，乃至衝突、拉拒的語彙，依他們自有的溫度、個性，同時呈現在畫面之中；有時，你會窺見某個建築古老的馬賽克拼貼圖案；有時，你會發現猶如方格玻璃櫥窗後繽紛的色彩；耿晧剛的作品，充分反映一個多所關懷、凡事入心、凡物入眼的熱情藝術家的生命本質。

隨著生活與工作環境的變遷，耿晧剛嘗試多種可能的表現手法和技巧；但他總能成功地將許多不同的事事物物，安置、集中在有限的畫面中，而顯現出一定的意義或美感。明顯地，耿晧剛正是將這些原本獨立、片斷的物象或語彙，從自身的語彙脈絡中抽離出來，又併置、拼貼到另一個脈絡或文本中，形成新的意義或語境，增加了觀眾觀看、理解的空間，甚至不同的詮釋或感動。（註4）

耿晧剛的作品於耘非凡美術館展出現場。（采泥藝術提供）

1976年出生於台北的吳東龍，1998年自國立台灣藝專改制後的台灣藝術學院美術系畢業。2004年再於國立台南藝術學院（今國立台南藝術大學）造形藝術研究所畢業。在當年同儕多投入多媒材、裝置、數位，或新寫實繪畫的時潮中，吳東龍則堅持抽象形式的繪畫創作。

他在極簡的抽象繪畫，以低限、簡約、理性的訴求建立起屬於個人的繪畫風格。作品當中以大器的畫面結構與細膩優雅的色彩層次共同構成，傳遞強而有力的視覺張力並賦予隱靜的低溫情感，試圖探索符號精神、圖像空間、造形心理與色彩美學等層面。作品同時具有古典繪畫的隱靜沉穩，與當代藝術的創新思維，以大器的表現手法加上獨特的畫面肌理，建立起個人鮮明的繪畫風格。

在看似單純、低限的圖形畫面中，其實蘊含了吳東龍來自現實生活環境中的種種細緻觀察與體驗；那可能是空氣的濕潤或乾冷，也可能是腳下泥土的鬆軟或枯乾，或是嗅覺的味道：木頭的香味，混合著大麥發酵的香氣，和不知名雜草的芬芳……。吳東龍畫面中的那些色彩、圖形，都是來自這些感官、觸覺、嗅覺的凝煉與統合。此次展出的三個系列：「Blocks and Lines」、「Color Triangles」，以及「Symbol」，在看似不同的形式構成中，透露著藝術家一貫的思維與美學。