當羅丹與卡拉瓦喬，成為去大阪世博的理由——2025大阪世界博覽會義大利館、法國館、捷克館的藝術盛宴

Rodin and Caravaggio, Reasons to Visit Osaka Expo - A Feast of Art at Expo 2025 Osaka’s Italian, French, Czech Pavilions

在2025年日本國際博覽會義大利館以展出達文西手稿、米開朗基羅雕塑、卡拉瓦喬油畫，成為排隊最激烈、最難預約的熱門展館。法國館以羅丹手部雕塑貫穿展演；捷克館則由新生代畫家 Masker 詮釋慕夏未完成作，映照出當代民族精神。

鄭禹彤

2025.07.09

世界博覽會一向是展現產業、知識與文化的風雲聚會。無論透過硬體建築宣揚形象，或藉由文物與影像呈現底蘊，此皆反映了一國的核心價值與發展方向——是國力較量的競技場，也是一場探索未來思想的薈萃盛宴。然而，當實體文物逐漸式微，沉浸式影像強勢輸入、科技展示趨於雷同，反倒將人推向想像力的深淵。設計稍嫌不慎，再令人嚮往的藍圖也易變成遙不可及的抽象。

正因如此，在2025年日本國際博覽會（簡稱大阪‧關西世博）綻放萬丈光芒的藝術品尤顯珍貴。義大利館以展出達文西手稿、米開朗基羅雕塑、卡拉瓦喬油畫，成為排隊最激烈、最難預約的熱門展館。法國館以羅丹手部雕塑貫穿展演；捷克館則由新生代畫家 Masker 詮釋慕夏未完成作，映照出當代民族精神。諸多現象屢見不鮮，無疑證明：藝術在放眼世界、預言未來的舞台上，依舊扮演要角。

義大利館：排隊3小時，只為一睹卡拉瓦喬

以「藝術重生生命」（L’Arte Rigenera la Vita）為核心的義大利館，開幕僅4天即迎來超過 56,000名觀眾。萬眾焦點，自然落在卡拉瓦喬、達文西、米開朗基羅這幾位巨匠身上。義大利館文化部門代表、米蘭大學東亞藝術史教授羅賽拉．梅內加佐（Rossella Menegazzo）指出：「在 AI 與虛擬氾濫的時代，人類的真實體驗正逐漸消逝。我們希望邀請過往天才創作進入世博，激發仍在萌芽的新靈感。」（註1）

建築師馬里奧．庫奇內拉（Mario Cucinella）重現文藝復興的「理想都市」，柱廊（portico）、廣場、劇院、花園自然融合。入館，便能看見16世紀威尼斯畫派巨匠多梅尼科．丁托列托（ Domenico Tintoretto，1518-1594 ）的《伊東滿所肖像》（約1585年）。奇美博物館於去年的「從拉斐爾到梵谷：英國國家藝廊珍藏展」裡，便有丁托列托繪製的威尼斯上層軍官，想必對臺灣觀眾並不陌生。

多梅尼科．丁托列托《伊東滿所肖像》（Portrait of Itō Mancio），油畫，米蘭 Trivulzio 基金會收藏。（攝影／鄭禹彤）

這幅作品描繪第一批天正遣歐少年使節之一的畫作。1582年，有為青年們從日本前往歐洲朝聖，拜會教宗，展開為期八年的歐洲見學之旅。丁托列托在溫文儒雅的少年眼神上琢磨許久，領人感受初生之犢的徬徨與勇氣。如今，他與500年後義大利各族群青少年錄像作品交相凝望，讓歷史與當下無聲對話。義大利之所以將世博舞台留給青年，正是因為這些青年們的夢想絮語驅動著未來的希望。

中段展示區裡，義大利近年的都市計畫與工程建設錄像，並置於翁貝托．波丘尼（Umberto Boccioni）的未來主義雕塑旁。藝術、工業、科技齊同動能，將蒸蒸日上視覺化。城市與科技持續演進，不變的是，米開朗基羅《復活的基督》（約1514）的俯瞰。無從得知神明究竟是帶著關愛的見守凝視，或是對開發的冷眼警世。大理石像呈現基督復活瞬間，右手緊握十字架，身體上仍可見釘痕、繩索與長槍穿刺孔，象徵已被從十字架取下，應證了神愛世人的動心忍性。

這件作品是在5月下旬才加碼展於此地——因義大利各區得以輪番主導該館活動，偏遠的拉吉歐大區（Lazio）便將家鄉之光展出於此，證明即使到了義大利的神祕一隅，亦有大作潛藏的驚喜。儘管如此，因位在基督臉上的大理石本質地有塊黑色紋理，使米開朗基羅選擇放棄此作，然而顯著地黑痕似乎連結著日本的侘寂美學——因生命的不完全而更具美麗張力。

《復活的基督》雕像最初為羅馬神廟遺址聖母堂（Santa Maria sopra Minerva，位於米內瓦）創作，是基督復活的第一版。米開朗基羅後來將其交予梅特羅．瓦里（Metello Vari）收藏，隨後據傳由年輕的伯尼尼完成。1644年作品移至拉吉歐巴薩諾羅馬諾鎮（Bassano Romano）的聖文森教堂（San Vincenzo Martire），成為地方信仰的一部分。

米開朗基羅《復活的基督》（Il Cristo Risorto），約1514，大理石，聖文森教堂藏。（攝影／鄭禹彤）

位於展館中央的則是《法爾內塞的阿特拉斯》雕塑。時間回到了2世紀，不知名雕刻家將阿特拉斯屈膝跪地、肩負天球，作為對抗宙斯的懲罰；厚度6毫米浮雕刻出星座、黃道、四大方位與天體軌跡紋理，不僅成為了16世紀荷蘭首座天球儀設計圖的依歸，我們也似乎可以依循著紋理，返回自然數學馳騁、啟蒙覺醒的羅馬帝國。興許，藝術與科技本就同宗同源。官方導覽如此描述：「展示在羅馬宮殿時，晨曦低斜如神祇耳語，述說人類以血肉挑戰宇宙的意志與榮耀。」

《法爾內塞的阿特拉斯》（Farnese Atlas）雕塑，大理石，2世紀，拿坡里國立考古博物館藏。（攝影／鄭禹彤）

後半段的重磅是卡拉瓦喬的《埋葬基督》（1602–04），來自於羅馬聖母‧瓦利切拉家族小堂（Chiesa di Santa Maria in Vallicella）。取代過往的入土意象，卡拉瓦喬欲將耶穌安置於蓋墳石上，而觀者略高於石板上的視線高度，如臨迷撒。聖母瑪利亞、馬利亞‧克羅帕、抹大拉的馬利亞、若望和尼哥底母帶來五重哀痛使得情緒迸張，倒躺的耶穌卻因與石板呈現穩當三角形使視覺穩當大器。細看耶穌右手手勢落地比三，預示第三日復活，究天啟之意，無不令人心生敬畏。

卡拉瓦喬（Giorgio Morara）《埋葬基督》（Deposition，1602–04，The Entombment Of Christ），油畫，梵諦岡博物館畫廊（Pinacoteca Vaticana）藏。（攝影／鄭禹彤）

展區飄盪著來自梵蒂岡教堂的音聲，源於藝術家比爾．方塔納透過 AI 推演，將不曾響起、始終以傾聽陪伴世人的聖彼得大鐘微微傾訴：「我在，我一直都在」。氣氛烘托下，彷彿你我向畫中人遞送眼神，便可將夙願上達天聽。死亡是上帝獻予人的極致之愛，但唯有愛能粉碎死亡——心想，也只有卡拉瓦喬足以駕馭這份殉道與信仰的終極辯證。

最終的展示依舊高潮迭起，來自米蘭盎博羅削圖書館（Biblioteca Ambrosiana）的達文西手稿《大西洋古抄本》，「藝術與科學」為主題輪番展出。達文西的筆記與素描，橫跨藝術、科學與工程三界，正好回應當代重塑界限的不斷試驗。總歸一句，義大利館的展示之所以令人動人，是因不只將藝術視為自國榮光，而是再再透過古今實例，喚醒我們：「文理合一」為亙古不變的最終去向。

二、法國館：當羅丹之手作為串展的核心之靈

法國館承襲「藝術是再生之歌」的宗旨，藉由多件羅丹刻劃的手部作品，與觀眾對話、貫徹展場的誠意表露無遺。這樣的發想來自法國政府成立的策展公司COFREX（Compagnie Française des Expositions），這個組織專門規劃世博等國際級展演活動。

入口處來自2019年巴黎聖母院火災中搶救出的奇美拉獅首雕像，與一幅巨型織毯——來自吉卜力工作室《魔法公主》中的經典場景〈阿席達卡療傷〉，預示法國館中心思想——文化遺產的修復與自然共生的未來。（攝影／鄭禹彤）

COFREX策展人指出：「手是人類最早的工具、最深的記憶：它能創造、連結、療癒，也可能摧毀；作為人與世界溝通、建構未來的起點。」（註2）承此概念，特製國家級認可的羅丹複製品，其中亦有《地獄之門》、《接吻》的手部選段作品，保留精準手法與原創質感，亦經由法國Grand Palais鑄造工坊依原作授權，使感動毫不減分。

首先以羅丹些微交錯之拱型手《The hand that unifines》呈現Louis Vuitton的工藝展區，正如同對精細工藝的憧憬與致敬；再者，用深深緊握之手《The hand that protect》呈現龐畢度中心（Centre Pompidou）屋頂上，三位來自不同種族的舞者對於愛與城市的能量流動現代舞作，此區的手與身體最是纏綿，濃烈感情表露無遺。

若有似無連接之手《The hand that shares》，串聯超過百年的銀杏樹與釀酒莊園，那麼人便不曾離開過大自然；最終，以《Two left hands, known as hands no.2》讓關節再度輕扣十指，再現2023年於東京現代美術館轟動一時的Dior 回顧展。展場同樣由重松象平與OMA打造，放映著高木利子攝影的Dior寫真圖像，令人在與科技高張的年代，仍毫不猶豫地選擇眷戀工藝。

三、捷克館：當慕夏與新銳藝術家跨越時空地螺旋對話

得力於波希米亞水晶（Bohemian Crystal）的盛產，捷克以玻璃工藝之國聞名於世。由Apropos Architects領銜操刀的捷克館建築，便直接將玻璃螺旋而升，意喻從個人、民族、文化，到宇宙萬物的探索歷程。核心策展理念，源自捷克新藝術巨擘阿爾豐斯．慕夏（Alfons Mucha）於晚年的未竟之作——三聯巨構《三個時代：愛、理性、智慧》（L’Amour, La Raison, La Sagesse）。這是他繼完成《斯拉夫史詩》（TheSlavEpic）之後，企圖昇華人類文明的更宏觀巨作，可惜因二戰前夕的納粹入侵，成未遂之願；如今，捷克館以他的遺願作為基盤，重新省視現今不安局勢，企圖以此三要素召喚人們心向光明。

為此，捷克政府邀請新生代藝術家雅各・馬圖什卡（Jakub Matuška又名 Masker，1981-）現地創作200公尺長大型壁畫。馬圖什卡早年在街頭藝術嶄露頭角，於布拉格美術學院受學院派訓練後，曾赴紐約與倫敦進修。創作混合了手繪、噴筆、電腦特效質感等技法，將人物時而變形成漫畫角色，時而溶解成半透明幽影，柔軟捕捉人們生處於世的存在隙縫與能量流動。他曾說：「畫畫，是為了把那些腦海中揮之不去的畫面實現出來。」這樣的創作動機與他童年的閱讀障礙、以畫代筆不謀而合。

馬圖什卡以其早年塗鴉口吻，結合慣有漫畫筆觸，再詮釋慕夏未訴的理想，昔日象徵主義風格重新融入新潮文化圖像，走斜坡猶如漂浮在敘事洪流，而個人與社會、科技與靈魂的意象在此交錯流轉。

相映成趣的是來自捷克曾於 2022 年威尼斯雙年展出展的當代玻璃雕塑大師羅尼・普雷斯爾（Rony Plesl，1965）裝置藝術。以獨創的熱熔玻璃鑄造技術（vitrum vivum）不受大小限制地玻璃雕塑，如晶體樹、蔓生藤枝，透過光折射下與我們的視線對話，講求環境倫理同時，也闡述捷克百年來的玻璃緣分。

展末可見一慕夏的小型人像雕塑，作為慕夏見證此展的開放式結局。無輪如何，隨捷克館裡藝術與思辨同步攀升，似乎也體感了捷克從自身歷史中的傷痕與蛻變。

慕夏《岩石上的裸體》（Nude on a Rock），1899，布拉格慕夏博物館（Mucha Museum）藏。（攝影／鄭禹彤）

在世界劇變的洪流中，我們是否得以秉持愛、理性與智慧找到未來的出入？——探討的議題普及於俗，卻仍待現世的你我解答。

藝術與科技的交融，終是人類未來去處

從藝術之都義大利，到愛的頌歌在法國，再到捷克館宛如藝文遺傳子的螺旋對話，2025年大阪‧關西世博宛如一場涵蓋過去、現在與未來的文化嘉年華。縱使世界各國以建築、科技、錄像分庭抗禮，藝術終能觸碰心深處，為世界博覽會的熱鬧，留得一絲僻靜與感性。一國之驕、一國之思、一國之未來總和於此，繁華之後，藝術烙成最深迴盪，繞樑於每個走訪現場的你我心中。