愛麗絲．尼爾（Alice Neel，1900-1984）被公認為20世紀最重要的美國藝術家之一。在1940至50年代現代主義藝術、抽象表現主義盛行的時間裡，她仍堅持著具象繪畫，並從肖像畫創作中發展出自己塑造人物的風格，從人物的服裝、姿態、眼神等細節中看見一個個深刻的故事，因而被稱為「靈魂採集者」。7月28日，典藏藝術家庭以「藝術家愛麗絲．尼爾－靈魂採集者的『地下手記』」為題，由典藏雜誌社社長簡秀枝擔任主持人，邀請卓納畫廊資深總監許宇及藝術史學者許瀞月，分別分享愛麗絲．尼爾的創作故事及其藝術定位。
卓納畫廊資深總監許宇首先向觀眾提問：「當我們談論女藝術家的時候，我們說的是什麼？」無疑地，提及愛麗絲．尼爾時經常加上「女」藝術家這個身分詞，但許宇認為愛麗絲．尼爾的核心理念以及藝術實踐早已超越性別、種族與身分。他以肖像畫《 ⿊⼈徵召入伍者（詹姆斯 ·亨特） Black Draftee (James Hunter)》為例，這幅畫是尼爾為青年James Hunter畫的肖像畫，她畫完面部後青年便參與了越南戰爭，此後未能再與尼爾相見。這幅未完成的作品，在2016年大都會博物館「未完成：可見的思維」大展中展出，它看似未完成，卻早已藉由其背後的故事，完成了作畫的意義。
許宇認為回顧尼爾的創作生涯，她總是堅守著具象繪畫為表達方式，探索世人所沒有意識到的細節。她透過描繪英勇的戰士、女性、次文化族群、LGBTQ等，這些人在尼爾的筆下大方且自然地展露身體，展現他們對於身體的自主性，並且毫不避諱地傳達他們的慾望。例如《裸體的娜迪亞》（1933）及《安妮．斯普林克爾》（1982）畫中主角都有著強烈的自我覺醒，以最誠實的方解放身體與情慾。1980年尼爾畫了第一幅自畫像，許宇認為尼爾他沒有任何禁忌、從容展現自己，她已超越傳統的審美觀，而是從人的表象中， 烘託人物的心境。
相對於女性肖像畫，許宇也以《喬．古德》（1933）及《約翰．佩羅》（1972）為例，畫中人物大膽地向觀眾展示身體，真實而赤裸。而在那個LGBTQ族群尚未被公開談論的年代，尼爾也畫了許多同性愛侶的肖像，《傑佛利．亨德列克斯與布萊恩 》（1978）、《大衛．布爾頓與古格里．巴特考克》（1970）及《賈姬．柯蒂斯與麗塔．雷德》（1970）皆從人物的肢體互動、眼神及姿態中，看見親密的關係。
除了人物肖像本身，尼爾的畫作也是時代的載體，例如她畫了許多時代女性，包括實驗電影導演、黑人女性等，分析人物的髮型、服飾、姿態，在人物故事之外，同時也暗示著他們的身分背景及地位。尼爾創作了許多街景、哈林區景象等等，作為對美國社會現代化的觀察，從景物的變化中看見發展進程，是時代的見證者。
在繪畫風格上，許宇也注意到尼爾從早期接近於表現主義的風格，1930年代她傾向細膩地畫人物的全景、經營畫面的每一個細節，逐漸地以減法創作，直到1970、80年代開始以著重臉部特徵的手法創作。雖然直到1974年，尼爾才首次舉辦大型回顧展，許宇認為尼爾的創作無論對於身體、人物的關懷、時代觀察上都有重要的意義，她的成就已超然於身分、性別、畫作類型的各式框架。
藝術史學者許瀞月則是回看藝術史，尋找尼爾的定位。她首先提出三個問題：怎麼看出愛麗絲．尼爾的社會思想與人道關懷？她如何表達心理的層次感？當代身體的創造性何在？ 許瀞月認為尼爾受到表現主義、低限主義及普普藝術等影響，她擁抱社會底層，對於畫中人物有著共感與關懷，被認為是「地下的宮廷畫家」。
孟克是尼爾早期創作的重要啟發者，尼爾畫中誇張而具有動態的線條、變形的邊界，都與孟克的風格不謀而合。而《Hartley on the Rocking Horse》（1943）畫著小孩的肖像，卻以畫中鏡子反射出尼爾做畫的樣態，藉以探索靈魂，與維拉斯奎茲的名畫《侍女》在構圖上有所呼應。
許瀞月從女性身體與關係的分析中，看見尼爾畫作的特殊之處，例如《馬克思主義女孩》（艾琳．佩斯利基斯）（1972）以放鬆的姿勢、保留的腋毛，突出她不受束縛的性格。而《琳達．諾克林與黛西》（1973）中仔細處理母女關係，也透過諾克林著名的文章〈為何沒有偉大的女性藝術家？〉回應女性創作者的處境。
回到尼爾的自畫像，許瀞月提到女性藝術家自畫像的巨大轉變，從過去優雅、年輕、美麗形象，轉向直接而真實地展露身體，藝術家、或者說「女性」 藝術家已衝破固有的框架，而開創出前衛的身體語言。許瀞月認為尼爾晚期畫中的留白手法是必然也是偶然，藉此，畫中人物得以更為突顯，尼爾作為創作者，她同時是時代的見證者，也是靈魂採集者，從對人的關懷中，看見當代的身體語言。
林芷筠( 34篇 )