工作是否有結束的時刻：國立台灣美術館2023國際科技藝術大展「你正在工作嗎？」

Does Work Ever End: National Taiwan Museum of Fine Arts “2023 International Techno Art Exhibition: Are You Working Now?”

國立台灣美術館2023國際科技藝術大展「你正在工作嗎？」（Are You Working Now?）由麥克．斯塔布斯（Mike Stubbs，英國）、陳明惠（Ming Turner，台灣）共同策展，協同來自8個國家、共13組藝術家展出。展覽分為三個子題：「從煤礦開採到數據挖掘」、「自我剝削」，以及「下班打卡」，藉由自個人身體勞動至整體社會科技發展之間不同尺度的作品，試圖提問「何謂工作？」或「工作是什麼？」引發觀眾對當代工作樣貌的思考。

「你正在工作嗎？」（Are You Working Now?）乃國立台灣美術館（國美館）2023國際科技藝術大展，由麥克．斯塔布斯（Mike Stubbs，英國）、陳明惠（Ming Turner，台灣）共同策展，協同來自8個國家、共13組藝術家於國美館水牛廳展出。展覽分為三個子題：「從煤礦開採到數據挖掘」、「自我剝削」，以及「下班打卡」，藉由自個人身體勞動至整體社會科技發展之間不同尺度的作品，提問「何謂工作？」或「工作是什麼？」除了引發觀眾對當代工作樣貌的思考，更埋藏著「藝術家的工作是什麼？」、「藝術家工作何時結束？」等難題。

展覽開幕活動現場，國美館陳貺怡館長（左5）、臺灣策展人陳明惠（左4）、英國策展人麥克．斯塔布斯（Mike Stubbs）（右4）及參展藝術家合影。（國立台灣美術館提供）

「你正在工作嗎？」的展題，除了「工作」兩字引人注意，另一個巧妙的細節乃是它使用了現在進行式提問：在展覽中不論你是參展藝術家、觀眾，或許都正處於「工作」的狀態之中。這個現在進行式，於8月12日的開幕活動現場中，更顯得格外有感。站在舞台前的美術館長、拿著麥克風闡述展覽概念的策展人、於前排椅子上等待發言的藝術家、拿著告示牌的工作人員、雙眼盯著攝影機鏡頭的攝影師、台下頻頻點頭的媒體朋友、游移在周圍的觀眾……大家是否都「正在工作」呢？如果是，那這個「正在工作」的狀態，會隨著開幕活動落幕而結束嗎？如果不是，在這個展覽的現場，作為參與展覽發生的一份子，何以確認自己不是？又該如何證明自己置身事外，而非被迫地、無意識地被安排在特定的工作情境之中？

行為藝術家羅西．吉本斯（Rosie GIBBENS）帶來開幕表演，隨著影印機的亮光，將臀部等身體部位靠在上頭，打印出一張一張身體影像。（國立台灣美術館提供）

行為藝術家羅西．吉本斯（Rosie Gibbens）配合後方展示著怪異穿戴裝置的錄像作品《嶄新的我（系列）》，於展覽現場親自穿戴各式物件，強化其對於「女體用於勾起購物慾望」的論述，進行開幕表演。（國立台灣美術館提供）

隨著羅西．吉本斯（Rosie Gibbens）於她展區的現場表演，更強烈的讓「你正在工作嗎？」的問題變得更難回答。藝術家像是正在「示範」她的工作般，穿著套裝、踩著高跟鞋，將角落的影印機推到中央，於長椅上整齊擺放著布偶、膠帶、剪刀、削鉛筆機、帶流蘇的胸貼……等物。觀眾圍繞著她，見她隨著影印機的亮光，將舌頭、乳房、臀部靠在上頭，打印出一張一張身體影像，並搭配長椅上的物件進行裝置、穿戴。錄像作品《嶄新的我（系列）》如廣告影片般，展示著怪異的穿戴裝置，輕快配樂成為表演的背景音樂，也更強化藝術家「女體用於勾起購物慾望」的論述。當藝術家匍匐著離開展場時，在場沒有任何人能確認表演（工作）是否已經結束。

除此之外，此展覽相當難得地也展出了謝德慶《一年行為表演1980-1981》相關文件，內容非常完整，366張打卡單與366段膠捲影像環繞整個展區，還有打卡機旁縮時般的紀錄影像、表演時穿著的衣服。當藝術家親臨現場為觀眾進行導覽時，看著藝術家白髮蒼蒼地站在打卡機及動態影像旁，這個將時間刻度與肉身緊緊聯繫的表演，跨越了40餘年的光陰，它的力量未見衰退之勢。

哈倫．法洛基（Harun Farocki），《工人離開工廠》（Workers Leaving the Factory），1995，錄像，36 分鐘。（© Harun Farocki GbR，藝術家家屬提供）

《工人離開工廠》是人類史上第一部公開放映的電影，哈倫．法洛基（Harun Farocki）復刻片名，創作此部論文紀錄片。原本45秒的影像中，我們未能知曉工人離開工廠是返家、參加集會或是抗爭；而藝術家剪輯了若干知名電影中的片段，表達電影工業中既有的勞動形式在自動化科技、人工智能發展下，終有消失的一天。

吳梓寧《工人智慧－反聖誕賀卡競賽》（2023）於展覽現場。（國立台灣美術館提供）

吳梓寧與西蒙．丹尼（Simon Denny）、約翰．傑拉德（John Gerrard）則以相異的角度觸碰「挖礦」之工作。吳梓寧《工人智慧－反聖誕賀卡競賽》延續其《家庭代工》一作，將個人勞動的價值交換，連結至NFT收藏、炒作、交易的議題。他以聖誕彩球作為「代幣」，於物理空間及區塊鏈空間彼此交纏。據藝術家所言，展場中倒掛的聖誕樹之「反聖誕」的意涵，便是反聖誕節背後的消費世界。

西蒙．丹尼（Simon Denny），《久益環球半自主長壁採媒 7LS8採煤機紙板展示》（Joy Global semi-autonomous longwall coal mining 7LS8 shearer cardboard display），2019，鋁製展台框架、蜂窩紙板 UV 影印、不銹鋼電纜、螺紋桿和螺栓、鋁桿、木材，約154 x 595 x 347 公分。圖片拍攝：傑西‧亨尼福德／新舊藝術博物館。（藝術家及紐約Petzel畫廊提供）

西蒙．丹尼《元宇宙地景》及《採煤》，則聚焦於新土地的占領與標示，無論是虛擬土地的佔有與個性化，乃至以遊戲的貼皮模型風格呈現挖礦的重機具，都關係於在有限的空間中挖掘價值，甚至是耗竭資源。約翰．傑拉德的《西部旗幟（紡錘頂油田．德州）》則以電腦演算模擬1901年的「盧卡斯噴油口」，從過往石油開採造成的環境負擔，呼應到今日龐大的算力需求亦對自然產生負面影響。這些作品中的工作，不僅是身體之勞動，也討論在自動化的世界中，工作的樣貌如何產生改變，甚至與工作相關之「閒置」，或許也是工作的另種樣貌。

約翰．傑拉德（John Gerrard），《西部旗幟（紡錘頂油田，德州）》（Western Flag (Spindletop, Texas)），2017，實時運算模擬影像，尺寸視場地而異，藝術家收藏。（藝術家及紐約Pace畫廊提供）

陳乂，〈道- – – -〉，2023，錄像裝置，尺寸視場地而異。（陳乂工作室提供）

陳乂的《道- – – -》，透過遊戲內的NPC之「工作」，討論虛擬角色是否存在勞動問題，並透過他們的分工，反身自省當代人類往返於現實與數位世界時，模糊的邊界有沒有可能也讓自己在日復一日的重覆中，成為另一種生體NPC？而希朵．史戴爾（Hito Steyerl）的《太陽工廠》，則假定了一個由人類獻身服務於遊戲的情節——被遊戲玩的人類。攝影棚中的強迫勞動，都是為了餵養遊戲，在各式的影像拼接中，事實亦真偽莫辨。兩件作品皆包含了動漫、遊戲的語言，無論是《道- – – -》之中奇幻的種族、角色，甚至於在《太陽工廠》中攝影棚內的舞蹈，附身於動漫人物形象，並掛上了不明覺厲的遊戲ID。

希朵．史戴爾（Hito Steyerl），《太陽工廠》（Factory of the Sun），2015，錄像、高解析單頻道錄像環境、冷光發光網格、海灘椅，23分鐘。藝術家提供。圖片CC 4.0 希朵．史戴爾。（藝術家、紐約Andrew Kreps畫廊、柏林／巴黎／首爾Esther Schipper畫廊提供）

軟工業（Molleindustria），《造一個更好的捕鼠器》（To Build a Better Mousetrap），2014，遊戲軟體。（藝術家提供）

同樣與遊戲相關，自2003年便投身於「軟工業」（Molleindustria）企劃中的保羅．佩德齊尼（Paolo Pedercini）帶來《造一個更好的捕鼠器》，該作品是個貨真價實的「遊戲」，觀眾／玩家透過點擊滑鼠，調度遊戲中的角色、資源，並在拿著棍棒的貓咪監督下，讓老鼠們努力工作。在不斷重複地安排工作崗位、餵養飼料中，似乎看不見遊戲的盡頭，卻又在極其規律的聲響、動畫中，產生日常工作的既視感——並不為了自己而生產，所有勞動皆服務另一個更巨大的機器。

莫奔（莫里斯．貝納永，Maurice Benayoun），《城市廣告價值》（City Ads Values，螢幕截圖），2022，錄像，4分鐘54秒循環播放。（藝術家和奧沙藝術基金提供）

法國藝術家莫奔（莫里斯．貝納永，Maurice Benayoun）的作品《城市廣告價值》藉由政府、企業於城市中宣傳的標語，塑造人們的價值取向；《價值觀的價值交易數據板》則像是交易員進行金融資產交易般，讓收藏家得以在交易數據板進行價值交換。交易板上的曲線波動，以及分布相異色塊的世界地圖，更讓這件作品在資訊的美學上，擁有令人窒息的說服力。令觀眾不由得盯著上頭自己也不確定是否理解的數字、圖表，試著參透其中的奧秘。反之，你哥影視社的《宿舍》，則赤裸地將越南女工們的「現場」搬移到展場中，在作品中那既是她們生活的現場，也是她們發起罷工行動的現場，更是她們於罷工期間從事標語、道具生產的現場。稍微退後一點來看，這亦是影像工作坊的現場，乃是好幾次與女工討論、演出編織出的工作現場，最終成就這件作品。《宿舍》一作與《工人離開工廠》的異同之處，值得觀眾細細品味。

你哥影視社《宿舍Ký Túc Xá》（2023）於展覽現場。（國立台灣美術館提供）

在侯怡亭《kill 8 seconds》一作中，展場裝置了一個白色半透明的扇形空間，分割為六個單向的廊道。廊道的盡頭各自包含一個螢幕，當觀眾深入廊道盡頭時，先前觀眾於扇形空間中的影像便穿插出現。根據數位行銷策略研究指出，短短的八秒鐘，最能吸引網路用戶的注意，然而觀眾參與這件作品的短短八秒鐘，雖看似無所事事，卻在扇形空間內隱藏的攝影機監控下，參與了作品運作、生產，甚至成為吸引後來觀眾的誘餌。

侯怡亭《Kill 8 Seconds》（2023）於展覽現場。（國立台灣美術館提供）

最後，特別有意思的是黑川良一（Ryoichi Kurokawa）的作品《rm》。它相較於其他作品，並未有太多視覺可讀的線索，甚至難以察覺工作、勞動相關符號。僅依靠著頻閃燈與環場音效構成一個沉浸式的影音裝置。在難以知曉光源的狀況下，偶發的閃光或藍或紅，伴隨著聲響，像是雨聲、雷聲，或是某種噪音。換言之，在這個展間中，唯一包含的或許只剩直擊感官的抽象資訊。說實話，也因為此作品並未有太多「可讀」的資訊或明確指向的議題，反倒適合在展覽的最後，安靜的在這裡待上一陣子，細細消化整體展覽的內容。若因此憶起哪個細節，在錯過之前，也能折返回到其他展間，從作品中挖掘更多的靈光。

黑川良一（Ryoichi Kurokawa），《rm》，2014，十六頻道三原色頻閃燈，四聲道環場音效，4分鐘，尺寸視場地而異。（藝術家提供）

「你正在工作嗎？」雖為一個科技藝術的展覽，但並未盲目地追逐酷炫的技術、效果。反倒在最新潮的科技物與議題之間取得良好平衡，使得焦點的重心落於展覽的議題之上。人工智慧生成、區塊鏈技術，恰到好處地與家庭代工、身體表演等，於展覽中發生對話。觀眾亦可在這些對話中，反思過去與未來人類和科技的關係。而埋藏在展名中的難題，關於藝術家的工作是什麼？何時結束？更是耐人尋味。

藝術家的勞動，所產生的價值是否僅在藝術場域中有效，那離開了美術館之後，我們又該如何理解藝術家的工作。是否離開了藝術場域，藝術家的工作便會被迫結束呢？若繼續細究「Are you working now?」，其中的「Working」亦有運作的意思：你／你們是否正在運作呢？是否正常的發揮該有的功能／功效呢？

那麼，以展覽自身來看，藝術是否順暢的運作著？這個展覽有沒有好好發揮它的功能？這些問題，都留待蒞臨現場的人們。「你正在工作嗎？」將會帶給觀眾難得的思辨體驗。