此次臺灣參與太平洋藝術節的規模之大前所未見，在揮舞著國際交流的旗幟浩浩蕩蕩出發後，也不免令人好奇，究竟國際交流到底要交流什麼？這次的交流經驗又如何回饋至未來的工作崗位，為臺灣原住民族的文化產業注入更多活水？本文邀請了史前館研究員林芳誠、獨立策展人李韻儀、原住民電影學院創辦人莎韻‧西孟（Sayun Simung），以及傳藝中心臺灣音樂館主任賴世哲，分別從研究、策展、民間單位、行政機關等角度，分享各自的觀察以及未來工作的實踐規劃。
英國當代藝術家喬恩．柏格曼（Jon Burgerman）再度於Dopeness Art Lab舉辦個展「FAMILY」，展出他充滿童趣和辨識度的可愛角色。柏格曼以簡單的顏色、形狀和線條塑造角色，探索現代城市生活中的孤獨和群體互動。本次展覽展出一系列紙本、畫布作品，至木質和雕塑作品，展示角色在現實世界中的轉變。他認為這些角色代表任何人，反映了疫情以來對家庭和人際關係的深思，揭示了人類共通的情感和真理。
文化中介組織與民間藝博會的合作、國際藝術機構對原住民族藝術的關注、商業畫廊規格化的作品保存制度，與企業看待藝術收藏與贊助的視野轉變，正成為為臺灣原住民族當代藝術市場加溫的後台。
童年的美術館
每個孩子的答案都獨一無二、充滿驚喜。許多孩子解釋他們為什麼喜歡所選的畫時，可以清楚地表達色彩或形狀帶給他們「好看」、「漂亮」的感覺，有些甚至可以更深刻地描繪出畫面帶給他的「情緒」及情境。像是一位九歲的男生指著他最喜歡的畫作（劉啟祥的《港灣》）說：「畫中只有一個人在看船，是有一點快樂的感覺，但還是抵不過孤單的感覺。」一語道出畫面的孤寂感。
童年的美術館
博物館與兒童的連結，最早可追溯至19世紀兒童博物館（Children’s Museum）的成立。當時因應整體社會需求，兒童博物館被賦予重大教育兒童的任務，即提供兒童進入社會前學習各種技術。所幸經過百年的演進，不再只有兒童博物館以兒童為中心（Child-centered），許多博物館也開展了與兒童有關的服務與規劃。
初見劉耿一的繪畫作品，觀者可以從畫面構成中感受到濃厚的陰鬱抽象氛圍。劉耿一生於日治時期末期，童年分別在臺灣和日本度過，並見證臺灣從威權時代逐漸邁向民主的轉變，深刻地影響了他的藝術風格。其創作主題廣泛涵蓋風景、人物、動物及鄉間景象，尤其在1980至90年代間一系列反映了臺灣社會動盪的系列作品，展現他對於歷史與殖民的深刻反思。
在林清汶看來，許雨仁無疑將傳統／當代、本土、國際結合出了獨特樣貌。對應這樣一位到處野晃的藝術家，以自己的靈魂一面汲取古典傳統中的精華，一面以上山下海的身體力行面對自己所立足的真實土壤，林清汶以「又野又雅」稱之。此次北美館回顧展，系統性地收斂了許雨仁的創作歷程，與此前幾次畫廊展覽所展現的片斷有所不同，足以讓人看到更全面的許雨仁。
近年在全球疫情後，大量應用投影技術的「沉浸式」展覽空間，如巴黎盧米埃工作室、邁阿密Superblue等在國際大城市中迅速興起，展示梵谷、莫內等大師作品及裝置藝術，豐富觀眾視覺與情感體驗，同時創新了商業模式吸引廣泛觀眾。威尼斯雙年展中，來自法屬馬丁尼克島的朱利安．克魯澤混合了深海影像和海底廢墟般的裝置雕塑，進一步擴展了「沉浸」的概念。 2023年，瑞士洛桑美術館「沉浸。起源：1949-1969」一展回顧了半個世紀前的沉浸式藝術，展示了現代與過去裝置藝術的對話，成為了解當今藝術生態中不可或缺的一部分。
綜觀這次新美館展覽「體育課」，除了從一般我們習慣的藝術作品來為我們展示「運動」的多層次意義外，也以物件、互動場地、選書策略，來多角化經營與擴充美術館的觀眾，並特地選在巴黎奧運期間，大家正巧將眼光都放在運動員的表現的同時，提醒其背後可能衍伸的議題。
「天天上演」展覽邀請觀眾放下對於藝術、美術館的定見，透過身體感知探索蓄積於藝術創作中的故事性和精神性。在此，觀眾不僅是與藝術家共創作品最終樣貌的參與者，也將成為這個因互動參與而不斷變動的展覽／表演現場之見證者。自由不設限的空間設計與藝術家們跳脫慣性框架、試圖擾動既有系統的創作展現，使展覽空間宛如一個大型表演現場，呈現出藝術與觀眾之間交互影響的動態關係，真正落實嘉美館作為城市客廳的願景。
