編按：近四年來，優秀的年輕繪畫創作者在獎項、評圖與開放工作室現場逐漸嶄露頭角。在這樣的繪畫新世代裡，似乎共享著某一些對於風格、技術和視覺語彙的價值判斷。因此，我問了勤跑各地看畫展的年輕藝術家張大仁，同樣創作繪畫的他，在學長姊與前輩藝術家的創作中，看見了甚麼樣的現象。而本篇文章即是他對於當前繪畫創作裡的現象觀察。
風再起時
進入學院後的年輕創作者，勢必會感受到各種來源的價值評判，周圍有師長和同儕，再向外則是獎項、畫廊和美術館等，以及社群媒體，各類反饋都影響著創作者的狀態與走向。身為生活極早就與網路相連的世代，來自社群媒體的資訊是思想中不可分離的成分。事實上，前述的各種角色，都已和社群媒體上的「分身」（帳號）緊密相連，而那些分身對的影響甚至可能更即時，也更持續。這裡說的分身不是指誰在網路上的分帳或小帳，而是相對於實體世界裡某人或某機構身分的「本帳」，在網路上的分身。
甫完結大學四年的歷程，經過三、四個評鑑，再經過研究所考試，同儕間會繼續創作、以所謂「藝術家」為目標實踐的人，應該是明顯可察的。在學院中待了四年，除了與師長們更熟絡，有志考研的人，應該也都會關注研究所的學長姐們與其創作，不論是否有意，多少都會產生對學院選擇標準的猜想與摸索，這和我常在想的「北藝風」現象有關。「北藝風」不是個明確定義的詞，但在我認知中，通常是形容1980-90年代出生，部分北藝美術系畢業的藝術家的繪畫風格，在近年的研究所、大學部學生的作品中仍能感受這些風格的影響。
最初聽人提到北藝風的印象，是關於「滴流」的畫法；而技法常常是辨識創作者從何養成的切入點。在就讀大學後的觀看經驗裡，可舉出幾種特定技術，像是前述的滴流（pouring），還有打磨（sanding）、紙膠割形，以及近年流行的噴槍（airbrush）。
這些技術常在校友藝術家和在校生的作品中出現，時帶著類似的調性或氣質，又有著世代的差異。王聖閎在〈在薛丁格的多重世界裡：評2010台北藝術大學美術學系畢業展〉中描述了「北藝風繪畫」，其中提到的創作者，及同時期的獎項與展覽參展人，部分也已成為師長的角色，文中的畫法和題材特質，在十三年後已迭變一輪。就我觀察，現在的年輕創作者在作畫時的控制傾向更強烈。
舉例來說，畫面中流動、有機的筆觸和顏料色域，往往是經過了許多設計規劃，並用紙膠帶框定造形後再繪製，而非創作當下的直覺運筆或自然流淌的結果。是什麼促成這些現象？某些技術在學院的流行，跟部分老師熟稔的創作方式相關。
例如，半自動操作的流體顏料、打磨光滑的畫布或是保留明顯刷痕的筆法，除了老師在教學中分享作品和方法，有些學生也會自己揣摩，潛移默化的吸收，成為創作語彙的部分基因。技法與媒材特性互相彰顯，壓克力顏料可厚疊可薄塗、可通透可流動，能展現各類型技法的視覺效果，加上乾燥時間短，是目前許多學生創作繪畫的選擇。
繪畫中的「數位感」
另一個關於近年學院繪畫作品的印象，是「影像感」和「數位感」。
比如，從影視作品、網路取用形象，描繪螢幕顯示的質感；以圖層、視窗式的邏輯建構畫面，交織各式編輯軟體的符號、濾鏡或特效。「影像」和「數位」作為素材、感知方式和輸出邏輯，不只在繪畫，在學院的雕塑、裝置等類型作品也能感受到類似狀態，我感覺這也是目前「風」的特質。
因為好奇為何學院中有不少創作會和影像感連結，前陣子有找研究所的學長姐（註1）聊天，得到的回應，大致上提到數位影像在近年生活、甚至是成長過程的視覺經驗佔了很大一部分，很自然就會呈現在創作的各面向中。有人認為，長期的影像餵養，往往會讓繪畫在空間感或是質地顯得很「平」。
關於影像感與繪畫，以及學院中風格的來源，會使我聯想到呂克．圖伊曼斯（Luc Tuymans，b.1958）、威廉姆・薩奈爾（Wilhelm Sasnal，b.1972）、伊莉莎白·佩頓（Elizabeth Peyton，b.1965）、彼得・多伊格（Peter Doig，b.1959）或 尼奧・勞赫（Neo Rauch，b.1960）等畫家。各類影像和圖像的樣態，成為創作者突破以往繪畫表現的著手處──在汲取影像養份同時，也處理作品中的「繪畫性」。而前面關於技法、風格的觀察在此得以匯流，投射出某種我對當前學院中繪畫作品的印象。
社群演算法與創作的「風」
在寫這篇文章時，我想到傅饒在其個展「光年」的訪談中所說的：「每個藝術家心中都存在幾座逾越不了的大山。」關於「風」的來源，其實不難從畫作的形象和處理方式察覺，由遠而近，遠像是前面提到的西方畫家，近到在檯面上活動的校友、老師，甚至周圍的同儕，都有可見的影響。「像某人的感覺」對於創作者而言通常不是稱讚，但我還是提出來問學長姐對此的想法。
綜合他們的說法，是從大學到研究所，真正進入創作狀態後的時間大概五、六年左右，其實不到很長，仍處在廣泛學習和嘗試的階段，蠻自然會呈現出與欣賞的創作者類似的狀態；而繪畫創作需要透過反覆、持續的操作，才能慢慢生長出更個人化的東西。
在學院創作中時而感受到的類似性，我連結到人們使用社群媒體的狀態。許多人會在Instagram、Facebook、Pinterest 上追蹤藝術相關的帳號或主題標籤，比如藝術家、畫廊、展演機構或比賽等等，而演算法也會推薦相似性質的內容。在學院和實體展覽外，年輕創作者接觸藝術世界的管道其實有蠻大比例來自社群媒體，以「瀏覽」的狀態在接收資訊，領域內流行的內容很容易推薦給同一群人。在社群上發表時，加上特定的主題標籤，能讓貼文有機會觸及到給更多用戶。
不論是否有意識到，人們都會對能獲得關注和肯定的風格、手法和標籤內容越來越熟悉。在學院環境中悄悄內化了來自師長、學長姐和同儕所創造的視覺經驗，同時也被社群媒體的內容影響。如果進入研究所意味著學院對創作者的肯定，其樣態自然會成為後進學生創作的參照，彷彿掌握了某些元素，便能提高在篩選機制中被看見和留下的機會；而透過網路瀏覽國際藝術家、商業畫廊、獎項或是其他藝術學院的帳號，多少能領略到當前各地流行的題材、技巧、色調、媒材、氛圍、展陳、形象等等的趨勢為何，這些都可能成為創作者的策略參考對象。
然而，從網路獲得的，基本上都是經「分身」們所轉化、簡化的資訊。不同於接觸實際的作品、展覽或機構現場互動的感知經驗，兩種途徑所獲得的訊息，其質與量都有很大差異，長遠下來也會對創作的前後端造成影響。
現今的生活與網路、社群媒體緊密連結，資訊的來源很龐雜，創作者想在洪流中快速出線，往往會試圖抓住一些主題標籤，來讓自己可在短時間被辨識、記憶、關注與認可，但也常看到重複或近似的情形。特定的元素構成了「風」，呈現出某種品質與品味。
我想，「風」是有效期的，當它被用得太多、持續太長時間，便會失去吸引力。在目前看來調性相近的年輕創作者，十年後的狀態會是如何？那時的環境又會吹著怎樣的風？生活在瀏覽作為多數狀態的時代，作為創作者，更需要去覺察那些屬於自身，難以標籤的事物。
註1 李秉璈、顏政豪、吳柏葳、黃怡嘉、黃少葳、羅丹
（責任編輯：陳晞）
