Art Osaka 2024 大阪藝術博覽會直擊：臺灣畫廊聯袂出航；藝博會擴充展區驚喜連連

號稱日本最大藝博會之一的大阪藝術博覽會（Art Osaka 2024）2008年創辦迄今邁向第16個年頭。今（2024）年共吸引45家國內外畫廊參展，以日本關西地區的畫廊最多，國際畫廊共八家，包含臺灣與韓國個四家。今年活動會址有三，一是畫廊部分，在宏偉寬敞的大阪市中央大會堂三樓舉辦，展出國際畫廊當代藝術作品為主；二為擴充活動區域，場址包括大阪創意中心（Creative Center Osaka）及北加谷（Kagoo ），該區有21位藝術家參展，專注於大型作品和裝置藝術。

藝術產業國際化是畫廊業者一大目標，帶著旗下藝術家走出去，同時，在歷次參展活動中也把心得帶回來。日本大阪藝術博覽會耕耘已累積16年，果然心血沒有白費，朝代畫廊劉忠河、也趣藝術王瑞棋、德鴻畫廊陳世彬，加上伊日藝術計劃黃禹銘率領團隊參與盛會，各個志在必得。本週抽空飛一趟日本大阪，希望見證臺灣畫廊業者的拼搏，同時也查訪日圓巨貶下日本藝術產業的狀態。沉睡了30年的日本急於打造國家競爭力，一場藝術博覽會的舉辦幾乎傾全力以赴，讓人充分感受那分日本再起的誠意與企圖心。

Art Osaka 2024 大阪藝術博覽會展覽主視覺。（圖片來源：Art Osaka）

號稱日本最大藝博會之一的大阪藝術博覽會（Art Osaka 2024，以下簡稱大阪藝博會）創辦於2008年，迄今已邁向第16個年頭。今（2024）年熱鬧紛呈，共有45家國內外畫廊參展，主打溫暖、可愛的中低價位，推升市場買氣。以日本關西地區的畫廊最多共19家，包括大阪13家、京都3家、兵庫2家、三重1家，東京地區則以14家居次，而愛知縣也有4家；國際畫廊共8家，包含臺灣與韓國各4家。

今年活動會址有三，一是畫廊展區部分，本次展出國際畫廊當代藝術作品為主。在宏偉寬敞的大阪市中央公會堂三樓舉辦。眾所皆知，中之島一帶藝文氣息濃厚且地理位置卓越，人氣旺盛，中央公會堂更是座百年歷史建築。1918 年，由股票經紀人岩本榮之介（Einosuke Iwamoto，1877-1916）捐贈建成，一直作為大阪市的珍貴地標。特別間中的玫瑰花窗與窗簾，自建成以來一直保留迄今，古色古香氛圍中呈現當代藝術家的心血作品，舊與新、傳統與當代倍有對比特色。二則為擴充活動區域，場址包括大阪創意中心（Creative Center Osaka）及北加谷（Kagoo），該區有21位藝術家參展，專注於大型作品和裝置藝術。

臺灣朝代畫廊負責人劉忠河最初到日本大阪探路，參加大阪藝博會深受啓發，是2008年的事，迄今已相隔16年。之後他回到台灣，呼朋引伴積極將臺灣優質畫廊帶到該會，藝術家們也藉此走出台灣，迎向國際，同時也為台日畫廊交流合作，以及民間友誼添薪加柴，深化彼此關係。劉忠河對商機敏銳，首次到日本大阪試水溫時，參加大阪堂島舉辦的「飯店博覧會」留下深刻印象，返國後主動向畫廊協會推薦，但當時畫協受限於人力與經費，決議暫緩辦理日後再議。

由臺灣多家畫廊業者組成的「臺灣當代藝術連線」則認為機不可失，小而美與親和力十足的飯店博覧會很適合在臺灣推廣。2008年秋天，「臺灣當代藝術連線」通過劉忠河提議的「Young Art Taipei 」（台北國際當代藝術博覽會，以下簡稱YAT）名稱，正式註冊了商標。翌年五月，臺北王朝大酒店迎來首屆「Young Art Taipei 」的飯店博覽會，為臺灣藝術市集帶來新模式，也預示了日後開枝散葉多元發展。

百年歷史建築大阪市中央公會堂，作為Art Osaka 2024展場，古意盎然，交融著當代藝術風采。（簡秀枝提供）

2019年，YAT在累積了十年的基礎後擴編為「One Art Taipei 」（藝術臺北，以下簡稱OAT），除了堅持原有青年藝術家的推廣外，更增加當代名家的精品特色，讓藝博會的內容與影響力更深遠，包括每年舉辦的論壇、講座、新賞獎，也與學術界密切接軌。令人欣慰的是，OAT近幾年運作的風風火火，今（2024）年元月除了在JR東日本大飯店臺北分店舉辦外，增辦了首屆「Voices」型裝置雕塑展，地點選在南港瓶蓋工廠園區的舊建築裡，四天內參觀者眾、評價極高，連前行政院政務委員張景森都慕名參觀，懿名遠播。

這回劉忠河、王瑞棋與陳世彬相偕，外加伊日藝術黃禹銘，結伴參加今（2024）年大阪藝博會，夥伴之間相當珍彼此情緣，以及長時間累積出的事業默契，不管交易結果如何，都是極佳的國家經驗，正是文化部黑潮計劃鼓勵的項目。

Art Osaka 2024 畫廊展區，也趣、伊日、朝代、德鴻參展

也趣藝廊由擔任過畫廊協會理事長、亞太地區藝術組織主席的王瑞棋領軍，五位不同世代、風格各異的臺灣藝術組成盛大參展團，分別為沈昭良（1968-）、范揚宗（1982-）、吳逸寒（1982-）、鄭農軒（1983-）、彭思錡（1995-），年齡介於29歲到56歲間，媒材從油畫到影像，皆相當具有代表性，搶攻地緣政治巨變下的嶄新亞洲市場。本次也趣以《Ilha formosa!》為主題——「Ilha」意為島嶼，臺灣作為地理意義上第一島鏈的關鍵性存在，四季分明氣候孕育出獨特生態風貌；而福爾摩莎（Formosa）除了意指「美麗」外，背後亦牽涉殖民文化為土地帶來深刻影響。

范揚宗擅長以膠帶在畫面中做出銳利邊線，著名的「泳池系列」描繪一種開放又私密的公共泳池畔，以不合常理的視角，呈現人們窺視他人與期待被窺視的慾望。當發亮水珠在炙熱發紅的頸背蒸散，如浪林葉和閃閃發亮的天空，好似藝術家澎湃內心，侵略性的慾望欲言又止，在看似祥和的畫面中激烈翻湧，隱密濃烈的慾望鈎起千堆雪，大喇喇撕開東方夜生活大門，耐人尋味。

沈昭良長期關注庶民社會文化，透過紀實攝影呈現臺灣獨有文化符碼，從題材與美學上梳理出獨特風格，1993年開始，他花費16年時間往返臺日拍攝，完成鉅作《築地魚市場》。本次展出作品《漂流系列》（2015－2023），紀錄臺灣文化地景、土地故事，追述過往殖民文化、國家認同等歷史痕跡，藉由「漂流」的狀態，象徵臺灣人埋首向前的過程。沈昭良說，在「STAGE」系列發表／出版那幾年，進入藝術市場載浮載沉後才理解「攝影」除了在商業廣告、藝術創作外，可能還能與商業藝廊、地方藝文展演、藝術博覽會等領域相互跨界，他也非常感謝也趣藝廊的帶領，四處拼搏、漂流前往大阪藝博會就是例證。

彭思錡自臺北藝術大學美術學系碩士班畢業後全心投入創作，創作發想源於東方書畫、裝裱修復以及工藝精神，其作以水墨、複合媒材、空間裝置多方呈現。近年彭思錡著迷於構樹與血桐落葉，那是她每日往返工作室路途中所相遇的，以過往熟悉的書畫媒材經驗帶入創作，創造出薄如蟬翼的纖細葉片陶瓷雕塑，以獨特且新穎的形式，探索東方藝術表現的多重可能性，趣味十足。

鄭農軒早期創作題材以人像居多，透過抹除、塗改手法使人物變異或模糊化，詮釋日常人際關係與自我情感。近期則透過古典繪畫於藝術史各時期樹立的敍事方法、造型模式，加以拼湊、模擬、重塑，再以細膩線條創造出似人、幻獸的角色，搬演當代社會滿含生命體現、情感投射的「人間」舞台劇。本次參展作品，鄭農軒以繪畫為載體引導視覺與手感延伸，在筆刷來回之中搓揉出樹葉姿態，以鮮明致幻的顏料推擠出果實累累，神秘而多彩的自然形象，連結了繪畫的精神性與對人類存在的哲思。

出生德國司徒加特的吳逸寒，畢業於德國慕尼黑藝術學院，深受北方文藝復興與法蘭德斯繪畫影響，關注如何從深遠繪畫歷史中延續古典大師繪畫脈絡。她筆下怪誕冷調、細膩平滑的繪畫質感，建立明顯個人風格。吳逸寒經常以女性視角出發，精準描繪現代人對於身體的焦慮，犀利剖析今日社會對於容貌、權力以及性別之間的標準失序。在本次展出的作品中，她以衰敗腐朽的花卉出發，另類詮釋世人對於「生命狀態」與「美麗醜陋」的刻板觀念，顛覆性極強。

朝代畫廊展出臺灣雙人藝術家組合林餘慶（1983-）與魏杏諭（1982-）最新系列創作，胸有成竹地向當地藝術界發聲，期待更多人了解台灣當代藝術的現今風采。

中生代藝術家林餘慶與魏杏諭，兩人已共同創作逾15年，創作語𢑥成熟圓融。兩人作品具有歐洲宗教壁畫的「共時性」，將長篇故事呈現在單一畫面上，讓觀者既一覽無遺也能細細品味，時間序跟隨著眼睛所及之處，每一處都有事情正在發生，這種提供觀眾任意瀏覽的自由，讓人更容易沉浸且充滿欣賞樂趣。在他們創作所形成的生態系中，均衡分配的漸層色調讓畫面豐富而濕潤。該種均勻的用色模式，和油畫顏料發明之前的蛋彩畫、文藝復興時期的濕壁畫頗為相近，讓觀賞者產生平和穩定、幸福唯美的感受。

創作初期他們孕育出類似引路精靈的「Wulala」一角，引領觀者進入創作的奇幻繽紛想像世界，其中包含了藝術家的多面向思維，如對未知生活的不安定投射、對未來的熱情期待與想像。隨著時間演進Wulala也更諳人類習性，以更多元的狀態出現在大眾眼前，藝術家藉此與外界表達不同宣言。兩人作品也會搭隨文字敘述，讓人在觀看原已無限衍生、交錯纏繞的構圖時，不由得被領往更深度迷幻的世界，趣味盎然彷彿黑膠唱盤機般試圖在低語呢喃之中，讀寫出腦海裡被現實覆蓋住的低聲絮語。

德鴻畫廊陳世彬是今年OAT的主席，才辦完評價極高的臺北飯博及臺北瓶蓋工廠裝置藝術展覧，這回在大阪藝博會推出邱杰森（1986-）與吳權倫（1985-）之作，展現支持臺灣年輕藝術家出頭的雄心。

邱杰森關注於現實環境產生的異變與約化狀態，透過檔案紀錄與觀察，探索人在地圖與地誌中的關聯性，他的創作媒材多元涉及了立體裝置、繪畫、數位與多媒體等。透過創作計畫，邱杰森以「地理圖式」再現地方，從田野踏查發現他的歷史與記憶的「複層」，研究地方「形象」並重新塑造地理與人的交感關係，詮釋了當代的抽象世界，作品背後隱藏著濃厚的人類思維邏輯與身軀、環境、空間的連結。

旅居德國柏林的吳權倫則在數位繪畫創作上走出自己的路。他從2011年開始發展數位繪畫創作，將其當作迴避繪畫與傳統媒材的手段，運用電腦生成影像、攝影、素描、現成物、陶瓷等媒材，發展成以觀念與研究為基礎的裝置作品。近期作品多從一段收藏／收集的過程起步，關注這些「收藏物／收集物」自有的身分與啟示，再逐漸納入歷史與社會的脈絡。其作《碎片Debris》泛指在災變意外後的人造殘餘，直觀上可視為對該系列作品的造型描述，提問當代「物（產品）」隨著數位與實體，能用或不能用而轉變的身份。該作從2011年迄今陸續發展出數個子系列，每一個階段都重新探問《碎片Debris》的意義。

伊日藝術計劃的黃禹銘也是藝術產業界公認的經營高手，跨域跨界且無役不與，本次大阪藝博會中伊日藝術呈現日本藝術家新藤杏子（Kyoko Shindo，1982-）個展。新藤杏子畢業於多摩美術大學研究所，其創作提取於日常生活中的生命經驗並內省轉化，如生物通過土壤中的微生物和養分生長繁殖，最後又回歸於大地產生新生命的循環。

其作品素樸中帶有真摰友善，有著插畫的外觀，但媒材和風格上又流露出水彩、油彩等傳統繪畫的典雅味道。而適逢面對著網路世代的興起，發現傳統古典的審美，不再是唯一的價值觀，各種多元的藝術風格也都各領風騷，吸引更多藝術愛好者。

國際局勢丕變，地緣政治關係倍為重要，日本已經歷了近30年的沉潛，此時此刻正像甦醒的巨獅，枕戈待旦；而日圓創歷史紀錄的巨貶，國際遊客峰湧而來，帶動消費商機，值得近距離觀察。而大阪藝博會的一小步，可望為台灣畫廊業者的攻城掠地，持續在國際市場，攻下珍貴一城，或許也是台灣藝博會參考補強的重要步伐，更是迎接台灣朝野國際化大潮的具體步伐。

Art Osaka 2024 擴充展區，大阪創意中心、北加谷

大阪藝術博覽會（Art Osaka ，以下簡稱大阪藝博會）今（2024）年增加擴充展區（Expand Section），涵蓋大型裝置藝術區以及藝術家駐村，多元紛呈讓人目不暇給，將開胃前菜變成滿漢全席。7月18日下午，大阪創意中心（Creative Center Osaka）率先為展會拉開序幕，那是早年名村造船所大阪工場跡地舊址，藝術家以大型裝置藝術讓老建築有了新生命，不但藝光閃閃、格局宏偉，扣接俗世、關懷生態環境的誠意十足，盛情感人。

大阪創意中心（Creative Center Osaka）展區一景。（簡秀枝提供）

歷經30年的休養生息，大阪從產業城蛻變轉型，當代藝術成為送舊迎新、告別何傳統保守利器，也是以創意加值的試金石，良苦用心令人動容。擁有四個樓層的大阪創意中心，雖然斑駁素樸，但空間寬敞，非常適合大型裝置藝術，尤其藝術家群展，展現創意個性之餘也發揮彼此的互動與對話關係，群聚的綜效成果明顯。

西山美奈子（Minako Nishiyama）的作品《灰姑娘夢幻舞台》。（簡秀枝提供）

21位藝術家參展，專於大型作品、裝置藝術

首先迎賓的是西山美奈子（Minako Nishiyama，1965-）的《灰姑娘夢幻舞台》，粉紅色繽紛世界是日本女孩文化的寫照，令人想起真人大小的芭比之家，以及寶塚歌劇團的《粉紅之家》，獨特的日本次文化，透過藝術家的巧思融入藝術創作，粉紅色的敍事直白天真，預示著幻影的飄渺虛假。

石黑賢一郎（Ishiguro Kenichiro，1967-）的寫實裸女與防毒面具，把寫實藝術家的神髓發揮得淋漓盡致，創作擴展到繪畫之外，涉及投影映射、真人大小的角色部局，以及基於原創故事提出綜合表達，融合動漫世界觀更呈現既現實，又不切實際的詭異世界觀。

中屋敷智生（Nakayashika Tomonari）作品於展覽現場。（簡秀枝提供）

中屋敷智生（Nakayashika Tomonari，1977-）使用遮蔽膠帶作為材料媒介，類似於油漆的使用方式，創造出獨特的層次和紋理作品，讓人聯想到拼貼或剪紙。遮蔽膠帶有時會變成一條線，或一個顏色平面，也可以是畫布上的物理層。當顏料、膠帶、剝落、介質的透明度和畫布上的空間，完全和諧時人物和地面的關係就變得模糊，視覺認知，包括知覺、直覺、觀念，變得脆弱又不準確。

加藤隆明（Kato Takaaki，1951-）的蠶繭創作，出神入化令人嘆為觀止。家蠶（Bombyx mori）為人類為抽絲製綢而生，當牠們靠人類用桑葉餵食，被馴化、破繭後也無法正常飛行。加藤隆明以悲憫之心出發，以家蠶的繭殼，解構再建構，成為帶生命意涵又有不同容顏的嶄新標的物，充滿驚喜與雅趣。不過當以家蠶為名，自我求生與餵食眷養，意義不同，統治與被統治之間耐人尋味。

葭村太一（Yoshimura Taichi ，1986-）則透過創作，希望喚起人類的意識、痕跡和記憶。近年來，葭村太一積極在街道上留下的塗鴉，以三維重建為木雕的作品。他使用谷歌地圖，走遍世界各地並利用採樣和重新混合的技術，將別人無意中反映的塗鴉，轉化為木雕。葭村太一的作品包含多種視角，可以用多種方式解釋，例如數位到類比、2D到3D、匿名到作者、非公開到公眾，足堪玩味。

松田幹也（Matsuda Mikiya，1949 -）則在展覽現場就地創作裝置作品，他拿著一萬個錢幣排列組合，直接拼貼出工整美觀的幾何圖型。今年75歲的松田幹也，在紐約生活和創作了40 多年，直到 2016年返回日本，客次他鄉的歲月對他是刻骨銘心的。

1981年，他曾在紐約街頭，放置了一塊六英尺（180厘米）的方形木板，上面畫著細密網格，並從木板邊緣將一顆顆螺絲以螺絲起子均勻旋入，數量達數萬個。日以繼夜持續跨越15天，直到所有螺絲都擰緊了。其創作行為受到哲學家葛吉夫（George Ivanovich Gurdjieff，1866-1949）啟發，他曾言「我們每個人，內心都有數百個我。」。