2019年香港巴塞爾展會盛況，亮點作品地圖公開

每年3月下旬，亞洲藝壇便迎來年度盛事——香港巴塞爾藝術展（Art Basel HK，香港巴塞爾）。至今已經來到了第七屆，本次展會共匯聚了來自36個國家及地區、共242間優秀的國際畫廊參與。典藏ARTouch搶先帶您一覽香港巴塞爾展會現場開放盛況，一窺今屆的展會亮點作品。

首先，展會現場一樓「藝聚空間」（Encounters）EN4展位呈現拉蒂法．艾霞克茜（Latifa Echakhch）的作品《剝奪》，此作品猶如一正在瓦解、墜落的天空。藍色的舞台佈景布面上繪出朵朵白雲，彷彿床邊的裙子，散落在地面。該作品的皺褶有層次地鋪折於地，猶如在未完成狀態的巨型畫布，又仿若17世紀法國藝術家尼可拉斯．普桑（Nicolas Poussin）筆下的天空，又或是戲劇黃金年代裡被遺棄而未能圓滿落幕的演出，透出淡淡的憂傷。

展會現場三樓「藝聚空間」（Encounters）EN7展區展出的是日本藝術家鹽田千春（Chiharu Shiota）的限地裝置《我們要去哪裡？》（Where Are We Going?）。作品中，來自世界各地大大小小的船隻猶如在空間中航行而過，船隻用黑鐵和白色塑膠棉線造成，看似鉛筆畫的模樣，從天花板懸吊下來，從海底逆流而上，終於變成了天空中的片片雲朵。鹽田千春曾說到，「這件作品可以從不同角度觀賞，它們有時有形、有時無形；有時空、有時滿；有時光亮、有時晦暗。所有船隻都順着同一方向，前往未知的目的地。」象徵純潔與平靜的白色，在作品中也昭示著空白與虛無。在堅信命運中的不確定性狀態下，如同我們坐上承載夢想與希望的船隻，渡過時間之海去尋找一個未知的目的地。

來自上海的Bank畫廊位於3D36展位，此次帶來林壽宇與林明弘兩位藝術家的作品。林壽宇為台灣的極簡主義大師與現代主義的濫傷，作品在現成物的調度與調配中，展現出屬於「物」的力量，紅色鋼板烤漆作品《塑造》於展場中劃一地排開與堆疊，在熙來人往的展會現場，給出視覺上的力道。相較於現成物與極簡的脈絡，林明弘的繪畫作品《Unlimited》，懸掛在與畫作同樣「色澤」展牆底色上，更挑戰了日常的界限，凸現了圖像、圖畫與符號在繪畫平面性與視覺平面性裡，美學意義的深度。

英國格拉斯哥的畫廊The Modern Institute旁邊的「策展角落」（Kabinett）是英國藝術家西蒙．斯塔林（Simon Starling）為展會特別創作的裝置作品。其中包含《暮色：一齣由兩位演員、三位音樂家、一位舞蹈演員、八個面具（及一套驢偶戲服）組成的戲劇》，在傳統與前衛對話的情境下，展開一場歷史、神話和現代主義之間戲劇化的爭鬥。作品中的面具或服裝代表着九個角色，透過劇作家葉慈（William Butler Yeats）1916年的劇作《鷹井之畔》而互為關聯。藝術家將某一特定時刻生活在倫敦的人們，視為劇作產生的引子，藉著藝術實驗對抗一種之於戰爭的恐懼情緒。九個角色在斯塔林的另一作品《暮色：思維導圖》之中現身於一棵黑樹上，隱喻戰後滿目瘡痍的景象。

貝浩登畫廊（Perrotin）於展位1D23呈現中國藝術家徐震®的作品《天下-2812NH0174》。「天下」是徐震最著名的繪畫系列之一，亦曾作為2014年紐約軍械庫藝術展（Armory Show）的亮點作品而廣受好評。猶似剛出爐的新鮮蛋糕上一層濃厚的裱花奶油，令人口舌生津的食物色澤與奶油般攪拌、融合的花形，呈現出一種愉悅、瘋狂的感受性，作品在具有相同性質的現實中，共同構成了一種異常奇妙的刺激感受。與此同時，貝浩登畫廊香港空間也正在展出徐震®的個展「輝煌」，同樣也呈現了「天下」系列的兩件作品，演示出一種「過度美麗」的視覺衝擊。

以白板為基底材，白板筆為繪畫媒材，位於1C50展位的亞洲當代藝術空間（A+ Contemporary）帶來台灣藝術家彭奕軒的作品。彭奕軒蒐集自1996年開始，台灣經歷災難事件的新聞影像，三張作品《非永久性的標記》系列中，叩問著架上畫與寫生的美學傳統，更在命名裡，用媒材思考影像的媒介特質，「下一秒就稍縱即逝」的感覺，呼應著記憶的不穩定性，也呼應著「人為」之於當代影像的「中介性」與「速度感」，而災難影像與台灣的關係，是集體記憶，也是集體遺忘。透過事件的記錄與抹除，亦建構了關於台灣的主體性認知。

北歐藝術家雙人組艾默格林與德拉塞特（Elmgreen & Dragset），是今年香港巴塞爾最受關注的藝術家之一，從義大利Massimo De Carolo畫廊在畢打行的個展，再到香港巴塞爾「藝聚空間」（Encounters）EN3的超大型作品《空中城市》（City in the Sky），都吸引人們目光。這件作品裡的大樓原形，來自香港、上海與倫敦，是藝術家特定為此次展會創作。當代的城市景觀，到底是什麼模樣？這組倒置的空中城市，提供我們一個想像的空間。此作定價約70萬美元。

張曉剛為中國當代的代表藝術家之一。佩斯畫廊（Pace Gallery）將張曉剛去年在紐約的全新創作帶到了今屆的香港巴塞爾。這兩年，張曉剛再重回紙本創作，透過拼貼，將不同形狀的紙片、書頁碎片「壓」到畫中，邊緣的不規則，讓作品像是殘片。紙片一層又層的裝裱，這對張曉剛來說就是一種時間的延續。而這，恰也是藝術家從血緣大家庭系列裡，那條牽引著人們血脈的紅線，延續著藝術家作品帶給我們的時間記憶。《椅子上的人5號》，兩人握槍面向未知，站在立足不穩的椅凳上，反射了藝術家所思所想。此作定價約落在30萬美元左右範圍。

只要有光，奧拉維爾．埃利亞松（Olafur Eliasson）的作品，就能變化萬千。位於1B18展位的Galerie Neugerriemschneider本次展出三件埃利亞松之作，位於主走道的《光合物質集合體》（Light matter collective），是藝術家今年的最新力作。透過光影的變化，及觀看時的腳步移動，就能一步一影的產生迥異的鏡面變化，這就是埃利亞松作品的魅力。來到此作之前，我們稍稍離作品遠一些，由左走到右、再由右走到左，一顆顆圓珠裡映射出的，就是瞬時的變化。埃利亞松的《光合物質集合體》具體象徵了萬物唯一的不變，就是變。此作定價約45萬歐元。

進入巴塞爾展會的主展區，很難不被位於EN1展區的一艘齊柏林飛船吸引。這件由尼龍綢布充氣而成，外表為鋁箔塗裝的飛船，是韓國女藝術家李昢（Lee Bul）2019年的作品《Willing To Be Vulnerable-Metalized Balloon》。巨大的氣球飄浮於空中，當燈光更為幽冷，就仿如是鋼鐵打造的飛船。這件作品是李昢對世紀悲劇齊柏林飛船墜毀的反思。人類是不是一直在追逐一些難以企及、實現的夢想呢？這個過程會不會帶來毀滅？作品尤其讓人想到，當人工智慧（AI）愈來愈強大，我們最終會走向一個什麼樣的世界？此作定價約20萬美元，總共製作三個版次。

澳大利亞藝術家托尼．艾伯特（Tony Albert）帶來了新作《本地人的家》。位於EN12的展位上，大量的物件與現成物被裝置在房屋型的木作結構中，牆面上由諸多碗盤、裝飾品等組成「NATIVE」的字樣。當本土意識被強調時，直指著澳洲原住民和原住民文化如何被歷史所描述，更甚者，被標本與樣本化，藝術家從一些圍繞殖民主義的個人和集體歷史，質疑我們如何對澳洲原住民作出理解、想像與差異的認識。在屋內與屋外間，交織了凝視與被凝視，當局者之於局外人的視野。

彌載映1960年出生於泰國清邁，曾於泰國藝術大學（Silpakorn University）學習繪畫。繪畫的過程對藝術家而言，彷彿一種冥想形式，此次展出今年新的大型繪畫裝置《平面（熱烈）》，該作靈感源自香港本身，傳達了城市的速度感與重商主義下，資訊傳遞爆炸的氛圍，而單幅或多幅的垂掛組合，亦是光影的另類表達、繽紛厚重的油彩，隨著畫布擺盪，除了視覺上的衝擊之外，更瀰漫著油彩的味道，油彩的材質性，在不同的感官之間流竄，更在空間內，區分了不同空間的層次，讓觀者得以穿梭在作品之中。