卓納畫廊｜ 喬治·莫蘭迪《靜物》
卓納畫廊展位大師之作亮點頻頻，其中尺幅不大、卻尤為令人流連的，莫過於最具藝術史代表意義的喬治·莫蘭迪（Giorgio Morandi）1959年畫作《靜物》。莫蘭迪自1920年起、終其一生都孜孜不倦創作小尺幅的靜物與風景繪畫，一系列、一系列地研究和描繪瓶子、盒子、花瓶和花等桌面靜物，並對特定構圖主題進行衍變，形成與任何學派都無關的獨樹一幟的風格。莫蘭迪的晚期創作畫面主題未變，卻逐漸趨向於更加持久、細緻而抽象的風格，透過顏色、色調、比例和筆觸的細緻變化，深入觀看者對日常物件及空間的理解與記憶。他曾說：「沒有什麼比現實更抽象了。」
這件《靜物》曾在波隆納的莫蘭迪博物館長期展出，畫作本身強調色調的變化、形式的精簡和空間的模棱兩可，體現出藝術家長久以來對空間、光線、色彩和形式的深入思考，也對二十世紀及當代藝術產生了深遠的影響。
厲蔚閣｜ 朱迪·芝加哥《穿過花朵2》、《卡羅琳·赫歇爾測試碟（早期）》
美國女性主義藝術先驅朱迪·芝加哥（Judy Chicago）的里程碑式作品之一《穿過花朵2》（Through the Flower 2，1973/2021）赫然呈現於厲蔚閣展位。「穿過花朵」既是朱迪·芝加哥代表作之名，也是其自傳、以及隨後成立的致力於女性主義藝術教育的非盈利組織名稱。對她而言，花朵即是女性之象徵，而她也以此為女性生殖器之隱喻，強有力地對男性話語中心發起挑戰。此次展出的為藝術家於今年噴繪在玻璃上的新版作品。
同時展出的，還有出現在朱迪·芝加哥代表作《晚宴》（The Dinner Party，1974-79）中的一件彩繪瓷器《卡羅琳·赫歇爾測試碟（早期）》（1975-78），概念一脈相承。除已被當年展出這件大型裝置作品的紐約布魯克林博物館典藏的版本外，目前藝術市場上僅可見同樣為藝術家手作的一系列「測試碟」。
漢雅軒｜陳福善《無題（有海底奇花的奇幻風景）》
陳福善為香港20世紀上半葉西畫的重要開拓者之一。他與余本、李秉並稱當時香港「藝壇三傑」，並於1960年代創辦了華人現代藝術協會，那是香港首個教授西洋畫的私人畫苑。陳福善由於有良好的外語基底，早年就透過國際藝術雜誌媒體吸收嶄新的觀念，也開啟他對於藝術創作本質的追求。
陳福善早期全力試驗畫技，試圖融會自身吸收的西方新潮，他的水彩畫從戰前的嚴謹細緻逐漸轉向戰後的自由奔放。1950年代末，香港藝術壇盛行現代主義思潮，現代水墨畫運動應運而生。而過去與陳福善志同道合的畫家朋友李秉、余本分於1955年、1956年離港，沒有門派的陳福善開始無所拘束地研究西方的立體派和抽象表現主義的理論。1960年代，他試驗現代繪畫中的新技法，新立場，創作出嬉皮文化氣息相通的幻怪山水風格。畫中人、物、景互相消融幻變，既像噩夢又像仙境，人與物的形都處於幻化之中，也對應了香港社會企圖在都市生活外的精神想像需求，展現了香港這個東西方文化交會的商阜門戶，百年歷史下的文化心理狀況。
TKG+｜薩望翁．雍維《朝何處降落》
出身緬甸王室的藝術家，作品取材自家族的政治記憶，卻也勾勒出東南亞複雜糾結、難以言述的政治、歷史和民族史。透過雍維視角，讓身處整個東亞、東南亞地理位置其中的台灣，讓我們窺見不遠處的景象，進而發掘和找到自身的定位和錨點。雍維的繪畫和裝置作品，與其家族史、緬甸近代史及政治事件高度相關。家族照片為其作品提供了圖像語言之基礎，通過對國家事件的探索，其創作揭示出現有的檔案並非是一個國家的全部真相。雍維亦透過地圖網絡的方式，呈現出海洛因與安非他命等毒品、革命軍、少數族裔、礦業與石油、軍事武裝與政府屠殺等各種衝突，試圖從複雜政治局勢中梳理出秩序。
安卓藝術｜傅饒《斑鳩》
出生於中國、定居德國的傅饒，其養成背景本身便包含了不斷與東西方藝術史對話的歷程，東方水墨與德國表現主義更成為其美學語言內裡交錯的潛流。在《斑鳩》這件新作中，傅饒使用了具有表現形式的疏離、冷靜而又富含張力的造形與色彩的處理方式，畫面上醒目的人物再現了某種現場的、耐人尋味的真實感，而包括色彩在內的造形表現手法、以及對不同物像的焦距所產生的豐富畫面效果和狂野又低鬱的色調，都強烈流淌出某種悲觀情緒。除了寄託藝術家對生命中某個瞬間的反省外，也高度回應近年疫情和國際衝突下日益高升的不安與焦慮，從美學風格與主題張力上跨越了時空，深具矛盾卻和諧的衝擊力。
采泥藝術｜ 霍剛《抽象2020-21》
霍剛師承李仲生，並且是東方畫會的創始成員，一直是台灣抽象藝術發展上相當具影響力的藝術家。此次采泥藝術推出霍剛的《抽象2020-21》等多件近年的新作，從中可見他延續過往的創作脈絡，將圓、點、線、面等元素相互交織而成，並且以傾斜的線條創造出視覺的走向，畫面中心突發現身的點與直線，介入了由大面積色塊構成的走向，擾動了平靜的畫面，卻又為作品增加許多動態感，以及如樂音般的節奏感。在色彩上，搶眼的鮮黃色為畫作建立了濃烈鮮明的基調，黃色色塊旁的藍色與綠色既跳脫又和諧地配合著，充滿00，《抽象2020-21》看似輕盈活潑，實則是數十年來霍剛潛心經營抽象繪畫的結晶。
大象藝術空間館 | 歐陽文苑《無題》
本屆為大象藝術空間館首次參與台北當代藝博會，集結八位在台灣美術史上具有重要地位「東方畫會」藝術家策劃群展，回顧其自由無羈的創作態度。東方畫會建構了全新抽象表現形式亦融合東方底蘊，其中「東方畫會」創辦人之一的歐陽文苑，為「八大響馬」之一，早年受李仲生現代繪畫思想之啟迪，他與其餘七位師從李氏的畫家組成「東方畫會」。有別於歐陽文苑藝術生涯水墨創作中，對於描寫悲劇性主題得心應手，深入探索人間性和音樂性，此次展出的1986年的油畫作品《無題》實屬罕見。作品隱藏著充滿東方哲思的神秘質感，畫面中流動著的色彩與色塊，在堅毅兼具溫柔的建構下，猶如湧出對於生命的崇敬與無畏之情。
尊彩藝術中心｜李重重
李重重1942年生於中國安徽，1945年隨家人移居台灣台南。出身書畫世家，水墨創作起步甚早、畫風成熟。自1970年代開始，作品受到當時「五月畫會」「東方畫會」現代水墨的表現影響甚深。在五月、東方營造一片男性抽象畫家的環境裡，她創造了具現代人情感與時代精神的水墨藝術。此次帶來的系列大器的筆墨流曳，濃墨蒼勁、渲染婉約，她的畫在氣魄宏大中顯得流轉靈動、明亮的色彩在墨韻中跳躍穿梭；其獨特風格與持續半世紀以來的創作生涯；使她在台灣抽象水墨界佔有一席之地，並且散發著剛柔並濟的魅力。
施博爾藝廊｜General Idea《AIDS》
當人們嘗試與疫情共存，那歧視又如何在日常化的共存環境中消失？這是來自柏林的施博爾畫廊，藉美洲戰後藝術史上知名的加拿大藝術家團體General Idea之著名作品《AIDS》，期望藉由藝博會中傳達的訊息。
General Idea由AA Bronson（b.1946）、Felix Partz（b.1954）和 Jorge Zontal（b.1944)等三位藝術家組成。他們自60年代至90年代間，以各種快速、廉價的方式印刷、輸出、製版，並以媒體行動作為藝術創作方法，切此散播他們的「圖像病毒」（Imagevirus），試圖藉此擾動社會的刻板印象，並且聲援酷兒價值。其精神受到媒體思想家麥克魯漢、安迪沃荷與約瑟夫・波伊斯啟發，而他們的藝術行動與創作也影響著當代的藝術書與獨立出版創作。
《AIDS》是General Idea在愛滋病於美國80年代流行期間，挪用美國普普藝術家羅伯特・印第安納經典的《LOVE》雕塑（在台北101前也有一座）之造型意象，近而打造一座期望人們以平常心與平等的愛來看待病毒的雕塑作品。
就在藝術空間｜謝牧岐《台南、高雄、淡水》
謝牧岐擅長將他欣賞的繪畫與視覺元素，透過刻意非忠實再現的臨摹與形象拼組的方式，巧妙轉化為自身的繪畫語言，進而讓創作形成一個以自身生命經驗為起始點的當代歷史畫場景。近年曾獲中國信託當代繪畫獎優選，曾入圍台新藝術獎年度視覺藝術大獎以及臺北獎首獎。
謝牧岐近年來在創作裡對話台灣美術史與重訪自身繪畫歷程，特別為台北當代創作全新繪畫《台南、高雄、淡水》，該件作品以台灣前輩畫家廖繼春 1928 年作品《有香蕉樹的院子》為繆思，將畫面中的空間，建構於三個不同的視角與三種尺寸的畫布，並以抽象化的方法臨摹此經典畫作。畫面中的戎克船、香蕉、椰子樹、噴水池與古老街景等形象，像是通過謝牧岐的壓克力繪畫，穿越時空來到當代，並且也從日治時期的「地方色」、「南國風情」的視覺框架中扭曲、解構為一個沒有地平線的抽象場景。
大未來林舍畫廊｜申亮《淒美圖》
「傳統」與「日常」是申亮創作中始終貫穿的脈絡。紅洋蔥、瓜子皮、蒜皮等日常無用之物，在申亮的細細勾勒與描繪下，產生了無用之用的昇華。而其將古畫描摹於老書封底，並加入調侃、戲謔、反諷、幽默等元素的「畫書系列」，則在傳統「墨戲」的筆墨情趣與西方的「塗鴉」中，為傳統提供了一個跳脫框架的縫隙，重構了一個充滿趣味的想像世界。於是滿山嫣紅中，那看似一片喜氣的構成裡，突兀的自縊女子，將生意盎然的山色，翻轉為葬花的淒涼。
MIZOE ART GALLERY｜ 野見山曉治《The-lively-News》
MIZOE ART GALLERY此次介紹了跨越20至21世紀的日本先驅藝術家。包括目前高齡102歲的野見山曉治（Nomiyama Gyoji）是當今日本畫壇上的長青樹。他於1920 年出生於福岡縣，17歲從福岡移居東京，就讀於東京藝術大學前身東京美術學校油畫系。但太平洋戰爭始後他參軍並被派往滿洲。然而，在訓練期間，肺部的慢性疾病會惡化，被遣返回日本療養。療養期間被故鄉毀壞的煤礦的形狀和由圓柱體、圓錐體和球體等人造物體創造的原始景觀中找到了自己創作原初的動機。後來他抓緊機會作為法國政府自費留學生移居至法國，在歐洲共待了12年，是明確經歷明治時期以來日本美術歐化的草創期尾聲，並跨越了戰後旺盛的歐美藝術思潮乃至近幾十年來現代繪畫活躍的日本當代美術發展史。野見山曉治的作品體現東方藝術家接觸到西方繪畫後，融合了具有西方風格的東方隱蔽感，他的畫作以精神性的理由將風景、靜物、人物等形狀都隱藏起來，以豐富的色彩和自由的筆觸來體現藝術家的內在。
世界畫廊 | 馮鍾睿《2021-6-18》
《典藏ARTouch》向讀者推薦香港世界畫廊（Galerie du Monde）展位上，藝術家馮鍾睿2021年的新作《2021-6-18》。馮鍾睿作為台灣現代美術史中重要藝術團體「五月畫會」成員，其獨樹一幟的壓克力抽象作品，開創了全新的繪畫技法，結合壓克力顔料、聚酯薄膜、紙張及拓印等技巧，作品中幾何圖形與無拘無束的佛教經文重疊，這些經文的文字不像詩歌般帶有意境，超脫了具體聯想，激發觀者内在的思想與感受，更反映出藝術家近年的狀態，他似乎在尋找一種藝術家自我營建的精神歸屬。
絕版影像館｜陳榮輝《觀看王維的十九種方式》
「空山不見人，但聞人語響。返景入深林，復照青苔上。」唐代詩人王維的《鹿柴》幾乎人人皆能朗朗上口，詩句描繪了傍晚時分鹿柴附近空山深處：人語響過，又歸空寂；夕陽照過，又歸幽深。在動與靜、明與暗中，淡淡感知周遭的變化，卻又不影響心底的平靜。充滿畫意的寥寥20字，成為不少藝術家回應與對話的文本。美國詩人與翻譯家艾略特．溫伯格（Eliot Weinberger）則曾寫過《觀看王維的十九種方式》一書，逐一檢視《鹿柴》包含英、法、西班牙等多種語言翻譯的版本差異，展示了詩的幽微與難以捉摸，並認為：中國哲學永遠基建於關係而非本質之上。而陳榮輝的《觀看王維的十九種方式》則引用了溫伯格著作中對中國傳統文學意向的演繹，但卻試圖用東方的審美來探索、擴展美國景觀的可能性，且在攝影需要光的本質上，讓「反景」有了現代的詮釋。
思文閣｜森田子龍《樹》
立足於京都，並在東京設有空間的思文閣，此次首次參與台北當代，除了帶來其素來深根的日本戰後藝術，同時兼及近來涉足的當代藝術創作。在日本戰後前衛中，由森田子龍、井上有一等人創辦的「墨人會」群體，一直是思文閣有序推廣與耕耘的範疇。森田子龍除了在自身創作上不斷嘗試漢字本身獨特的繪畫潛質與「禪」的精神，早在1952年於京都成立墨人會，並發出「我們不是書法家，而是要為墨而生存，讓墨跡生輝！」的成立宣言前，其在1951年便創辦了《墨美》雜誌，意圖在觀念、思想上挑戰日本書法界的傳統。森田子龍與「墨人會」不可逆地改變了日本戰後書法的景觀，也將書法重新確立為現代藝術流派，成為日本戰後前衛最具代表性的群體，並在20世紀60年代將其活動擴展至國際。
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