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從創作【蜘蛛】的布爾喬亞到「美國現代主義之母」的歐姬芙,她們之間的靈感網絡

從創作【蜘蛛】的布爾喬亞到「美國現代主義之母」的歐姬芙,她們之間的靈感網絡

從藝術家的關聯中發現無限可能,揭開創作背後最動人的故事!
路易絲.布爾喬亞描述馬歇爾.杜象是「猶如父親般的人物」。

路易絲.布爾喬亞

在她漫長的創作生涯中,路易絲.布爾喬亞創作的三維藝術經常帶有明顯的性暗示,或是表達她童年的經歷和情感,尤其是關於父親對母親的不忠。她在巴黎長大,住在畫廊樓上的一間公寓裡,父母在那裡修理、出售掛毯,週末時就到他們位於鄉間的別墅和工作室裡修復古董掛毯。從很小的時候開始,布爾喬亞就為這些掛毯的磨損或缺失部分設計圖案,並與母親一起清洗、修補它們,與母親關係非常密切。然而,緊張關係隨之而生,因為住在她家裡的家庭教師,同時也是她父親的情婦。

布爾喬亞最初在索邦大學學數學,同時也開始創作各種藝術媒體。母親在布爾喬亞21歲時去世,她放棄了數學課程,前往羅浮宮學院(the École du Louvre)、蘭森學院(the Académie Ranson)、朱利安學院、大茅舍藝術學院和巴黎美術學院學藝術。有段時間,布爾喬亞擔任費爾南.雷捷的助理,並住進一間公寓大樓,安德烈.布勒東的畫廊也在那棟大樓裡,她因此熟悉了超現實主義者的作品。她開始在秋季沙龍展出作品,並在父親的掛毯陳列室隔出了一個區域當成自己的畫廊,展示她的版畫和油畫。她也曾經短暫擔任藝術經紀人,結識胡安.米羅等人並成為朋友。

在此期間, 她遇見美國評論家兼藝術史學家羅伯特. 戈德華特(Robert Goldwater,1907-1973),兩人結婚後,在1938年一同搬到紐約。她到紐約後開始創作雕塑,用特殊的材料創作風格化的人物。布爾喬亞在當時知名的藝術家圈裡社交,也教授藝術。身為一名社會主義者和女權主義者,她在政治上相當活躍。她運用多元的材料和主題,探索對繪畫、版畫、雕塑、表演和裝置方面的原創想法。1970年代,父親和丈夫相繼去世,她開始創作更多女權主義色彩鮮明作品,也主辦週日沙龍,評論學生和年輕藝術家的作品。

1982年,布爾喬亞成為首位在紐約現代藝術博物館舉辦回顧展的女性藝術家,2006年,她結識了英國藝術家翠西.艾敏(Tracey Emin,生於1963年)。兩人有興趣共同創作系列作品,她們以「不要拋棄我」(Do Not Abandon Me)為展覽主題,在紐約和倫敦展出16幅兩人攜手完成的畫作。

馬歇爾.杜象與康斯坦丁.布朗庫西是終生的好友。

馬歇爾.杜象

馬歇爾.杜象挑戰了藝術構成的概念,他是20世紀最具影響力的藝術家之一,經常被稱為「觀念藝術之父」,因為他堅定地認為,驅動藝術的是思想,而非技術性的技巧。杜象出生於法國諾曼第(Normandy),家中有七個小孩,他和兩個兄弟雅克.維隆(Jacques Villon)和雷蒙. 杜象− 維隆(Raymond Duchamp Villon)都成為藝術家。1904年,杜象跟著他的兄弟來到巴黎,在朱利安學院學習繪畫。在後印象派的啟蒙下畫了第一幅作品。18歲時他服完兵役後,進入盧昂(Rouen)的一家印刷廠工作,學習各種印刷程序。他把重複的圖像與立體主義元素融合在一起,開始探索在靜態繪畫中表達運動的方式,對於描繪第四維度的想法深感興趣,厭惡純粹注重美學的藝術。1912年,他創作了《下樓梯的裸體,No 2》(Nude Descendinga Staircase ),嘗試在靜態繪畫中表現出運動。這幅畫在展出之前就引起軒然大波,包括他兄弟在內的獨立沙龍(the Salon des Indépendants)懸掛委員會拒絕接受,理由是:「裸體永遠不會下樓梯─裸體是斜躺的。」1913年,這幅畫在紐約軍械庫展覽中展出時,爭議依舊未平息。

同樣在1913年,他展出第一個現成品(readymade)作品:凳子上的自行車輪,藝術技巧的重要性變得微乎其微,就是從這件作品開始。杜象用「現成」一詞來描述任何脫離其慣常脈絡、大規模生產、並號稱是藝術品的物品。他表示,預先製好的物品有助他避免掉入遵循特定風格的「陷阱」。起初備受嘲弄的現成品,後來卻成為觀念藝術和極簡主義等多項藝術運動的要素。

杜象的大型立體作品之一,《新娘被光棍們剝光了衣服》(The Bride Stripped Bare by Her Bachelors ,1915-1923),通常被稱為《大玻璃》(The Large Glass ),從構思到完成共花了11年(三年的準備研究,之後是八年的執行)。偶然的程序結合精心的策劃,可以把新的材料和概念引入藝術中。1915年,杜象移居紐約,他在那裡創作了更多現成品,其中包括名為《噴泉》(Fountain ,1917)的小便池,它改變了藝術的路徑,引發原創性和真實性的問題。1920年, 為了探索性別認同的觀念,他化身為一個女性角色「蘿絲.賽拉薇」(Rrose Sélavy),不久後就和1926年移居巴黎的美國藝術家亞歷山大. 柯爾達(Alexander Calder,1898-1976)成為好朋友。杜象把柯爾達的動力雕塑稱之為「動態雕塑」(mobiles),這個名稱就這樣被沿用下來。

康斯坦丁.布朗庫西在紐約的首次個展由喬治亞.歐姬芙的丈夫阿爾弗雷德.施蒂格利茨策劃。

康斯坦丁.布朗庫西

20世紀上半葉之前,康斯坦丁.布朗庫西還未成為現代主義雕塑的偉大先鋒,他成長於一個羅馬尼亞的村莊,受到木雕和其他民間工藝傳統的影響。

11歲時離開家裡,兩年後開始在克拉約瓦工藝美術學院(School of Arts and Crafts in Craiova)一邊讀書, 一邊做各種工作掙錢。從1894年起,他成為全職學生,四年後以優異的成績畢業,接著在布加勒斯特(Bucharest)學習人體雕塑, 直到1902年為止, 期間獲得許多獎項。

兩年後,他幾乎是以徒步的方式前往巴黎,在那裡,他穿著羅馬尼亞農民的服裝、手工雕刻自己的家具,藉此保有他的異國傳統意識。從1905 年起,他在巴黎美術學院接受雕塑和塑模的訓練,之後進入奧古斯特.羅丹的工作室擔任助理,只是僅僅一個月後他就離開了,他說,在這樣一位偉大的藝術家面前,他永遠沒有發光發亮的機會。

受羅馬尼亞民間傳說和「原始」文化(”primitive” cultures)的影響,布朗庫西開始形成自己的風格,他經常針對一個主題創作出多種不同版本的作品,以大理石和其他石頭、青銅等其他金屬及木頭創作了線條流暢的雕塑。他想用簡化的形式來揭示隱藏的真相,因此有許多作品外表看起來很簡單。雖然大多數雕塑家用較機械化的方法來製作預備模型,但布朗庫西偏好的是比較少人採取的直接雕刻技術。

1913年,在紐約有一場別開生面的軍械庫博覽會(Armory Show)上展出歐美前衛藝術,布朗庫西有五件作品也參展。隔年,他在紐約舉辦首次個展。其光滑、風格化的形式既不寫實、也缺乏細節,他的想法(例如雕塑的底座與作品本身一樣重要)引起批評。儘管羅丹證明雕塑傳統是可以被打破的,但布朗庫西的作品似乎走得太遠了。他想要創作出能夠傳達主題本質的雕塑,沒有任何干擾或多餘的東西。許多人形容他的作品是抽象的,但他始終堅稱自己呈現的是現實。他對於自己使用的所有材料都很仔細,例如,他會花上幾天時間拋光金屬作品,以獲得最佳的光澤度。當代藝術家費爾南.雷捷同樣努力傳達一種閃亮、煥發的效果,只是他是透過繪畫、而非雕塑,他成為布朗庫西在巴黎最親密的朋友之一。

喬治亞.歐姬芙,經常被稱為「美國現代主義之母」(mother of American Modernism)。

喬治亞.歐姬芙

喬治亞.歐姬芙在威斯康辛州的一座農場長大,從小就開始以遼闊的風景、雄偉的摩天大樓、雲朵、花朵和動物骨頭為作畫的主題,也創作了彎曲、抽象的雕塑。她試著透過自然世界的抽象性去捕捉情感與力量,因此經常被稱為「美國現代主義之母」(mother of American Modernism)。

歐姬芙的家人鼓勵女性接受教育,這在當時甚為難得。歐姬芙曾在芝加哥藝術學院(Art Institute of Chicago)讀書,但因感染傷寒而離開。

1907年,她進入紐約藝術學生聯盟,在那裡向威廉.梅里特.切斯(William Merritt Chase,1849-1916)等藝術名家學習最新的繪畫技巧。她開始從事廣告插畫,之後在維吉尼亞州、德州和南卡羅萊納州教授藝術,同時也斷斷續續地進修藝術。在此期間,歐姬芙認識到藝術家亞瑟.韋斯利.道(Arthur Wesley Dow,1857-1922)和亞瑟.多夫(Arthur Dove,1880-1946)的信念─他們強調個人詮釋的重要性。

1915年,她寄了一些炭筆畫給紐約的一位朋友,這名友人把畫拿給阿爾弗雷德.施蒂格利茨(Alfred Stieglitz,1864-1946), 他是一名攝影師兼藝術經紀人,在沒有知會歐姬芙的情況下,施蒂格利茨就在他的「291畫廊」展出其中十幅畫作。當她發現後,雖然曾質問施蒂格利茨,但仍允許他繼續展出她的作品。兩年後,施蒂格利茨為歐姬芙舉辦第一次個展。在施蒂格利茨的鼓勵下,歐姬芙搬到紐約,他在紐約為她找了一處生活和工作的地方,並且提供經濟援助。1924年,施蒂格利茨離婚後,和歐姬芙結婚了。她開始創作關於花卉和紐約摩天大廈的曠世鉅作。到了1927年,她已經是盛名遠播的畫家:這是女性在藝術界的一項重大成就。
1929年起,她在新墨西哥州度過一段時間,這個她稱之為「遠方」(the faraway)的風景和當地的納瓦荷(Navajo)文化為她帶來靈感。

歐姬芙從未參與過任何藝術運動, 當時大多數人都專注於抽象藝術或根本已經完全放棄繪畫,歐姬芙是少數表達真實世界的藝術家之一,她畫的細緻特寫,因為比例和尺寸的關係,使它們看起來很抽象。她解釋畫大型花卉畫的原因:「沒有人真正看到過一朵花,它太小了,我們沒有時間……所以我對自己說─我會畫我所看到的,但我會把它畫得很大,人們會驚訝到花時間去看它。」

村上隆(Takashi Murakami,生於1962年)同樣以其色彩鮮豔的半抽象物體畫而聞名,其中也包括花卉,他的作品融合了日本流行文化和日本藝術遺產。


本文選錄自書籍《我認識這個藝術家:84個改變藝術史的靈感網絡故事》

《我認識這個藝術家:84個改變藝術史的靈感網絡故事》

從藝術家的關聯中發現無限可能,
揭開創作背後最動人的故事!

作者蘇西.霍奇以其精湛的筆觸,帶領讀者深入探索84位藝術家之間鮮為人知的關聯。從友誼、愛情到創意碰撞,從偶然相遇到長期合作,跨越時間和空間,構成了一張由影響與互動交織而成的網絡,塑造了藝術史的豐富面貌。

蘇西.霍奇(Susie Hodge)( 3篇 )

暢銷書作家、藝術史學家及藝術家。為成人及兒童讀者著有超過90本書籍,包括由Thames & Hudson出版《你為什麼看不懂現代藝術?為什麼你五歲時沒做出來?》、《我的紙上藝術大展》、《細看藝術》、《為什麼油畫裡都是裸體?》、《細看現代藝術》和《繪畫大師班》等。

相關著作:《憤怒的大日子:莫內、芙烈達、歐姬芙、巴斯奇亞……從壞情緒轉生出的藝術創作》