「三十而立」這句耳熟能詳的儒家言，對於一個幾經曲折顛簸的事業與活動而言，亦不啻為一個反思與前進的時歲與年華。30年，從古典經濟學上看則大約走過了三個景氣循環週期。從台灣平均的企業壽命上看，30年也標誌著那低於10%的極少數，能通過產業競爭與景氣波動而淘汰的優良企業。30年象徵著生命已經有了記憶與歷史，也象徵著當前面對的各種景象與心境與過往大不同，或許更象徵著企圖變革與成長的跨步及實驗。當然，最為重要的是而立代表了對於核心價值的明瞭與確立，從企業發展的角度看則是企業主體價值的明確。而這個明確的價值將持續影響著往後的每一步發展與持續。
從而立之年的角度上看本次的ART TAIPEI台北國際藝術博覽會（簡稱台北藝博），那麼或許真正值得注意的是，那些歷史的、潮流的乃至於實驗的現象有哪些？而是否這其中得以讓我們去想像何謂台北藝博？諸如倫敦的斐列茲（Frieze）以實驗性著名，瑞士的巴塞爾（Art Basel）以高品質與天價巨星著名……，每一個重要的博覽會，都存在著其主要的藝術乃至於市場的核心訴求。而這或許是而立之年的台北藝博最需要深思之處。
那些一直存在的傳統
觀察歷屆台北藝博，水墨、寫實油畫，乃至於所謂「東西合璧」，是我們最常且固定看見的創作類型。也因為歷史的脈絡與承襲，令台北藝博在今年的「藝術資產與永續示範展區」特別以「水墨」作為特展方向。這些項目與類型的穩定出現，除了投射我們整體畫廊產業經營的項目主力，也投射了某種市場穩定性，因而當畫廊業者進行博覽會的商業判斷時，這類型的創作常常成為考慮項目。另一方面，寫實油畫的高度耗能與耗時，也讓其每年大幅作品的「產量」約莫就是2、3件，一年一度的藝術博覽會，在頻率與規模上，正好成為藝術家年度發表的好場域。對於已然有穩定支持者與知名度的藝術家來說，每年的新作並不難找到買主，對於新興藝術家而言，寫實所投射的高技術性與精雕細琢，也更扣合研究者之外，大部分愛好者對「藝術」的整體想像。當然寫實創作如何在「擬真」之外投射藝術家的想像與思考，如何在其源遠流長的歷史中脫穎而出、在當代依舊有意義？則需要另闢專章討論。
時代潮流下的藝術
觀看此次台北藝博，或許觀者共同的感受便是卡漫、潮流風的作品明顯減少，而這樣的趨勢約莫從2022年便能看出端倪。很多人可能因此鬆了一口氣，但是卡漫、潮流，或任何一個曾經在台灣市場流行過的風潮就不好嗎？相信對於藝術發展與產業有一定觀察的人都會提出反對意見。任何風格都會有人喜好與支持，因此重點並不在於某種風格、類型就是「好」或「壞」，而是畫廊究竟是出於市場流行趨勢還是美學意識經營某一類型的藝術創作？而儘管品味沒有高低、風格沒有好壞，但卻有細膩度的差異。而細膩度，便建立在美學意識的拓延上。這也是為何雖然同樣經營「卡漫」、「萌」、「潮」……，自有其脈絡的日本畫廊往往經營地更到位、細膩與精緻。而當「卡漫」跟「潮」在某種程度退燒後，我們的「新」藝術又是什麼？
由文化部支持的「MIT新人推薦特區」（簡稱MIT）今年邁入第16屆，一直是許多人在參訪台北藝博時必定造訪的專區，為的是搜尋可能未知的新興藝術家以及觀察近期台灣年輕創作者的變化。MIT也從早期的單純展示，自2013年開始採用媒合畫廊於展期間進行代理，有意識地希望協助創作者更順利地進入藝術市場。這樣的嘗試與目的自然有益於藝術環境的發展，畢竟藝術創作的永續，絕對需要經濟的支持，不擅於商業交涉的創作者，也能藉此機會認識市場的運作。而我們是否能在MIT觀察到近期台灣創作者的變化趨勢？整體而言，若就創作類型的多樣性來說，答案可能是否定的。在今年的MIT展區中，儘管也有錄像作品，但最為主要的依舊是博覽會常見的平面繪畫、立體雕塑與部分攝影。或許也正因此，當最被期待呈現多樣性、實驗性的區域某方面呼應了過往我們對市場的預設想像時，台北藝博整體而言被評論為偏向「保守」的感受，也就更加鮮明。有趣的是，從去年開始MIT的參與年齡上限從35歲提高至40歲，擴大了「扶持」的範圍。就正面意象來說，提高年齡上限可讓更多人參與，但換個角度來說，需要擴大「扶持」的因素究竟是因為市場失能？目標市場投放錯誤？還是創作者始終未能在「就業」歷程中，習得有效的商業運作與平衡？或許，這也正是我們的輕年創作者在投入以「專職創作者」為「職業」的時候，便需謹慎思考與學習的。
實驗與探索的展覽及概念
此次台北藝博最特殊的一點，或許便是推出「藝術資產與永續示範展區—水墨特展：執墨」，並以該區展出作品示範將作品結合數位憑證登錄及管理（藝術品區塊鏈保證書），以及開放傳統付費方式之外，結合碳權的方式交易（藏家可以80%價金+碳權付費）。在永續意識抬頭，台灣碳費新制將在2025年上路的前夕，畫廊協會與台北藝術產經研究室的回應可謂相當即時，也與2022年的「永續」議題有著密切的延續性。儘管無論在展前或展期期間，筆者詢問到的回應皆是接受度低、高度觀望的狀態。即便如此，作為嘗試性的提問與試驗，乃至於為下一代示範可能的交易方式的企圖，都值得予以肯定。不過也或許在「行銷博覽會」與「行銷協會」間的平衡未能有效拿捏，導致有參展畫廊於展後採訪時，明確表達博覽會前期的行銷策略並不精準、清晰，未能掌握博覽會的亮點所在。
台北藝博是？
根據台北藝博提供的資料：ART TAIPEI 2023的觀眾觀展經歷在3年以下的佔比高達57％，此項數據在2022年的統計為34％；觀展經歷超過五年的觀眾約佔27％，此項數據在2022年則為48.9％。在整體入場人數變動不大的前提下，反映出「一波新的藝術愛好者正大量走進藝術的大門」，但也意味著台北藝博無法吸引資深藏家。與此同時，「3-5年觀展經驗的比例在2023僅佔15％（2022年為17.1％）」，則投射了一個更大的危機：台北藝博無法持續吸引藏家進入觀展。這樣的現象在我們與參展畫廊展前的交談時便曾被提及。有畫廊業者認為，無論是台北藝博、台北當代等活動，在近幾年確實培養、塑造了一批年輕的藝術愛好者，但儘管藝術看似更為普及、蓬勃發展，但這些收藏者多半基於單純的喜好或生活調劑的裝飾，當數量達到一個家庭佈置需求的頂端時，他們便不再購藏，無法成為我們期待或定義中的「藏家」。另一方面，也正因為整體的觀展資歷淺、年紀輕（據大會統計，主力收藏群體雖仍為45歲以上的觀眾，但45歲以下超過58%），1萬美金以內低單價的作品自然成為場內最容易交易的區間。大會統計的平均成交單價也落在新台幣50至70萬之間。
誠如前言，任何品味或藝術風格都有其意義，任何價格區間的作品也自有其市場。然而作為聚集最多台灣畫廊的台北國際藝術博覽會，我們期待的是什麼樣的交易市場？我們期待的是畫廊堅守、捍衛某種品味？呈現某種品味的多樣性？還是多樣性的收藏品味？而大會與其會員在交易市場之外，共同希冀發展培育的，是品味的引領者抑或服務者？與此同時，當資深藏家早在收藏全世界，藝術從業人員開始憂心即便是在地的台北藝博，各家畫廊都開始漸次轉往國際尋求合作藝術家，台灣創作者被看見的平台更加限縮時，我們的藝術創作者，是否做好跟全世界競爭的準備？
當我們在討論藝術市場的競爭能力時，其實期待的，往往是作品的國際競爭力與被收藏、交流的可能。然而一旦討論國際藝術市場，我們就無法迴避國際對「當代藝術」的定義。儘管它是個模糊的概念，但它終究還是可以設定出某些座標，諸如：對當下人類處境的揭露，對傳統的再反思（它可能是材料、形式、主題……），而真正能寫入藝術史的，往往是那些打破我們對過往藝術認識與定義的作品。當然最終，它必須要能讓我們有精神或情感昇華的感受，它才能成為雋永且歷久彌新的作品。這個目標極難迄及。但在30年的此刻，在我們期待一個更好的藝術市場環境與台北藝博的同時，或許正是一個從協會、畫廊、藝術家到每個從業人員都需不斷自我審視的時候。
朱貽安( 102篇 )大學學習西班牙文，後修讀中國藝術史，有感於前生應流有鬥牛士的血液，遂復研習拉丁美洲現代藝術。誤打誤撞進入藝術市場，從事當代藝術編輯工作。曾任《典藏投資》編輯、《典藏．今藝術&投資》企劃主編，現為典藏雜誌社（《典藏．今藝術&投資》、典藏ARTouch）副總編輯。