從紐約到東京的名畫盛宴：大都會藝術博物館展──西洋繪畫500年

2018年起，因美國紐約大都會藝術博物館（Metropolitan Museum of Art）對歐洲繪畫部門進行自然照明修繕計畫，日本方以此契機積極商討借展事宜，從2500件以上的館藏中選出65件作品，規劃「大都會藝術博物館展──西洋繪畫500年」特展，於東京國立新美術館與大阪市立美術館巡迴展出。

特展分為「信仰與文藝復興」、「絕對主義與啟蒙主義的時代」、「革命與人民的藝術」三部分，以編年史概念為展覽架構。國立新美術館運用其空間特質，提供大而寬敞的展場，讓久未出國的觀者能感受到歐美博物館的氣氛（註1）。此外，展示規畫上也有特殊的安排，將可互相分析的畫作比鄰而置，選件上也特意選擇畫面主旨鮮明、知名度較高的作品，導入多國語言的說明翻譯系統。

信仰與文藝復興

第一部分「信仰與文藝復興」裡，將焦點從平面、超然的宗教繪畫，轉移至以人為本、重視透視技巧的文藝復興繪畫作品。雖然描寫對象仍以神話、宗教人物為主，人類擁有的七情六慾卻滿溢畫面當中。如拉斐爾（Raphael Sanzio）在20歲時繪製的《客西馬尼園中的禱告》。根據《聖經》新約記載，耶穌基督和門徒在最後的晚餐後，基督帶領門徒到橄欖山上的客西馬尼園。對比著熟睡的門徒，基督虔誠祈禱在稍後得以有足夠的勇氣面對釘上十字架的磨難。而提香（Tiziano Vecellio）的《維納斯和阿多尼斯》，則是描寫維納斯勸阻想要狩獵的阿多尼斯（Adonis），然結果就如維納斯不幸的預感，阿多尼斯在狩獵中被野豬傷足身亡。這個悲劇故事在文藝復興時期風靡一時，也可以從中看見當時在追求科學與真理的同時，也關心人類感性層面的探討。

另外在技法改變方面，不得不提到安傑利柯（Fra Angelico）。在他創作的《基督受難》裡，運用單點透視，將圍觀基督受難的人群以橢圓形排列，為最早表現立體感的畫家之一。

北方文藝復興的代表之一─老盧卡斯・克拉納赫（Lucas Cranach der Ältere）的《帕里斯的審判》，是16世紀日耳曼地區紅極一時的繪畫題材。特洛伊王子帕里斯（Paris）必須在天后赫拉（Hera）、智慧女神雅典娜（Athena）與愛神阿佛洛狄忒（Aphrodite）三位女神中，決定誰應該獲得擁有最美麗象徵的金蘋果，最終他選擇了維納斯以換取人間最美女子海倫的愛情。在這件作品中，水晶球取代了原先的金蘋果，並用正面、側面、背面增加女性不同面向的美感。盔甲、寶物、茂密植被，蜿蜒山景等描寫，也明顯比前面介紹的作品具體細膩，可以看到北方文藝復興與義大利的相異之處。

絕對主義與啟蒙主義的時代

第二部分「絕對主義與啟蒙主義的時代」裡，展場牆面塗上深紅色，烘托出巴洛克藝術的劇場般的臨場感。17世紀義大利藝術家卡拉瓦喬（Michelangelo Merisi da Caravaggio）的《音樂家》，是他26歲時為第一位贊助人蒙特紅衣主教（Francesco Maria del Monte）繪製的。1597年克拉瓦喬被邀請住進主教宅邸，成為其創作能力明顯提升的重要時期。畫面中值得注意的是左端的丘比特，暗喻該主題或許不僅僅是合奏場景的再現，而是代表「音樂」和「愛情」的寓言。而右邊第二位拿著喇叭的年輕人，據說是克拉瓦喬的自畫像。雖然這是他第一次嘗試以正面、側面、背面等多角度人物描寫，但也是這一時期的多方嘗試，奠定其對比強烈、生動寫實的代表風格。

與卡拉瓦喬《音樂家》比鄰的是拉突爾（Georges de La Tour）的《算命者》，以此顯示出拉突爾受克拉瓦喬的畫風影響，17世紀蔚為流行的算命主題，也正是從卡拉瓦喬開始的。兩者的畫面都是單色背景，右上的光源聚焦畫中人的動態表現，人物亦擁有同樣圓潤而理想的臉龐，再用服裝、配件交代人物資訊。然而，拉突爾更注重宗教及庶民生活的描寫。如此風格使他被任命為路易十三的附屬畫家，卻在死後凡爾賽宮廷繁複、奢靡風潮中迅速被人遺忘。

延續東京維梅爾特展「窗邊讀信的少女」的話題性，館方商借了維梅爾（Johannes Vermeer）與林布蘭（Rembrandt Harmenszoon van Rijn）的代表作品。維梅爾的繪畫主要以17 世紀荷蘭日常生活為主，館方卻特意選擇晚年少見的宗教寓意作品《信仰的寓意》。當時以新教為官方宗教的荷蘭，天主教徒只能隱密地在家中舉行彌撒與集會，這也正是畫家在婚後皈依天主教的寫照。畫中手撫前胸表明內心宗教的女性是信仰擬人化的象徵，而腳踩地球被解釋為天主教在世界的擴張。桌上佔滿十字架、杯子和彌撒書暗示著聖餐，而地板上的蘋果和被石頭壓死的蛇則隱喻原罪與基督。

另一幅是林布蘭的《花神佛洛拉》。象徵春天、鮮花與富饒女神的佛洛拉自文藝復興時期以來即是熱門的繪畫主題，擅長宗教畫與多人肖像畫的林布蘭，以已故十年妻子薩斯基亞的臉龐作為女神的樣貌，一展大師筆下的深情繾綣。

肖像畫盛行的同時，靜物畫主題也形成獨立類型。如彼得．克拉斯（Pieter Claesz）作品經常藉由描繪的靜物隱喻生命、富貴、權力的無常。《有頭骨和羽毛筆的靜物》裡的書本意味人類努力積累的智慧與成就，然而卻被象徵死亡的骷髏壓住，左方油燈邊緣僅剩一縷煙裊裊升起，如同人類留在世間的貢獻與時間付諸流水，極具警世意味。

18 世紀後期的法國女性逐漸得以在畫壇展露頭角，而瑪麗─丹尼斯・維萊爾（Marie-Denise Villers）即是其一。她長期跟隨學院派的教師習畫，並於1799年至1814年間的沙龍多次出展作品。儘管如此，她的作品因誤認為新古典主義大師大衛 （Jacques-Louis David）所繪，而長期被埋沒，直到1996年才被證實，成為近期女性藝術家研究的重點對象。

革命與人民的藝術

展覽的最後一部分，進入法國大革命以後的美術「革命與人民的藝術」。在這裡展示大家熟知的雷諾瓦、梵谷、竇加、塞尚、莫內等印象派與後印象派的作品，顯示藝術不再全然由皇宮貴族與學院沙龍展覽把持，明顯脫離理想、平衡而古典的美感，美的詮釋轉向社會的現實以及藝術家的內心活動。為了比較官方沙龍藝術與印象派等的差別，展覽選擇19世紀後期的法國學術派代表之一尚─里昂．傑洛姆（Jean-Léon Gérôme）的《畢馬龍與加拉蒂亞》。畫中主題取材自希臘神話中，塞浦路斯的雕刻師畢馬龍在愛上了他製作的雕像後，終日向天禱告，只求與她相戀一回，後來得到了維納斯的應允，派遣邱比特為雕塑賦予生命。

英國著名風景畫家透納（Joseph Mallord William Turner）44 歲第一次來到義大利後，就特別喜歡威尼斯。這次展出的作品《從安康聖母教堂門廊看威尼斯》並非戶外寫生，而是他改變建築位置和高度、運河的寬度等，完成他心中最美的河景，水氣氤氳的表現亦增添夢幻感。

在人民增加自覺意識與權利之後，藝術家也把焦點放在庶民城市生活上。竇加（Edgar Degas）以他鍾愛的芭雷舞、劇場為主題，以尋常的練習畫面繪製一系列作品。當時發展出來的攝影技術與法國流行的浮世繪作品，使他畫面中有著過去西洋繪畫中少見的俯瞰、後臺等視角。另外梵谷（Vincent van Gogh）1888年定居法國南部阿爾（Arles）時創作的《開花的果園》，以樹幹切割構圖、平面性、畫面顏色等，也是受到浮世繪與日本主義的影響。

展場的最後以莫內《睡蓮》收尾。莫內從1897年開始，以吉維尼家的蓮池為主題，持續創作了30年，並於1915年起嘗試繪製大型裝飾畫。沒有遠近感的畫面裡，天空與湖水、蓮花與倒影混和在一起，表現出既真實又寫意的景象，或許是當時患有白內障的莫內看到的模樣。這樣的畫風也對接下來的抽象、前衛藝術影響深遠。

透過大都會藝術博物館的精選作品，讓我們可以目睹西洋美術史的縮影，在不同的時代變遷下，藝術家的表現如何變化。將作品連結自現代生活與自身經驗，激發出不同的觀點，感受歷代大師所創作的藝術結晶。

參考資料

〈『メトロポリタン美術館展』に見るフェルメール、カラヴァッジョ、モネ。東京展の注目ポイントとは？〉，《美術手帖》2022年2月8日

〈カラヴァッジョはいかに「飛躍」したのか？　初期の傑作《音楽家たち》から考える〉，《美術手帖》2022年3月31日

大都會藝術博物館展──西洋繪畫500年

展期│2022.02.09-05.30
地點│日本國立新美術館