貝爾（Larry Bell）作品《Pacific Red II》展出一景。Whitney Biennial 2017, Whitney Museum of American Art, New York, March 17-June 11, 2017. Collection of the artist; courtesy Hauser Wirth & Schimmel, Los Angeles. Photo by Matthew Carasella.
惠特尼雙年展（Whitney Biennial）一直被視為美國境內具有指標性，能見度最高的雙年展之一。本次的雙年展，同時也是第一次在皮亞諾（Renzo Piano）設計，擁有寬敞展場的新美術館內舉辦，加上由兩位「非白人」的「年輕」策展人所籌畫，種種的第一次，讓雙年展在開幕前有了許多的期待。
本次的雙年展是由館內策展人羅（Christopher Y. Lew）以及獨立策展人洛克斯（Mia Locks）所規畫，他們皆任職過美國現代藝術博物館PS1分館的策展人，今年分別為36 及34歲。或許並非館方的原意，不過許多媒體將焦點放在策展人的亞裔背景（雖然兩位都是美籍）以及30出頭的年紀，戲稱本次是所謂的「後千禧雙年展」（Millennial Biennial）。
雙年展策展人羅（Christopher Y. Lew）及洛克斯（Mia Locks）。（攝影／Scott Rudd）
本次藝術家的選擇，最不同以往的是，策展人決意大幅調高（接近半數）女性藝術家，非白人／移民藝術家的比例。惠特尼雙年展一向有以反映政治、社會議題的脈絡。不過，雖然本次參展的藝術家多半在去年11月，美國政治風雲變色前就已選定，大量對於種族議題、貧富差距、槍枝氾濫、性別平等做討論的作品，都像是在對川普（Donald Trump）執政的美國政府，做出沉默卻有力的質問。
對於惠特尼雙年展的忠實觀眾而言，最大的不同，莫過於因為展場空間擴大的關係，終於一改過往觀展時「摩肩擦踵」的經驗。尤其這次策展人有意將參展藝術家的人數大幅降低（從上屆的100多位到本屆的63位），讓每位藝術家有更多平方公尺的展覽空間，展出數件作品，勾勒出藝術家當下的創作思維。挑高的展場，也能支撐大型突破傳統的裝置作品。另外，策展人充分運用惠特尼美術館的戶外庭園，三樓的辦公室空間，走廊等做為展覽空間，充分運用、呈現了之前在舊館無法提供的視覺感受。
值得一提的是，傳統媒材如繪畫、雕塑還是在雙年展中佔了不少份量。雖然當代藝術家傾向用錄像，裝置或者最近流行的VR創作， 但是策展人「公允」的挑選許多繪畫作品，忠實呈現美國當代藝術的樣貌。
《占領美術館》展出一景。Whitney Biennial, March 17—June 11, 2017. Thirty artworks and interactive website. Whitney Museum of American Art, New York.
批判色彩濃厚，反思美國當今社會現況
惠特尼雙年展一直有著藉由藝術，呈現美國當代社會議題的傳統。本次策展人也大幅選入了以時事、政治、社會做為主體的作品。在川普為美國總統的今日，貧富之間的懸殊差距及階級對立，不斷地挑動著社會中早已緊繃的神經。在對社會現況進行批判的作品中，最引人注目的，就屬《占領美術館》（Occupy Museums）這件作品。這個藝術行動是由波倫多（Arthur Polendo）、布朗（Imani Jacqueline Brown）、彼特羅波諾（Kenneth Pietrobono）、費雪（Noah Fischer）及貝里（Tal Beery）在2011年所發起的。該作品位於美術館五樓，牆上引用了身兼全球最大影子銀行貝萊德（Blackrock）的總經理，以及紐約現代藝術博物館委員的芬克（Larry Fink）的話：「The two greatest stores of wealth internationally today [are] contemporary art […and] apartment in Manhattan.」開宗明義的指出當代藝術的市場，好比做曼哈頓黃金地段的房價一樣的價值不菲。不過，諷刺的是，這位美術館／教育機構的慈善贊助者，同時也可能是藉由剝削窮人債務（當中不乏藝術家族群）而致富的銀行家。此件作品，包含了一個2012年發起的網路企畫「Debtfair」，調查將近500位藝術家，為了藝術創作而產生的債務狀況（總債務為：4,333萬美金，將會隨著參與人數的增加而持續升高），將他們對於兼顧藝術，財務兩難的經驗，投影於牆上，讓觀眾親身見證慈善家／剝削者雙重身分的諷刺，以及藝術家的掙扎。此屆雙年展願意呈現這件自我批判的作品，（惠特尼美術館也是高度依賴私人捐贈的藝術機構），也再次顯示館方對於社會正義及言論自由的捍衛態度。
除了展出多件帶有批判色彩的作品之外，本次雙年展，也提供藝術家籌畫行動，嘗試改變社會現況的機會。 例如，移民自波多黎各的藝術家羅薩多－錫歐（Chemi Rosado-Seijo）發起了「Salón – Sala – Salón (Classroom/ Gallery/ Classroom)」藝術計畫。羅薩多－錫歐與位於紐約移民眾多的下東區曼哈頓下城藝術學校（Lower Manhattan Arts Academy）合作，將展場和學校互換。將作品展於教室中，同時邀請學生到美術館上課。羅薩多－錫歐直接運用藝術家的力量，改變了學生（或者未來藝術家）的經驗，體現藝術中的社會性。大量的年輕學生進出所展現出好奇、興奮、憧憬等能量，也同步的改變了展場氛圍，為雙年展注入了親民、活潑的活力。這件作品也顯示惠特尼美術館願意嘗試卸下高塔，提倡「民眾經驗為先」的努力。
現地製作，善用美術館新建築空間
本次雙年展，是首屆在皮亞諾所設計的美術館建築裡展出。皮亞諾所設計的高挑、無樑柱展場，較之前布勞耶（Breuer）展館更有彈性，也更適合展出當代藝術所特有的複合媒材，大型裝置。另外皮亞諾建築中強調與當代地景的結合，建築本體運用大片落地窗，讓戶外花園或者是哈德遜河成為展場的背景。這樣的空間設計，也讓本次參展的藝術家，因地制宜的設計作品，達到令人意想不到的視覺效果。
戈爾登（Samara Golden）作品展出一景。（攝影／謝伊琳）
居於洛杉磯的藝術家戈爾登（Samara Golden），選擇了面對哈德遜河的角落，利用美術館約六米的挑高，做出多個夾層，放置迷你傢俱，製造幾可亂真的多組室內空間，再將四面牆及天花板加上鏡子，以萬花筒的概念，呈現出無限樓層的令人目眩神迷的視覺效果。戈爾登邀請觀眾進入特殊設計的平台觀看時，巧妙的引發觀眾產生一種「混亂」的經驗；起先觀眾會以為面對的是一個千層樓的裝置，直到定睛觀察，才會發現當中玄機。戈爾登期待翻轉觀眾一般「用頭腦閱讀文字」的觀看經驗，轉而讓「身體感受空間」。這件需要「解密」的作品，也意外的成為開啟美術館人員與觀眾話題的自然契機。
德涅韋斯（Raúl De Nieves）作品展出一景。Whitney Biennial 2017, Whitney Museum of American Art, New York, March 17-June 11, 2017.
墨西哥出生，定居於紐約創作的藝術家德涅韋斯（Raúl De Nieves）在美術館的六樓運用彩繪玻璃的概念，創造出另類的宗教屬靈經驗的作品《beginning & the end neither & the otherwise betwixt & between the end is the beginning & the end》。 由天花板到地板將近六公尺的彩繪玻璃，德涅韋斯織繪出宛如天堂、人間、煉獄的三層不同光景。配合彩繪玻璃壁畫，他同時創作了多間仿造人形，但融合民俗宗教人物的雕塑。 身為男性的德涅韋斯， 對於傳統被視為女性藝術家擅長的編織媒材，或者時尚議題，皆感到極大的興趣。例如，本作品的五件雕塑是由無數的串珠所編織而成，靈感來源自他對於女鞋設計能夠千變萬化的迷戀。這件作品除了展現德涅韋斯強烈的個人風格之外，也模糊了男性／女性藝術家，傳統宗教／民俗信仰之間的界線。
另外，在接近美術館戶外庭院的展場，策展人安排了紐約藝術家拉札（Asad Raza）的作品《Root sequence》。藝術家在展場展出了26棵樹，並且安排園丁／護樹員在展覽輪班，與觀眾交談，試圖翻轉美術館的參觀經驗。《Root sequence》的展出現場，頓時成為人們社交的場合，觀眾與園丁「討論為什麼要將樹種植在美術館？樹的品種？什麼時候會開花？」。拉札認為這些輪班照顧樹的園丁，也是展現作品精神的一部分，除了邀請他們將對自己有珍貴意義的物件，放置在樹叢間，成為作品的一部分之外，更與美術共同舉辦公共項目，分享他們自身與樹「相處」的經驗。
整體而言，兩位策展人確實地呈現了美國當代藝術的活力與多元性，不論是以當今政治，社會為題的作品，或者現在火紅的VR 裝置，互動遊戲等，都可以在此屆雙年展中看見。
庫里安（Ajay Kurian）《Childermass》。（攝影／謝伊琳）
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