首爾迎來Kiaf SEOUL、首屆Frieze Seoul輪番揭幕，周邊畫廊展覽同步展開

Kiaf SEOUL and First Frieze Seoul Unveiled in Turn, Exhibitions in Nearby Galleries Also Kick Off Concurrently

首爾於9月初迎來韓國國際藝博會Kiaf SEOUL以及其衛星藝博會Kiaf PLUS以外，第一屆斐列茲首爾藝博會也在各界注目之下揭幕。值此同時，在首爾設置據點的貝浩登、立木、佩斯等多家國際畫廊，也在此時呈現展覽；而富藝斯也和The Artist Room合作，在首爾當地畫廊合作推出展覽。

9月初，首爾除了迎來韓國國際藝術博覽會Kiaf SEOUL以及其衛星展會Kiaf PLUS以外，第一屆斐列茲首爾藝博會（Frieze Seoul）也在各界注目之下揭幕，被視為藝術產業交流最為活絡的亞洲城市之一。值此同時，進駐首爾的國際畫廊也紛紛推出展覽，將此熱度延伸至藝博展會空間之外，擴散成多點開花的藝市盛況。

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貝浩登：Emma Webster「Illuminarium」

貝浩登（Perrotin）甫在8月底落成插旗首爾的第2個據點——島山公園空間，開幕的首個項目為英裔美國藝術家艾瑪．韋伯斯特（Emma Webster）的個展「Illuminarium」。

Emma Webster，《Griffith》，Oil on linen，152.4×274.3 cm，2022。（Courtesy of the artist and Perrotin.）

韋伯斯特奇譎的構圖邀請觀眾在傳統的遠景之外遨遊，她的風景畫以油畫的形式呈現，既充滿奇思妙想，也讓人似曾相識；它們似乎違背地心引力，卻又遵從著某種內在的秩序。為了實現這一超凡脫俗的表達方式，藝術家運用特定方法對她的構圖進行多次創作，並且通過各種媒介和技術過程來提煉它們，其中涉及諸如鉛筆素描、草圖、拼貼、雕塑、虛擬實境（VR）、擴增實境（AR）、數位繪圖和顏料繪畫等方式。她的創作過程在運用了傳統模擬方式的同時也引入了科技方式，將草圖掃描到VR程序，能將圖像進行多方向的轉動並在其中賦予三個維度，呈現出傳統和前瞻的雙重敘事。

貝浩登島山公園空間展出韋伯斯特「Illuminarium」個展現場。（Photo: Kim Yongkwan. Courtesy of the artist and Perrotin.）

韋伯斯特筆下的風景，往往沒有人類乃至其他生物的活動跡象，其幽邃凝重的氛圍帶有一種末日感的想像，某種程度上也反映現實生活當中益發頻繁發生的極端氣候，如：高溫、洪水、野火、龍捲風、暴風雪和土石流等天然災害，迫使人類適應大自然的不可預測性。從這個角度出發，她放大和扭曲了大自然的力量，並像之前的許多藝術家一樣，重申了人類的狂妄自大，這是對藝術歷史的致敬，也是對地球未來的暗示。

立木：McArthur「DNA:Study/（Visual:Ear）」

立木（Lehmann Maupin）在此時推出的是芝加哥先驅藝術家McArthur Binion的新作展覽「DNA:Study/（Visual:Ear）」，呈現數十年來對抽象進行仔細和創新的探索，Binion向來採用極簡主義和概念主義的標誌，如：網格、連續形式和重複的節奏，都是其創作的典型元素，將其連續性的美學與個人經驗結合，並指出重複的情感可能性。此次在首爾空間的展覽是藝術家與畫廊合作的第5次個展，展出最為著稱的兩個系列新作：《DNA》和《Visual Ear》。

立木首爾空間展出McArthur Binion「DNA:Study/（Visual:Ear）」現場。（立木提供）

他的創作實踐也與美國南方密切相關，在其生長的密西西比棉花農場從事體力勞動是他藝術風格發展的基礎，因而自稱為「農村現代主義者」。但與農業勞動不同，Binion是在畫布表面施加相當大的壓力，以藉由油畫棒創建厚實、富有表現力的標記，揭示了藝術家的手和身體的物理痕跡。對Binion來說，幾何學是身分的隱蔽表達，既是個人歷史的證明，也是藝術勞動的證明。

在每個系列中，藝術家都在特有的「潛意識」上創建網格狀結構，這是一個由圖像和文件的複印本組成的底層，部分可見、部分模糊。一些作品還包含藝術家個人文件的複印本—例如他的地址簿、護照和出生證明，而其他作品還包括「Brown Black X」的樂譜，這是普立茲獎（Pulitzer Prize）音樂獎得主 Henry Threadgill 特別委託的作品。透過這檔展覽，Binion融合了他對視覺和聲音表達方式的興趣，以帶出微妙的節奏和生命體現。

佩斯：Adrian Ghenie個展與teamLab「Massless Suns」

佩斯（Pace）在今年也擴張首爾畫廊的展示空間，並在此時同步推出兩檔展覽，分別為亞德里安．格尼（Adrian Ghenie）個展以及teamLab。

格尼的亞洲首檔個展將在畫廊的2、3樓層呈現28幅炭筆畫作，反映他在製作符號與造型的試驗。格尼的創作範疇涵蓋繪畫、素描與拼貼畫，並以具豐富層次、影像式的人物畫最為著稱，並且挖掘視覺、政治和社會歷史，包括他的家鄉羅馬尼亞的歷史。在過去5年來，格尼經常以特定的藝術流派或年代來作為創作的起點；在那些故事和他的自傳之間製造一種衝突——故事和敘事之間的角力透過他豐富、混合的色彩和厚塗的筆觸來調節。最終的成果是一種夢境，呈現發自內心的、扭曲的影像，其中疊加著拼貼元素和未完成的姿勢。

Adrian Ghenie，charcoal on paper，65×50 cm，2022。（© teamLab, courtesy Pace Gallery.）

格尼如今將把炭筆納入其創作範疇，此次也是他首度完全以炭筆為媒材所呈現的展覽。除了對於主題的處理和闡釋之外，媒材本身也具有獨特的挑戰性，格尼設計出一套使用炭筆的新技法，使乾燥、冰冷的炭筆順著其意志，實現出他最受稱道具有流動感、感性的創作意象。

至於在畫廊1樓展區則呈現國際知名的新媒體藝術團隊teamLab「Massless Suns」展覽，配置多件沉浸體驗式的作品，另外亦有部分作品會設置在畫廊全新的戶外雕塑庭院。

焦點作品為前所未見的互動數位裝置《Massless Suns and Dark Spheres》，由不同明暗的發光球體所組成，而這些球體不受燈泡或外殼的限制，當觀眾試圖觸摸時，它們會相互作用—因為它們是由光構成的，所以這些球體無法被物理感知，因而模糊了觀眾與藝術品之間的界限。展覽中每一件以螢幕為表現的作品都涉及到延續和更新的主題，這也是teamLab致力透過創作所探討的兩個重點。如：電腦程序生成的《Continuous Life and Death at the Now of Eternity II》呈現了花朵重複生與死的過程，隨著歲月的流逝進行綻放和進化。

teamLab，《Continuous Life and Death at the Now of Eternity II》， Digital Work，12 channels，Endless，2019。（© teamLab, courtesy Pace Gallery.）

而設置在戶外的互動裝置作品Resonating Microcosms系列的《 Solidified Light Color》、《Sunrise and Sunset》，則反映出teamLab對色彩的研究。構成作品的卵形可以變成61種新定義的顏色，並將因應氣候條件和觀眾與之互動而形成不同的樣貌。

富藝斯：「New Romantics」當代藝術展

韓國對於藝術品需求的快速成長，是藝術產業內不容忽視的勢力。富藝斯拍賣行（PHILLIPS）私人洽購歐洲區總監暨首席拍賣師Henry Highley即表示，2021年南韓藏家於富藝斯全球藝術拍賣的貢獻較前一年大幅增長258%，顯示藝術市場的蓬勃。

Ania Hobson，《Tunnel》，oil on canvas，164.9×120.3 cm，2022。（富藝斯提供）

富藝斯也在此時推出嶄新的項目，與The Artist Room合作策畫「New Romantics」當代藝術展，於首爾Lee Eugean Gallery展出。這也是首次在首爾除了拍賣預展以外舉辦的展覽。浪漫主義是源自18世紀的藝術、文學、音樂和思想運動，力求擺脫舊有思想和傳統，注重想像力並提倡回歸自然，強調個體藝術表達的重要性。「New Romantics」展出的作品皆探索當今世界的複雜性，彰顯藝術能夠超越日常生活、引導自由意志和直覺的能力，並賦予觀者一個逃離現實與走進幻想的出口。

Katherine Bernhardt，《Papaya》，acrylic and spray paint on canvas，244×305 cm，2020。（富藝斯提供）

展覽聚焦於當代年輕藝術家，如：以繪畫年輕女性肖像而聞名，曾榮獲享譽盛名的英國國家肖像館青年藝術家獎（BP青年藝術家獎），亦參與過2019年威尼斯雙年展的阿妮亞．霍布森（Ania Hobson）、以抽象視覺語言創造獨特畫面的弗朗西斯卡．莫利特（Francesca Mollett）、擅長以夢幻般畫面勾勒女性形象的艾莉．普拉特（Ellie Pratt）以及遊走於具象與抽象之間，創作出充直抒胸臆的陳惠琳（Kristy M Chan）等。其他亮點還囊括：當今藝壇受追捧的凱瑟琳．伯恩哈特（Katherine Bernhardt）、伊斯．伍德（Issy Wood）、赫爾南．巴斯（Hernan Bas）、安妮．莫里斯（Annie Morris）和達納．舒茨（Dana Schutz）等作品。