佳士得 趙無極顛峰狂草領銜驚豔收藏圈

1960年代，是趙無極藝術生涯中相當重要的一個時期。他在此期間，全心沉浸於抽象藝術，漸漸褪去了他之前所偏好之細緻、深受甲骨文啟發的抽象畫作風格，開始致力於一種更為奔放雄渾的書寫作畫方式。從《29.01.64》這幅作品，更可以見到藝術家內心裡的東方藝術內涵，如何透過西方抽象油彩的表現形式，擷取當代藝術思潮之菁華，轉化為自己的抽象狂草語言。這幅於1964年1月29日完成的作品，可以視為趙無極真正創作激情澎湃時期的狂草系列顛峰，由此見證藝術家如何一步步成為抽象創作領域的一代宗師。

首先，趙無極不同時期的創作，都會留下大尺幅的作品，大尺幅之作，往往就是藝術家歷經千錘百煉後的代表之作，《29.01.64》的尺寸為260×200公分，這樣的畫布尺幅，正是趙無極1960年代少數的狂草系列代表。張丁元指出，趙無極從1957年開始與法蘭西畫廊簽約，隔年與紐約庫茲畫廊簽約，六○年代也正是趙無極畫作為西方藝術世界認同，揚名藝壇的發端。同時之間，他的一趟美國行與亞洲行，不僅在紐約與多位美國抽象表現主義藝術家相遇，相互激盪出創作的火花，更是與第一任妻子謝景蘭離婚後，1958年於香港與第二任妻子陳美琴的相識相戀，激發藝術家從生活到藝術創作的全新開始。他，開始建立起足夠的信心挑戰、探索尺幅更大，畫面更為壯闊的作品！而畫面裡散發而出的磅礡情感，也恰是過往創作裡完全沒有過的。法國知名的藝術評論家Jean Leymarie這樣說，從《29.01.64》裡，他彷彿看到了「巨大的樹木從風暴中拔地而起」，抑或是一道橫向撕裂的混沌宇宙。Jean Leymarie認為，趙無極的這幅畫，開創了新的境界。

人們普遍認為，趙無極從克利時期轉向到甲骨文時期，是真正涵納、接受東方藝術為其根源的發端。這裡有個知名的創作轉折，就是趙無極在其自傳裡提及，曾經很得意自己克利時期的創作，他這樣寫信給恩師林風眠：「林先生，您現在看到我的作品，一定不敢相信這是中國人畫的作品。我的已經完全像外國人了。」而當時，林風眠回了一封信給趙無極：「……你畢竟是中國畫家，不可能在外國人的地方畫外國人的畫而成名的。」恩師的回信就像當頭棒喝，趙無極開始真正的尋覓內心東方文化的根源，開始他一系列的抽象創作。甲骨文、青銅器銘文……，就是他取經的第一部，融入了自身的創作，可以在日場的一幅1957年以水墨、水彩創作的《無題》，見到其文字系列的創作。關鍵的是，甲骨文系列是趙無極作品裡寧靜的表達，當其將文字的結構，變成了書寫性，加上個人訴說心曲的情境張力，強烈的透過宛如狂草的文字表達，這就是趙無極邁向抽象顛峰的重要歷程：狂草系列。「狂草，比甲骨文時期更強烈的表達空間與動態感。」張丁元指出。

趙無極的狂草，有多「狂」？他，如何打破界線與尺度，以畫筆書寫狂草？針對狂草，張丁元特別請教佳士得中國書畫部副總裁暨資深專家游世勳，將歷史上的知名書家作品，一一找出對比，從張旭、懷素、米芾、宋徽宗趙佶、徐渭、王鐸……等等，多位知名書家之作，對比趙無極的表現性狂草。游世勳說，趙無極這類型的狂草創作，已經打破了中國書法的規範。傳統意義的狂草書法，也要讓人讀懂、得以辨認，但趙無極的狂草創作已經打破過往界線，脫離了此一範疇。日本藝術家井上有一的創作更為接近趙無極的狂草形式，與趙無極同樣是打破字形的結構與原本的意義，賦與人們無限的想法。

因此，看趙無極《29.01.64》一作，彷彿見到了「愛」字飛舞於時空，見到「壽」字定鼎於南山，見到「素」字降臨於江水之間……，無限大的遐想空間，讓每位觀者進入趙無極的抽象天地裡，都有各自不同的解讀體驗。「每個人都會有自己理解的方式，有點介於文字與表現主義之間。此刻的趙無極在心境上，想法上，體力上，正處於一個顛峰的狀態。」張丁元說。

張丁元直指，趙無極從中國文化的甲骨文到狂草，找到自己的突破之路，同時也是中國藝術的突破，這幅《29.01.64》恰是見證了此一關鍵突破的顛峰作品。能在畫面裡毫無保留的將藝術家創作的心緒見諸畫布，透過筆法、筆觸、空間構圖，將宛如草書的文字與心境融合，這樣的藝術表現是十分難得的。而趙無極的狂草系列，真正用「字」表現的大作，佳士得團隊目前為止僅找出三幅作品，《29.01.64》恰是其中的經典大作。

為此，張丁元率領佳士得團隊比較了西方與東方藝術家，在書法、書寫與文字上，有過這三大主題創作的藝術家相互比較。書法，是西方畫家難以企及的東方特有表現，書寫主題有湯伯利（Cy Twombly）、喬治．馬修（Georges Mathieu）；文字主題有蘇拉吉（Pierre Soulages）、法蘭茲．克萊因（Franz Kline）等等，這些藝術家都有鑽研文字、書寫的主題而達到繪畫的創新，但沒有一位藝術家能像趙無極，將風景與書法、書寫到文字彼此結合。「這一點，趙無極在抽象的創作，在這個時空達到了中國文人的書畫合一的境界。」張丁元說。同時，趙無極《29.01.64》一作深富動感，帶給人們現在仍然進行中的況味，就像風正在吹，瀑布流水正在飛濺的動感。法國藝評家Jean Leymarie從《29.01.64》裡，看到了巨大的樹木從風暴中拔地而起，換句話說，就是宇宙星空下某個景致的縮時攝影。這就是趙無極從視覺上帶給人們心靈的撼動，一字曰之「強」，是一股強健雄渾的展現。

而趙無極擷取各家之長，百川匯聚融於己身的功力，也可在《29.01.64》一作見到。張丁元分析，例如畫面右下方的白色筆觸，宛如英國藝術家威廉．透納（William Turner）風景的白色效果；而畫面的另一方就像是美國抽象表現藝術家德庫寧（Willem de Kooning）的線條。同時間，藝術家的每一筆，都展現出他控制筆觸的強大實力，畫面裡的細節，一方天地裡彷如樹木倒映於水中的倒影，海浪、山崖……，一切的細節，都埋在藝術家的畫面裡。張丁元研究此幅作品，更放大了畫作裡的每一筆，發現趙無極的筆下，有輕，有重，有溼，有乾，有刮，有刷，證明了此畫是藝術家精心營造的創作，而不僅僅是抒發式的即興揮灑於畫布。而六○年代中期的趙無極，當時的生活、婚姻、事業狀況，讓趙無極有著激情向上的雄心壯志，讓創作心態正處於勃發的上升期，畫面恰恰訴說出趙無極的當下心境。

同時，這幅畫亦延續了趙無極一路內涵東方水墨創作的核心，他將宋代風景畫與草書的概念結合。「北宋范寬的《谿山行旅圖》，山體在中，趙無極此作的字就在半空中，上方像是無限延伸的天空，而左邊與右邊的白色，加上畫面中間的白色，串出了空靈的感覺。「趙無極的字，不像是中國的書法是寫在紙上，更為立體的躍然紙上，是臨空寫字。」張丁元這樣形容。

《29.01.64》，見證了趙無極的顛峰。

今秋的趙無極專題，佳士得呈現的趙無極作品，正好讓收藏家透過不同時期的創作，仔細回味趙無極如何從秀才、舉人，一路到狀元的宗師之路。透過一幅幅作品，看到大師的成長軌跡，而這恰也是收藏家的收藏路上，與藝術家「交心」探究的過程裡最有趣的學習之旅。張丁元舉例，藏家如果已經到訪此時在台中亞洲現代美術館舉行的「趙無極回顧展」，透過探究其不同時期作品的演進，當會發現趙無極，他是一位懂得學習各家之長，轉化為自身優點的藝術家。換句話說，在趙無極探索創作的路程裡，可以見到他如何轉化他人的優點，成為自身創作的養分。

例如，此次趙無極專題裡，日場的作品裡有2幅1948年、2幅1949年的創作，是市場上極其難得見到的趙無極早期作品。趙無極1948年從上海赴法國，作品裡見得到其嚮往西畫，但仍然有東方的影子。這4幅難得的早期之作，可以見到趙無極對於西畫的色彩、光線的運用，與同一時代的中國藝術家迥異；而趙無極天才之處，即在於他不著痕跡的融入諸多大師的長處，從最早的塞尚到馬蒂斯，再到後來抵達巴黎，見證了更多西方大師的經典，從林布蘭到畢卡索等諸多名家，全部成為趙無極汲取的養分。張丁元分析，從早期作品來看，趙無極嘗試混合東方與西方，有點兒類似兒童繪畫的表現性，這點在關良、吳大羽的創作都能看到這樣的嘗試，這亦是中國藝術家在面對西方藝術思潮時的一個學習節點。趙無極這個歷程的作品，記錄下藝術家的成長與時代，不僅會是藏家收藏珍奇室裡的重要藏品，也是藝術史裡重要篇章。

從1948年的《無題》風景，再到1964年邁向成熟顛峰的狂草，佳士得的趙無極專題完整記錄了趙無極藝術歷程裡的心語：他從東方行至西方，欲學西畫；他從西方回到東方，尋覓到了心中的根。

除了趙無極，佳士得今秋亦推出了吳冠中專題，從水墨、水彩到油畫的8幅作品，尤其是有紀錄可循，目前出現在市場上創作年代最早的吳冠中作品：1950年的《巴黎郊外鄉村》水彩作品，更是彌足珍貴。

張丁元提示藏家，透過這8幅作品正好見到吳冠中創作的共同特色，一種以宋畫為師的風景架構，風箏不斷線的延續著東方山水的構圖意境到西方油彩，吳冠中一以貫之。從最早1950年的《巴黎郊外鄉村》，乃至《瓜洲古渡》、《白樺》、《登峰造極》、《西雙版納村寨》等，都能見到吳冠中的風景特色：山，頂到天；水，延伸至前景。張丁元說，這就是吳冠中最擅長的主題。

常玉的油彩作品，而今在收藏市場愈見珍稀，此次佳士得推出一幅1931年的《粉瓶小野菊》，是常玉最擅長的粉紅色系創作，殊為難得。而與常玉同屬巴黎畫派，卻在當年比常玉更富盛名、享譽歐洲的藤田嗣治（Tsuguharu Foujita），其線條與色彩，是人們最常拿來與常玉相互比較的藝術家。近年隨著常玉作品價格的推升，藤田嗣治畫作價格在收藏市場也水漲船高。此次，佳士得有兩幅非常特別難得的藤田嗣治裸女作品上拍，皆是藝術家1926年的作品，畫中的兩位人物一致，金髮的是當時巴黎知名的模特兒Kiki，黑髮的是藤田嗣治第二任妻子Yuki，兩幅畫面都是這兩位女子，只是一左一右換了位置讓藤田嗣治描繪。兩幅作品同場現身，彷若再現歷史。

這兩件作品，名字分別是《朋友倆》與《知己》。張丁元解析，其實畫面，一定程度的反應了藤田嗣治心裡的想望。這兩幅作品，不僅透露出藝術家心目中的想望，魚與熊掌欲兼而得之的慾望，探索人與人之間的關係，同時更演繹出藝術家描繪人物的精湛技巧。張丁元解析：「當時藤田嗣治在巴黎畫派受到注目，他的線條是歐洲當時其它藝術家做不到的。他的線條不是一筆畫出的，而是細筆銜接而成，人們乍看之下以為是一筆畫出的，但其實不然，這需要非常精細的控制力。」佳士得特別放大藤田嗣治筆下的線條，發現他的線條是一絲一毫的刻意連接，像是透過藝術家之手變魔術般連成一線。

藤田嗣治的線條，恰好與常玉的簡單線條有了對比。常玉的線條是極簡，簡單，質樸的一氣呵成；藤田是細緻，常玉是粗獷樸拙；而色彩同樣也有藝術家各自的偏好。張丁元分析，常玉早期作品偏好粉紅色，有非常豐富的表達，而藤田嗣治則更強調黑白之間的效果。兩位藝術家的作品，從花卉到人像，皆在此次佳士得專場出現，讓我們得以比較兩位巴黎畫派各勝擅場的藝術家風格。

近年來亞洲藝術裡最當紅的當代藝術家，非草間彌生莫屬。本次佳士得的草間彌生專輯，尺幅最大，同樣也是關鍵創作年代，大約1960年的代表作品，即是其經典的無限網系列，最為人熟知的紅白色調，透過一個又一個紅色圓點，就像魔力環一般，釋放出令人沉醉其中的魔力。

草間彌生的圓點，為什麼有這麼大的魔力？當草間彌生從日本赴美國紐約發展之際，六○年代的西方藝壇風起雲湧，使用圓點創作的藝術家非常多，例如人們熟知的李奇登斯坦（Roy Lichtenstein），他的漫畫網格就充滿了圓點；甚至到了倫敦YBAs（young British artists）的赫斯特（Damien Hirst），這位1965年出生的而今當代紅星，亦有知名的點畫系列（spot painting）。全球無數藝術家，都有由點入畫的創作，但為什麼草間彌生的圓點能歷久不衰，引人入勝？張丁元一語道出：「從來沒有一個藝術家能像她，把無機的造型組織，變成有機的情感。」

例如我們看李奇登斯坦作品中印刷的網點，不會像進入草間彌生的作品時，感受那點點彷若吸著我們進入其中。張丁元說，草間彌生的點點為什麼能散發出生命力的波動，像是動態的圓點，最關鍵的原因在於：她的每一筆，都是記錄她感受外界的感官心曲。換句話說，草間彌生畫出的每一個圓點，串連起來就是她創作時刻的心境紀錄，每一筆都是。約是1960年創作的《無題》，尺幅達102×142.2公分，是草間彌生1959年於紐約發表無限網創作後的關鍵作品之一。「早期的草間彌生圓點作品，更像是她的心理紀錄，描繪她所處的世界。而到了晚期，她的圓點則是邁向造型的概念。」張丁元這樣形容不同階段的草間彌生圓點作品。

草間彌生透過簡單的點與線，衍生而成千變萬化的無限網，創造出無限的魔力。「我在想，她是怎麼畫的？比如說，比較簡單的黑白圓點，她是透過旁邊的黑，來完成一個圈，有點兒像具體派吉原治良的圓，是從外面而來的，草間彌生創作出人們意料之外的筆觸。」換句話說，看草間彌生的圓點畫，看起來好像每張一樣，但其實每一張都不一樣。而隨著藝術家創作生涯的不斷延展，我們可以看到不同時期的作品，例如草間彌生專題裡的1984年《西瓜》、2001年《南瓜》等等作品，見到她透過替換不同的水果、花卉等主題，表達出她不斷鑽研的圓點世界。張丁元指出，這恰是其它藝術家做不到的。

同樣的，草間彌生的雕塑作品，同樣有其獨特性。張丁元認為亞洲區的雕塑家裡，草間彌生是把物件概念表達最好的藝術家。張丁元舉例，杜象的《小便斗》，布朗庫西的《空間之鳥》，到安迪．沃荷的康寶濃湯紙盒，也是物件的創作概念。物件，是處於與觀者對等的關係。一般的雕塑創作，是主題上的造型，例如羅丹的雕塑，可能是述說著一則歷史故事，而透過羅丹對人物主題的造型，刻畫引導人們對這個故事的觀感。例如畢卡索的雕塑，透過造型表現牛、羊，讓觀者有新的體驗，這即是造型帶來的敘述。

但當雕塑作品，從主題上的造型變成物件時，就會產生不一樣的變化。例如，杜象的小便斗，這是馬桶？還是雕塑？與空間會出現一種對等的關係。草間彌生的南瓜，不同的擺放位置，會出現奇妙的空間變化。例如佳士得此次推出的1982年《南瓜3》作品，南瓜是置放於箱子。於是，箱子與觀者出現了裡外關係：觀者與南瓜的關係，南瓜與空間的關係，觀者與空間的關係等等，呈現一種我們與雕塑物件的連結感。這恰是草間彌生的雕塑作品，帶來的空間關係。收藏草間彌生南瓜雕塑的藏家，通常都會有一個經驗，喜愛擺弄南瓜作品放置在不同空間，享受那南瓜與空間之間產生的化學變化。

本次秋拍，佳士得推出一場「老少咸宜」，「男女皆愛」的奈良美智專題，從夜場到日場，從1996年到2013年的創作跨度，從彩色鉛筆紙本、油彩、壓克力顏料、木板版畫到雕塑的多元媒材，讓大家更清晰見到奈良美智作品的魅力。

奈良美智的小女孩肖像造型，深入人心，並且不局限於一時一地，而是風靡全球，幾乎到了人見人愛的地步。人像主題的創作其實非常困難，有喜怒哀樂各種情緒，大部分的人都樂見「喜」，不喜歡負面的情緒，但當前的藝術家群裡，為什麼唯有奈良美智的小女孩肖像，她的喜怒哀樂，能得到大家的喜愛認同？張丁元指出，「奈良美智保有一個非常真實的創作初心，這個初心從他創作之始，直到現在成為全球知名的藝術家一直都沒有改變。他的藝術理論是埋在其經驗探索裡，真實感是他作品的魅力。」

奈良美智的作品能讓人共鳴，是因為其真摰的將心裡內在的所思所想，流露於造型創作上。張丁元舉例，奈良美智的很多主題並不是討喜的主題，例如一幅2010年創作的《Midnight Vampire》（午夜吸血鬼），頭髮上，遠方有個十字架，整個女孩的形貌像是一座建築，而女孩的臉龐，流露的尖牙與頭頂的十字架有了對應，產生了強烈的對比，微張的嘴像是一個洞窟，給人帶來不同的想法與趣味。在人像主題裡，過往有畢卡索誇張的立體派解構造型，莫迪里亞尼有著拉長的脖子與沒有瞳孔的眼珠，都創造出自己的特色，而奈良美智則是當代藝術表現裡，迄今依然在人像主題裡推陳出新，而且讓人們喜愛的極少數藝術家。張丁元十分推崇奈良美智的創作，因為他一直以來真實的透過自己的眼與筆，將他的幽默與想像，透過小女孩肖像傳達給世人，達成一種藝術欣賞的普世價值，難能可貴。許多藝術家無法長期繪製人像創作，就是因為無法在同一個主題裡推陳出新。

奈良美智的作品，就像是一件件藝術家隨筆的日記，記錄了他每天的發現，傳達出他的感官感受，不論是喜怒哀樂，不論是疑惑、掙扎、猶豫、貪心、發呆……，各式各樣的人物臉譜非常豐富。張丁元認為，藝術家如何保持好奇與純粹，這是非常難得的。奈良美智依舊保有這個童心，透過小女孩的臉龐，發出對這個世界千奇百怪現象的問號與回應。看到奈良美智的小女孩，我們，往往能會心一笑，見到了自己。

在收藏市場上，今年是當之無愧的趙無極年。繼今年春拍，佳士得推出《29.09.64》巨作，以1億5286萬港元刷新趙無極作品拍賣紀錄，今年秋拍，佳士得再次呈獻趙無極創作生涯裡，狂草系列最經典之作：《29.01.64》。這，可以說是趙無極抽象作品在文字系列裡，從平靜寧淡但洋溢生機的甲骨文，轉至慷慨激昂的狂草，最讓人們著迷的一件作品。

在《29.01.64》一作的領銜下，今秋的佳士得亞洲二十世紀及當代藝術專場，將推出共四位藝術家作品的完整專題，包括趙無極、吳冠中、草間彌生（Yayoi Kusama）與奈良美智（Yoshitomo Nara）。這四位藝術家，恰恰是當前收藏市場上最閃亮，最吸引人目光的藝術家。透過精心蒐羅呈現的作品，藏家在佳士得的展場，得以從宛若編年史的策展軸線，完整看出藝術家創作生涯不同階段的起承轉合，如何一步又一步的推進。

《典藏投資》專訪佳士得亞洲區副主席暨亞洲二十世紀及當代藝術部主管張丁元（Eric Chang），全面剖析今次秋拍專題作品的藝術價值，而張丁元今秋帶來的領銜之作，即是《29.01.64》。張丁元，他用「中國藝術一個世紀的等待」，評價此幅趙無極的狂草作品。《29.01.64》一作，何以有此殊榮？估價更達8500萬港元？堪為歷年所有趙無極作品上拍的最高估價！

而佳士得今秋推出的趙無極多幅作品組成的專題，恰可見到一位大藝術家的養成，趙無極如何從杭州藝專林風眠座下的學生，在1948年渡海赴法國求學，最終留在歐洲，成為抽象藝術一代宗師的過程。