都市裡的水墨桃花源 M+「似重若輕」水墨展

「似重若輕」為 M+（香港視覺文化博物館）推出的首檔水墨展，展覽由即日起至明年1月14日在M+展廳舉行，來自香港、中國大陸、台灣、日本、南韓、印度、美國和西班牙等10個不同的國家，共同展出1960年代至今共42位藝術家，約60件繪畫、書法、裝置、攝影、流動影像及音樂舞蹈等作品，反映M+在收藏與展示對水墨的視野。籌備逾一年的展覽，礙於目前空間的限制，今次只能在館藏約6千件藏品中挑選一部分。展覽策展人馬唯中自2013年加入西九文化區，此次策劃了這一場回顧60年水墨多元發展史的展覽，也展現她在當中被激發的創意。從而可見過去不同背景的藝術家，如何重新審視書法和山水畫兩大傳統水墨主流的實踐和概念，發掘其可塑性，給水墨藝術帶來新的面貌。

水墨為東方傳統美學的一種表現形式，然而這檔展覽並不是依從媒材這一出發點，而是從當代視覺文化中重要的美學概念及角度來看，於是隨著不同應用，產生了不同風格，這樣的準則更為開闊，也更能展現水墨的靈活和實驗性精神。可見此展覽將水墨原先亞洲傳統的定義更為擴展。馬唯中解釋說：「我們有運用創新元素詮釋水墨的環節，例如播放受水墨美學啟發的當代樂曲，探索水墨與音樂的關係。同時請來本地編舞家林偉源與香港演藝學院的學生以特地為『似重若輕』創作的舞蹈表演。再加上流動影像的專題放映會『M+放映︰動中見靜』，藉此呈現能聽會動的水墨。」由此可見M+正大力地反問：「水墨藝術得一定要有水墨嗎？」

透過展現藏品的跨時代、跨國界及跨媒介特色，以開放的角度賞析水墨畫，並放眼全球展示水墨的可能性。說到M+目前的水墨藏品數量，馬唯中也說不準。「M+畢竟是座視覺文化博物館，流動錄像或裝置藝術也可以被歸納為水墨藝術，所以我們不知道要怎麼算，也不想依循舊有、沒靈活度及傳統刻板的界定方式。正如展覽期望表達的，水墨是流動的、無邊無界的。當然策展上是有取捨的，我們希望能盡量利用展廳，讓觀眾熟悉我們的談話及論述方式，並為將來的展覽作出預告。」如此種種讓人以小見大，一窺M+推廣水墨的新定位。

展覽共分三大主題演繹藝術與社會之間的關係，第一是「字跡、符號、筆劃」，試圖向觀眾傳遞水墨作為符號這個最基本的概念，闡述基礎的溝通方法和媒介，探究藝術家如何透過叛離、重新詮釋與創造，從事書寫或塗繪點和線，直接或間接地與書法及繪畫對話。第二是「山水的念頭」，從山水出發，圍繞人與自然的想像，以及側重表現山水和它所啟發的形形色色當代藝術表達。最後是「物．外」注重探討藝術家研究墨、水和紙的物質性，進而追求精神性，創作出富於想像力和詩意的作品。展場以白南準創作於1961年的《平方根》，一幅仿似以水墨描繪數學符號的畫，作為展覽的開端。這幅畫沒有數字在裡面加以標註解釋，帶給觀眾無限的想像。白南準雖以錄像藝術為人熟知，但這幅作品顯示他充分運用東方哲學，把觀眾思緒引領到遙遠的他方，進入忘我的狀態，在那裡彷彿任何事皆有可能發生，這樣的聯想更應證水墨的開放。馬唯中說：「他在潔白的紙上用馬克筆創作了一個平方根，裡面沒有數字，充滿玩味，表示著一種無限的可能。而用這幅作品作為展覽的第一張，也可充分體現這次的策展理念。」

在第一部分「字跡、符號、筆劃」裡的展品有簡單而直接、大剌剌的揮上畫筆寫下洋洋灑灑中文大字，有從文學經典裡抄寫下來的句子，也有的是點線聯繫成線條，形成如筆劃般的作品。如董陽孜於2002年作的大尺幅作品《昂昂若千里之駒 泛泛若水中之鳧》，形象地體現出書法以線條為主呈現的意境，同時也展現了水墨作品的抽象意味。作品名原文出自於《楚辭》，屈原藉此句宣泄對社會的不滿，董陽孜以此作品向屈原致敬。而與之相對的李元佳於1960年作的《無題》，該作品融合了意象的符號圖像，通過另一種線條創作的展示，與書法作品相對展出。對比之間，讓觀眾對於水墨的線條美有了更深一層體會。

其後也有日本藝術家森田子龍、比田井南谷的兩幅均創作於1963年的作品，作為對這部分主題的另一種詮釋。還有，徐冰的《天書》，從1987年開始，他參考《康熙字典》的造字規則，以正規文件所用的宋體，造了4千多個假漢字，再依照活字印刷刻字編版的步驟和編排結構，以及線裝書的裝幀，配上手工核桃木盒，耗時4年完成了共120套幾可亂真、卻無人看得懂的古籍。而之所以與水墨相關聯，是因為水墨作為一種藝術呈現的形式，它最基本的概念便是一種筆跡，筆跡可以作為一種符號傳遞藝術家要表達的內容。徐冰創作的《天書》，結合了3件對他意義非凡的事物，便是書籍、文字和印刷。《天書》從文字體系及只是生產和傳播的角度，反映了當時中國的社會體制和文化脈絡。

當馬唯中走到旅美華人藝術家莊喆集結油彩、水墨、膠彩及紙拼貼創作的《食月者》時，介紹道：「他的父親莊嚴是已故知名書法家，亦是前台北故宮博物院副院長，從小看著最好的畫與書法長大。他要從父親一輩的畫作中，作出適合自己的新作品，你說他責任重不重？」「對生於藝術世家的莊喆來說，寫書法輕而易舉，作品中他刻意不從事書法，還粗暴地、不修邊幅地擺脫書法給他的既有記憶，但仍表現出山水畫中雄壯粗獷之感。」馬唯中趁機再談傳統之重，她舉韓國藝術家李禹煥的作品《隨風》為例，此件作品看似水墨創作，然則藝術家完全沒有使用水墨，只用油彩及礦物顏料摹仿墨，提煉出水墨跟筆觸間的關係。她剖析道：「韓國藝術家自小有深厚的水墨底子，但新一代要衝出國際，不能只有傳統風格。」另外，藝術家梁巨廷現身介紹自己於1969年的作品《象外》，通過焦墨、濃墨、重墨、淡墨及清墨5個層次分別展示了墨的五彩，也體現了他對於形與象之外的一種探索。

來到展覽的第二部分：山水是水墨常見的一大主題，通過作品的展示，從可追尋的山水景象，一步步過渡到一個「山水的念頭」來突顯主題。現場展出台灣現代藝術團體「五月畫會」創立者劉國松作於1965年的《澄者自澄》，作品的落筆和留白之間和諧平衡，符合中國古典山水畫的重要美學原則。遠觀似乎未見特別，但走近細察，觀眾會發現這幅作品的紙張極富質感，因為在黑色的水墨中摻雜很多波折動感的白色紋理，令整幅畫暗藏玄機。人們熟知劉國松運用「抽筋剝皮皺」技法進行創作，用粗綿紙上撕下的紙筋，代替了傳統水墨中的飛白效果，於是輕柔的白色痕跡就在畫面上形成了。另一位以特殊材質創造新穎水墨效果的日本藝術家比田井南谷，在紙上塗上樹脂，以減少吸墨度，呈現拖筆在畫面上運行的墨跡。壓筆轉折之處，墨汁凝結的紋理尤其顯著，因而將墨跡形成的過程生動地展現出來。

另外，香港80後藝術家熊輝現場介紹《繪畫六法—轉移摹寫之四（熊海合作）》，這是他與身為知名山水畫家的父親熊海合作的一組作品。由父親在預先摺疊的紙上，用毛筆和代表權威的硃砂畫出磐石範本。他則在畫上下分別鋪墊了兩張紙，其後將其濕潤，並在原畫上再用黑色墨水筆進行描摹加工。墨水經層層滲透後，穿透了不同紙層形成暈染，也展現了傳承的主題。連貫的紅線與跳躍的墨點不時重複交疊，象徵父子和師生間權力關係的相互轉移。親臨現場解說的還有中國新興藝術家倪有魚，展出《銀河》。他把收集到約300枚各國硬幣加工，磨去其作為貨幣的功能，重新再畫上圖案，拼湊成銀河模樣。他感觸良多地說：「創作靈感源於眼見現代藝術需要金錢，對此感到絕望，《銀河》的銀字正代表了金錢。」

在最後一部分「物．外」作品，更著重藝術家內心的情感抒發，更多展現的是超脫水墨物形之外的創作，以及對於水墨與抽象的融合。呂壽琨於1970年作的《禪》表達了他對於中國繪畫理論與哲學思想的感悟，融入抽象的意境。馬唯中這樣說：「已故現代畫家周綠雲1970年代面對老師呂壽琨和丈夫的相繼離世，承受極大悲痛，她在1980年代中期執起畫筆，透過水墨表達情感。」她創作的《旋律二》，在一片漆黑的重墨中，表現不同層次的變化，以紅色的暈染包圍著流線漩渦。同樣受教於呂壽琨的王無邪也抽空到場，並饒有深意地說：「當下水墨創作經歷著東西文化的碰撞，進而形成了大小不同流派。這個過程是流動的，不限於工具與材質束縛。」本次展出王無邪兩件不同時期的作品，包括1970年的《遙思》及1990年的《遠懷十九》。

當被問到會否考慮移師至台灣巡展？馬唯中回應：「我想這完全沒有問題，正如這次展覽是為表現水墨遼闊的國際視野，只要對水墨有興趣，共鳴都能悠然而生。尤其香港和台灣之間的互相推動，使水墨能廣為世界認識。只是在挑選展品時，我們策展團隊首選能反映出香港這一地獨有的語境，而香港也具備遼廣的視野。再者，是次展覽並不是由地理來區分，如同水墨是不受地域限制的。它多姿多彩的論述角度，更透過藝術家在不同空間的生活移動，致使在不同的地方皆能見其芳蹤。我們團隊從手頭上已有的作品出發，經過多年來觀察藝術家的創作，研發並分類這次展覽的三個主題。不像香港其他的藝術館，他們已有源遠流長的藏品捐贈及購藏，M+是從2012年才開始收藏，一件件收集起來，對作品我們有感動和初衷，望能好好把握及展現它們，從而拓展觀眾對藝術的認識和理解。而觀眾不惜到訪還是灰塵滿布的西九文化區工地，我們希望當他們進入展廳時，頓時如置身世外桃源，暫忘外間一切煩擾。」

對馬唯中來說，在M+展廳舉行此展覽的特別之處，是首次在工地旁展示藝術品，像經過重重障礙後到達桃花源，從中發現驚喜。她更分享何以「似重若輕」來命名的原因。「水墨雖負傳統之重，但本身輕盈灑脫，讓藝術家的想像和試驗精神得以馳騁，其潛在力量實在無窮無盡，而今次展覽旨在打破傳統對水墨的現有認知界限和約束。」到香港，不妨到正在施工的M+工地裡的M+展廳，體會都市裡的水墨桃花源。