一個小而美的藝博會，容許觀者以更從容的步調駐足於不同作品前，與藝術建立深刻的連結。本屆台北當代藝博會雖規模略小於往年，卻仍匯集來自亞洲與歐美各具特色的畫廊，讓藝術史名家與當代創作者於展場交織共現，呈現一場濃縮而精緻的藝術對話。
本屆台北當代所呈現的整體展品結構，與近年亞洲藝博會的趨勢頗為類似。平面繪畫仍然佔據絕對多數，而在媒材處理與造形探索上的多樣實驗已蔚為風潮，成熟而精緻的作品不在少數。雕塑與裝置以藝術史大師或是資深藝術家的經典風格為主，即便是中生代藝術家，也早已藉由國際展覽或藝博會令人耳熟能詳。相較之下，平面攝影與動態影像作品在主展場空間中顯得相對邊緣，主要現身於公共藝術展區或非營利機構的展位。倒是自上一屆台北當代起開始被特別提及的工藝類型作品，本屆展會中亦可見多元樣貌。
無論是新銳創作者的風格初立，或是資深藝術家的嶄新探索，乃至現代藝術大師具歷史意義的作品，移步換景間可見不少耐人尋味之作。本篇報導將由編輯部從本屆台北當代現場精選數件亮點作品，帶領讀者深入其各自的創作語境，探看它們如何以獨特視角，觸發我們對世界的重新想像與感知。
Ryan Mosley ｜A12 Galerie EIGEN + ART
德國艾根畫廊展位正面入口，英國藝術家 Ryan Mosley （1980）的《A Past Presence》（2022），以三位略顯怪誕的人物與明亮色彩引人注目。畫面中央，站於舞臺上留有濃密鬍鬚、彈奏吉他的男子，似乎是場景裡的中介者：一位吟遊詩人或說書人。在樂音中，他單手召喚出一名抽著煙斗、側身站立的紫衣男子，以及另一隨旋轉聲波緩緩現身，露出上臂、有著梵谷面容特徵的男子，如置身一場迷離夢境。
Ryan Mosley擅長透過畫面細節敘事，引發觀眾對藝術史與表現形式的關注。其具精神性的用色與捲曲筆觸，令人聯想到表現主義代表畫家愛德華．孟克；而畫中吟遊詩人則帶著奧托．迪克斯（Otto Dix） 筆下人物那種不自然、直瞪前方的空洞神情，梵谷更是其作常致敬的靈感來源。Mosley透過這位彷彿擁有召喚古今力量的吟遊詩人，創造出遊走於音樂、藝術與歷史間，可供想像延展的場景。
從這幅作品延伸至展位右側牆面，還可見另外兩組風格各異，卻似乎彼此呼應的作品：由Melora Khun所作披戴獸骨，猶如女祭司或女巫般，神情沉靜的女子畫作，以及一系列由Ulrike Theusner描繪的小丑與表演者的小幅速寫。在整個展場一隅，召喚出由扮裝、面具、儀式與變形所構成，當代繪畫世界中的一個切面。
Joseph Kosuth｜B04 Almine Rech
深黑的底色上，白色的英文字典印刷體字型顯得格外清晰，宛若刻意放大的書頁。約瑟夫．科蘇斯（Joseph Kosuth）讓單字「Question」（問題）及其定義，在刻意放大的尺寸與閱讀場域的轉換中，促使觀者凝視與沉思畫布上的訊息。
作品《題目（作為觀念的觀念藝術）[問題]》（英版〈韋氏字典〉》儘管是因緣巧合而在台北出現，卻十分應和近日藝術圈中的嘈雜音聲。「問題」二字指向了創作的動力，指向了藝術家的角色，更指向了藝術的作用性，最終「問題」也指向了提問的根本態度——我們為何提問，又如何提問。
然而，作品《問題》最深刻的部分或許更在於它觸及了托馬斯．品欽（Thomas Pynchon）在《萬有引力之虹》（Gravity’s Rainbow）所揭示的那句：「如果他們能讓你問錯問題，他們也就不必擔心答案了。」當代藝術的喧囂與迷霧，是否正源於我們在起點便迷失了提問的方向，又或者，我們正集體迴避了那些真正重要的問題？
Tony Oursler｜C04 澡堂畫廊（SCAI The Bathhouse）
2021年高雄市立美術館曾為之舉辦大型個展的湯尼．奧斯勒（Tony Oursler），以各種關乎技術媒介、影像、社會及人之精神狀態之間互動結構的影像裝置為主要創作脈絡。這次日本澡堂畫廊帶來兩件曾於去年底在東京個展中展出的作品，以較小尺寸撬動大議題的《大於生命》，捕捉數位社群時代的精神足跡與媒介幽靈，屬於其發展多年的微觀小雕塑系列，用不同材質的小雕像、礦石玻璃及各種零碎物件拼接而成，微觀投影為之疊加複雜多變的新維度。不斷重複的微型影像之間若即若離的關係，組合成神經質的跳躍結構，奧斯勒用其綺想般的獨特創作語彚，影射禁錮了現代人觀看和注意力的數位經驗，全然不具說教意味，卻可觸發類似的內在體驗。
Clara Sánchez Sala｜C07 NF/ NIEVES FERNÁNDEZ
位於馬德里的NF/ NIEVES FERNÁNDEZ已是三度參展台北當代，呈現西班牙當代藝術家Clara Sánchez Sala（b.1987）的新作《La Dame à la Licorne. À mon seul desir》（仕女與獨角獸。唯我所願），構圖靈感源自中世紀的一組六件掛毯，她使用化妝品在絲絹上繪製細緻的花朵而未有原本的角色，使背景圖示反轉為焦點。
化妝在如今常被視為膚淺的象徵，不過藝術家則認為這是種變革技術，甚至是改變內心狀態的方式。花卉繪畫亦如化妝往往被低估成僅具裝飾性、女性化的次等藝術創作；然而，正因為花朵的週期短暫，反而充為充滿生命象徵的元素。因此，她以化妝潤飾面容的概念延展至藝術層次的表達，將觀者置於考古學家的位置，並把創作視為無法直接識別的謎題，再運用這樣的距離感驅使觀者質疑與思索當下的所見所知。經典的「仕女與獨角獸」掛毯向來被視為在詮釋味、聽、視、嗅、觸等五感，而第六件作品則是神祕待解，Clara Sánchez Sala藉以指涉是引領觀者超越世俗框架的第六感，勇於將自身變化為我們相信與需要的樣子。
Shavonne Wong ｜D02 The Columns Gallery
希臘神話中，雕刻家皮格馬利翁傾注愛意於親手雕琢的理想女像，最終感動美神維納斯，賦予雕像生命以成全其愛。這種對「造物」，賦予無生命之物以生機，的深刻迷戀，不僅貫穿西方造型藝術的人體表現傳統，更巧妙地與當代對「人工智慧」的諸多想像與倫理叩問產生了跨時空的共鳴。
創造一個能與我們感應相通的「生命」，在今日的數位科技下有了嶄新的實踐。新加坡藝術家Shavonne Wong的互動裝置作品《Meet Eva Here》，邀請觀眾與一位AI虛擬夥伴Eva對話。Eva不僅會傾聽、反思，更能在持續的匿名交流中不斷學習、成長與演變，彷彿一個由眾人共同參與塑造而成的數位「生命體」。然而，當一個「生命」能夠經由演算法和集體互動孕育而成並持續進化，這不禁引發我們對於創造倫理、生命定義、信任建構，乃至於人類與日漸複雜的人工智能之間未來關係的深刻省思。
Vincent Cazeneuve｜C08 杜夢堂（DUMONTEIL）
最初於1982年在巴黎創辦的杜夢堂（DUMONTEIL），於2008年在上海設點以促進與亞洲藝術的積極交流，本次展出法國藝術家文森．漆（Vincent Cazeneuve, b.1977）一系列以中國大漆為主的創作，即展現東西藝術交匯的豐碩結果。
文森．漆畢業於藝術學院之後曾開設家具與漆器修復公司，為求精進在2009年毅然移居重慶大巴山的漆樹林中以便鑽研漆文化與相關傳統手工藝。他長年對材料與工藝進行廣泛地探索，嘗試在原有的木工、鑲嵌與古董家具修復的專業基礎之下，將習得的中國傳統漆藝與各式物件結合，使其造型結構與表面紋理呈顯不同的審美意趣，充滿張力且不失詩意。作品看似簡約凝鍊，實則歷經繁複的工序製程，饒富物質文化的記憶與意涵的元件不僅承載著時間的流轉與生命的印記，也為其蛻變成當代新貌。
Laura Jones｜C09 CHALK HORSE
成立於2007年CHALK HORSE，是一家位於雪梨加迪加爾的當代藝術畫廊，主要致力於推廣澳洲藝術家。其中展出的藝術家勞拉・瓊斯（Laura Jones）的繪畫在展場中令人眼睛一亮。
瓊斯在雪梨郊外藍山的自然環境中長大，主要從事繪畫、素描、版畫和雕塑，她的創作關注人類與自然之間既複雜又脆弱的關係，擅於捕捉日常生活中稍縱即逝的瞬間，並喚起人們對熟悉事物的情感。這次帶來她的作品《Studio interior with red gum》繪製了一幅擺放在桌上的植物靜物畫，她首先透過快速塗抹薄薄的油彩，再分層塗抹寬大的筆觸，以鮮豔的色彩構建畫面的主題。整體畫作也呈現鬆散的構圖，在顏料與水分的控制間保留適當留白，顯現光線與空氣流動的迷人變化，流露出靜謐與洗鍊之感。
趙賢秀（Jo Hyeonsu）︳DG11 drawingRoom (dR)
來自韓國的畫廊drawingRoom (dR)在「新生維度」（Edge）單元推出年輕韓國藝術家趙賢秀的小型個展，這位藝術家以韓紙和傳統技法為基底，創造性地運用薄如蟬翼的銅箔為繪畫材料，描繪兼具抽象和具象的植物與風景。藝術家自述受自然界變幻萬千的環境感知影響，內心世界與之共振、共感的同時，投射於創作者與媒材的關係之間。一來，以具有反光特性的銅箔創作的畫作，會在不同照明和光線條件下呈現截然不同的色澤與質地；再者，銅箔本身會隨時間和空氣條件逐漸氧化、腐蝕，又呼應了讓藝術家深受觸動的肌理豐富、不斷流動的自然風景，而她也在創作過程中，在變幻與未知中，探尋創作與生命的共通本質。
莊培鑫｜文化夥伴 金車文藝中心
在台北當代藝術博覽會首度以文化夥伴身分參與的金車文藝中心，延續近年對年輕創作者積極支持，帶來莊培鑫的錄像裝置《進入的方法》，此作亦為2023年臺北美術獎入選之作，呈現藝術家對於身體的探問。
《進入的方法》源自莊培鑫以手機將自身掃描「轉檔」為虛擬模型，建構出一具無痛無慾、不具生命經驗的「身體」。引導觀眾進入一場身體與節奏共振的場域。莊培鑫不僅操作數位技術，更進行一場關於身體、感知與物質邊界的雕塑性實驗。透過「轉檔」，身體既被拆解，也被重構，揭示當代生命經驗如何在虛實交界中持續轉譯與游移。
Ana de Alvear｜DG08 Espacio Valverde ｜新生維度藝術家獎
「新生維度（Edge）」展區專為新興藝術家設立，今年首度推出的「新生維度藝術家獎」（Edge Artist Award），得主亦於今（9）日的頒獎典禮中揭曉，由首度參加台北當代的馬德里畫廊Espacio Valverde帶來的西班牙藝術家Ana de Alvear獲得。這位以色鉛筆畫為核心創作形式的藝術家，於現場展出她幾可亂真的寫實繪畫。她描繪一組自己蒐集的剔透拋光瑪瑙石，以驚人細膩的技藝再現石頭的色澤紋理，而她的創作也並非僅止於寫實繪畫：在繪畫之前，她先以攝影形式佈局畫面，並刻意選擇並不太平衡的視覺構圖，以視覺上的些許不安回應審美本身。另一組繪畫則讓瑪瑙表面充滿整個畫面，在極致的具象與抽象之間搭建橋樑。繪畫以外，她也為交響樂團演出現場製作動畫投影，而此次也展出一件她將自己的動畫以色鉛筆再現的繪畫作品。公共藝術展區也展現她一件超大尺幅瑪瑙石色鉛筆畫，令人歎為觀止。
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