2020全球當代藝術新趨勢！台北當代現場必看亮點指南

法國著名極限主義觀念藝術家布倫以經典的8.7公分豎直色彩條紋為其創作的重要視覺符碼，於1960年代劃下離經叛道的一筆，成為公共空間藝術介入的代表性人物之一，近期也受邀為新北捷運環狀線的板橋站換新裝。這件出現在台北當代的作品，一方面回探他當年從市集的條紋遮陽棚獲得啟發的原點，另一方面則可視為他藉由光學元素創造新的繪畫性可能之代表作。當我們習慣在建築空間上看到藝術家藉助自然光與條紋狀色塊作出的大型創作，這件以不同形態的光為介質的小尺寸作品，不失為絕妙的收藏品。

較具實驗性的錄像裝置，藏家常常因牽涉到電子設備複雜的操作，或體積不適於個人的收藏空間而較少入手。但現今相關投影器材的簡化，且青年世代的藏家皆具有基本的影音設備操作能力，藝文愛好者也開始考慮這類型創作的收藏方向。TKG+何采柔的《Still》是十分適合的入門作品。她使用輕便簡易的微型投影機，作品尺寸也相對適合一般的家居空間。在作品內涵上，透過動態影片與雜誌媒體中的政治符號對話，交織出唯美的情境，具有高度的藝術性。

本件作品應是F區展位中，深受觀眾歡迎的作品。承襲周育正一貫的創作風格，透過將各種概念、議題與符號情境化成另一種有趣的視覺氛圍。作品體積龐大且售價較高，從價格到典藏庫房的考量，也考驗收藏者本身的能力。對本土私人藏家來說，這樣的作品或許是一個不簡單的門檻，但也證明個人堅實的收藏條件與品味，並具備私人美術館的層次與國際水準，因此是個值得挑戰的關卡。

畫廊位於日本東京六本木，Wako Works of Arts所推介的藝術家多屬高價位，且不乏帶領新潮流想像的大師級創作者，如德國藝術家提爾曼斯。其作品《日夜》的定價規則，亦透過商業體制中，攝影的版數概念提出探討，該作定價為約95,000美元，但因為一律使用長尾夾展示，在容易損壞的狀態下，藝術家允許收藏者重印作品且不限次數。藝術家提爾曼斯表示相信藏家，但卻也挑戰了攝影可無限複製的媒材特質。換個角度來想，藏家其實也不會讓限定一版的作品出現那麼多複製品。亦即藝術家仍以商業市場的規則，限定了「一張照片」的獨特性。

首次參與台北當代的伊日藝術計劃，帶來台灣藝術家蕭聖健的個展。他的作品往往讓人沉浸在嚮往的自然中，思考現代生活對自然的不可得。作品《夏夜——蟲鳴 No.3》以糕餅模為基礎結構，是藝術家近期的嘗試。現場作品以中藥盒、米斗、老抽屜、老椅子等物件為結構基底，結合動力與聲音結構，賦予物件新的意義。在展會現場有蟲鳴、蛙鳴、鳥叫乃至於蟬噪等聲音的集合，宛若一場夏夜的交響樂，讓觀者尚未經過展位，即在搜尋聲音源頭的過程中駐足。

來自台南的么八二空間首次參與台北當代，帶來日本藝術團體「Intext」的個展，Intext由平面設計師Yusuke Mimasu、Hiroshi Toyama和工程師Takehisa Mashimo組成，作品強調物件去除實用功能後的思辨性。此次個展名稱「What’s the color of mirror? 」來自同名作品，延伸一直以來Intext對辨識與解讀方法的興趣。鏡子能反射世界上所有的顏色，但同時鏡子不能變成任何顏色，鏡面不鏽鋼材質，彷彿告示牌般，讓文字在彩虹的閃爍中，向自身提問。

此為日本京都祇園的藝廊之一，2013年成立，是以茶藝陶為核心的現代美術畫廊。畫廊關注傳統與創新時尚，透過「日本工藝」將「日本之美」推廣至海外。三島喜美代出生於1932年，現年將近90高齡，是近代重要的藝術家之一。1960年代開始陶瓷創作，1970年後報紙、雜誌和傳單等印刷品系列的作品奠定了其主要的創作風格。作品《Work 18-Tag J》是非常精巧的小品，以標簽為再現對象，同時也是一個對陶瓷作品的思辨起點，陶瓷透過「標簽」的再現，告訴觀者陶瓷易碎的本質，是個在價位與脈絡上，容易入門且關鍵的作品。

今年台北當代的裝置藝術區仍以不同地區、風格的作品，創造博覽會觀展經驗的豐富與多元性，尤其在消費性與人潮集中的博覽會創造純粹面對藝術的時光。其中亮點包括，台灣藝術團體豪華朗機工的作品《漫遊——羽》，在深遠的空間中，呈現以羽毛狀的薄金屬組裝成富有未來感的類生物造型，並以機械帶動其波浪曲面的動態，在強烈的科技感下，也創造一種解讀和投射未來的詩意性。而謝素梅的《藏石III》，以八塊現成的天然石塊，置入展會現場，創造可遊藝的東方空間感，其作品的寧靜質地，也為藝博會帶來難得的沉靜場域。另外，美國多媒體和裝置藝術家東尼．奧斯勒（Tony Oursler）的作品，則在多媒體的科技性中，添入表演與繪畫性，擾動真實裝置與影像間的關聯，也是在台北當代中能細細品味其經典的藝術語彙。

在本屆的台北當代藝術博覽會（簡稱台北當代）中，除了精心選介的台灣畫廊國家隊和國際一級畫廊之外，這場藝術盛會上還有哪些不容你錯過的必看亮點作品？透過展會現場的分區掃描，讓典藏ARTouch帶你一覽這些精采之作。

來自東京，目前於大阪和倫敦皆設立分空間的Nukaga Gallery，成立30多年來，從巴比松派、印象派、20世紀現代藝術到當代藝術皆有涉略。此次在台北當代匯集20多位藝術家的精彩作品，其中美國藝術家托尼．麥特里2019年的雕塑作品《洗浴的女人》格外吸睛。此系列作品由混凝土及氨基甲酸塗料製作而成，藝術家再以水果點綴雕塑，充滿幽默感和諷刺意味，暗示著短暫與生死。擺在古代雕塑上的新鮮水果實際上卻是由諸如銅或氨基甲酸酯的永久性物質製成，揶揄的不僅是物理定律，還有時間概念與偏見。

畫廊以群展的形式於展位呈現多位東、西方藝術家的經典之作，其中值得關注的是蕭勤的《永久的花園-73》。「永久的花園」系列作為藝術家1990年代起創作生涯的重要轉淚點，該系列超越個人之精神，將重生意象轉化為流動的色彩。《永久的花園-73》畫面中，紫色熱烈而不張揚、高貴且神秘，彷彿蘊含無限能量。作品充分展現了藝術家在遭遇巨大傷痛後的豁然開朗，以及他對東方禪學的理性認知，進而以個人生命經驗中最感性溫潤的一面呈現於繪畫之中。

作為行為藝術教母瑪麗娜・阿布拉莫維奇的代理畫廊，科林沁格畫廊此次帶來瑪麗娜「紀念碑研究」系列攝影作品。她時常將自己的身體作為創作媒材，而「紀念碑研究」系列亦是其藝術實踐的體現。在該系列作品中，藝術家以相機記錄自己模仿英雄紀念碑上烈士的動作與形態，展現其女性的能量和身分，而這些都是藝術家最初藝術創作的一部分。

畫廊於倫敦經營現代和當代藝術，此次展達文波特的作品《大教堂（鈷藍色）》。這位英國抽象藝術家曾是透納獎（Turner Prize）得主，作品以純粹且強烈的色彩著稱，並在畫面上利用重力等物理因素為繪畫帶來不可預期性。他通過傾斜畫布的不同角度，讓重力成為影響畫面結果的關鍵因素，這些看似簡約的創作概念，卻在其成熟的判斷下，達到精準、單純且強烈的視覺張力。

來自柏林的紐格赫姆施耐德畫廊帶來丹麥藝術家埃利亞松的作品，其作多數以裝置、雕塑和大型裝置為主。埃利亞松自小在冰島成長，長期浸濡在自然環境，特別能捕捉自然中的療癒與魔幻的魅力。他擅長以光、水、溫度、物理現象等元素來發想創作，讓觀者獲得不同的感官體驗。此次展出的《紫橙色間的反射倒影》，觀者能在移動狀態感受到旋轉的色感，他的作品能讓人感受到生理條件的界線，以及與環境的嶄新關係。

在紐約工作與生活的麥金尼斯擅長使用公共標牌、企業徽章等符號創作。作品廣泛為美國、荷蘭、芬蘭、日本、西班牙、英國等當代美術館或私人基金會收藏。2016年麥金尼斯受美國大使館藝術計畫（Art in Embassies）委託，在台灣進行調查，作品安裝在台北美國辦事處（AIT）。此次參展，藝術家特別創造了「台北當代」系列。符號、標誌構成了當代社會的方向與行為指南，充斥於日常生活中的每一個公共空間。藝術家通過對台灣文化與公共景觀進行研究後，逐一轉化成一個又一個的標誌，並以此為圖像構成的基礎。在畫布上以一層又一層的疊合方式交織出既魔幻、絢麗又深具地域色彩的繽紛畫作。

出生於美國，現居紐約布魯克林的馬丁尼斯，此次貝浩登在台北當代推出其個展，是藝術家首次於台北展出。粗獷的線條與野放的色彩，將古典文雅的瓶花靜物，描繪歲月靜好的婉約隱喻，轉化成生機盎然、媚態招展的有機與張狂。壞畫（bad painting）在此有了鮮明的表述，那是對於傳統的反抗與跳脫，挑戰著所謂的教養，表現出自我的主張與性格。在那粗獷、流動的線條中與動態、生猛的構圖與色彩中，「壞」讓溫婉的靜物畫，有了更為跨躍性的突破。壞畫，絕非畫壞（painting bad）。

斯洛伐克觀念藝術家歐達科為國際雙年展與重要美術館常客，曾參與四屆威尼斯雙年展、卡塞爾文獻展，在紐約現代藝術館、泰德現代藝術館、古根漢美術館、巴黎現代美術館等均有展歷。本件作品將尋常的田園風光風景，在銅絲編成的網柵中，構成了空間的切割與分離。一方面網柵的此處存在著監禁與不自由，而網柵的彼方則象徵著某種渴望的風光與解放。猶如窗景般大小的畫作，令人想起白色恐怖時期，綠島上那首傳唱不止的歌〈阮若打開心內的門窗〉般，給人想望卻又唏噓。在不自由的人眼中，即使是眼前的田園風光卻依舊咫尺天涯。

瑪麗娜在當代藝術的思潮中，被譽為行為藝術之母，自1970活躍至今，重要性不在話下。其中最浪漫、最撕裂心扉也最為人津津樂道的，莫過於《愛人−長城》這件行為作品，該作為瑪莉娜和往日情人兼創作夥伴烏雷（Uwe Laysiepen），於1976年至1988年之間所做，此次展出1988年《愛人−長城》一作的攝影，該作於同年輸出，為12張組件。此次展出其中的四張，包含《情人（手）》、《情人（四隻鞋）》、《情人（座位裝置）》與《情人（蛇吞蛇）》，透過攝影，一窺人的關係作為一種對象，而進行的書寫與紀錄。

畫廊創辦於德國科隆，現立足於柏林，由莫妮卡．斯普魯斯（Monika Sprüth） 與菲羅門尼． 瑪格斯（Philomene Magers）於1998年共同創立。會展現場可以看到粉紅色不知名液體，裝在常見的Evian礦泉水瓶中，藝術家究竟想表達什麼？羅森克蘭茲出生於1979年，曾就讀於瑞士伯爾尼美術學院、瑞士蘇黎世大學的比較文學系以及阿姆斯特丹里克斯美術學院。此次作品《企業眾生相（喝至最後一滴）》為2016年創作，寶特瓶PET材質（聚對苯二甲酸乙二酯）與看似液體實為矽膠的內容物，指涉著自然與非自然的關係，更攸關藝術家一直以來試圖挑戰藝術史的男性傳統。

澳洲雕塑藝術家詹克斯的超寫實作品，於2018年毓繡美術館個展後為台灣藝文觀眾所熟悉。藝術家曾是電影美術人員，在其個人創作中，不斷透過幾近亂真的人體雕塑，創造出一個個情感投射角色。這件比真人略小的作品，描繪兩位裸體女性以深情之姿互相擁抱，似有萬千故事。她們定格於人來人往的藝博會通道旁，再再引發觀眾駐足，形成滯留迴旋的感知氣場，從驚愕、好奇，到共感、動容，回應了藝術家關於他的創作「不是對現實的反映、而是對現實的詮釋」之宣示。

柬埔寨藝術家林．索科謙李納以影像、裝置、觀念表演為主要創作形態，透過大量的身體位移與勞動介入以柬埔寨當地社會、政治、文化、環境等各方面變遷為主題的美學轉化。他的作品曾參與「太陽雨：1980年代至今的東南亞當代藝術」大展。近兩年來的「包裹未來 II」創作計畫為其典型之作，藝術家將蒐集到的工地鐵皮圍欄移至森林、荒野、湖泊等不同自然場域，這些成為影像視覺中心的圍欄色彩斑斕，與作品所處的那些在大型開發計畫下岌岌可危的風景，形成美學與道德的悖論迴旋。