第八屆「ONE ART Taipei 2026 藝術台北」於新年伊始之際再度揭開序幕，於今（16）日在JR 東日本大飯店 台北（Hotel Metropolitan Premier Taipei）舉辦預展，並於本週末正式對公眾開放。今年展會匯集來自臺灣、日本、韓國與香港共61間畫廊，持續以飯店型藝博會的親密尺度，形塑貼近生活的觀展體驗。
「ONE ART Taipei」持續以清晰的策展架構，回應當代藝術市場與創作生態的多元面向。從「藝術無限」（Unlimited）所呈現的成熟創作能量，到「發現藝術」（Discovery）聚焦35歲以下新銳藝術家的潛力與風格，再到「媒體藝術」（Media Art）開啟的科技與感知對話，三大主題所勾勒出的整體輪廓為觀眾提供循序深入的觀看線索，也反映主辦單位長期扶植臺灣藝術產業發展、並積極串聯國際藝壇交流的舉措。
而除了各家畫廊精心策劃的展間，位於10樓與11樓梯廳前的「快閃美術館（Pop-up Museum）」亦以公共藝術的概念將作品融入觀眾的行走路徑之中，具體實踐「藝術即生活」的策展精神，為觀展過程帶來不期而遇的驚喜。同時，10樓至12樓的公共走廊也首度打造三大主題花藝造景，透過藝術與花藝的跨界對話，堆疊出層次豐富的感官體驗與細緻品味。這些極具沉浸氛圍的串聯也都是參觀本屆「ONE ART Taipei 2026」不容錯過的觀展亮點。
典藏團隊率先為讀者導賞18家精選展間，從畫廊的策展視角、藝術家陣容與作品解析等不同角度切入，共同描繪本屆展會呈現的當代藝術生態豐富風貌。
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朝代畫廊｜Room 1101
朝代畫廊於ONE ART Taipei 2026 進駐展位 1101，集結來自臺灣、日本與韓國的藝術家，呈現橫跨繪畫、攝影、雕塑與複合媒材的多元創作實踐。本次展出藝術家包括夏愛華、具本妸（KOO Bon-A）、草間彌生（Yayoi Kusama）、林餘慶與魏杏諭、劉振祥、水谷篤司（Mizutani Atsushi ），以及呂文與曾上杰。
其中，年輕創作者呂文與曾上杰尤為值得關注。呂文的創作長期關注動物的生命狀態，並映照自身的生活經驗；作品從其飼養犬隻的日常觀察出發，逐步延伸至當代社會中人與動物共處的多重樣態。他以木雕與脫活乾漆等傳統材料進行創作，透過反覆堆疊與手作痕跡，使具象的動物形體轉化為人類情感、慾念與行為模式的隱喻。
曾上杰則不以形體的精準再現為目標，而是關注精神狀態如何被轉譯為雕塑語言。他從繪畫思維出發處理立體創作，刻意保留刀痕、上色與再刮除所產生的隨機性，使作品介於完成與未完成之間，回應其對雕刻「減法」的理解。本次展出的新作《紅區》與《遠水》，改以更為粗獷、帶有刀痕的雕刻手法，凸顯材質肌理與光影層次，呈現藝術家在不同創作階段中的自我實驗與轉向。
也趣藝廊｜Room 1015
呼應飯店型藝博會的屬性，也趣藝廊以「內在之室」（Inner Chambers）為命題，匯聚十多位國內外藝術家：范揚宗、劉昕穎、盧芛、戴伶育、王亮尹、藤笠砂都子、伊藤航、北川宏人、土屋仁應、長尾紘子、大橋博、Christian Brandl、Martin Galle、Falk Gernegross、Carlos Sagrera之作，引領觀眾由此思考：藝術的觀看如何被空間重新定義？而「房間」在藝術史當中亦更被視為解構現實與內在世界的重要場域，踏進其中也彷彿步入藝術家的心理軌跡。
蘆芛入選本屆「新賞獎」的作品《郊狼和玉米母神》為美國駐村時期所作，靈感源於沙漠文化，並向內爬梳潛藏於荒蕪大地之下的生命能量，兩幅獨立的作品則以長髮元素作為幽微的串連；至於尺幅精巧的《手套》以屏風式造型呈現，其所描繪的女性身體突破服膺於長久以來的男性觀看視角，展現女性的自覺與蟄伏的野性。
而西班牙藝術家Carlos Sagrera的創作延續傳統的室內畫主題，他以家族老照片為發想，點出居家空間其實也和人類一樣會逐漸衰敗老去。然而，儘管已然呈現斑駁的不可逆狀態卻也因爲承載著許多記憶，而吸引觀者凝神注視。
德鴻畫廊｜Room 1201
德鴻畫廊於ONE ART Taipei 2026 展位1201，帶來橫跨臺灣、韓國與蒙古的藝術家陣容，包含林書楷、孟克波洛兒．干波爾德（Munkhbolor Ganbold）、金兌洙（Tez Kim），以及Yu Sora。試圖聚焦於當代生活經驗、物質條件與存在狀態的多重層次。其中尤為引人關注的，是來自韓國、現於日本與韓國兩地活動的藝術家Yu Sora，以及蒙古藝術家孟克波洛兒．干波爾德。
Yu Sora以日常生活為創作核心，其作品特色在於以白色柔軟布面覆蓋空間中的物件，並以黑線刺繡描繪輪廓，記錄盆栽、發票、襯衫與布鞋等生活細節。這些原本熟悉的物件在去脈絡化後，轉化為帶有距離感的日常景物，使觀看者得以重新思考「日常」的存在狀態與其脆弱性。
相較於 Yu Sora 對日常細節的內向凝視，曾於2017年代表蒙古參與第57屆威尼斯雙年展的孟克波洛兒．干波爾德，他的創作則直面人類對自然與環境的操弄與破壞。他成長於1990年代蒙古社會劇烈變動時期，常使用街道、工地與荒地中拾得的材料進行拼貼與重構，將資源匱乏的現實條件轉化為具象徵性的視覺語言，以回溯事物的原型，進而指向生存的掙扎、社會幻象與生態議題。
琢璞藝術中心｜Room 1203
以「織夢者．失焦」為題，琢璞藝術中心集結李益成、蘇小夢與趙惠潤等藝術家，於截然不同的媒材與技法運用之中，鋪展出關於記憶、時間與存在的多重路徑。
李益成之作延伸自其長期的平面創作，轉化為立體形式，靈感來自日常生活中被反覆使用的紙袋。他將紙袋所留下的摺痕、線條與結構，視為關於夢想、期待與慾望的痕跡。
本次展出系列包含「水蜜桃」、「咖啡」與「馬卡龍」等主題，透過色彩與味覺的聯想，暗示內部「內容物」的性質與情緒狀態，每組作品同時呈現平面與雕塑版本。他亦引入電鍍技法，結合鏡面般的反射性與手繪標籤元素，呈現「紙袋」這一概念在不同媒材中的多重樣貌。
而在一次受傷、暫停金工創作之後，藝術家蘇小夢轉而以金屬線材反覆勾織，將身體限制轉化為新的創作語言。當金屬線條在空氣中纏繞、堆疊，彷彿描摹看不見的氣流與時間的停頓。此次展出「天空絮語」系列，嘗試讓作品懸浮於空中，隨環境微微擺動，如雲層不斷變形，回應藝術家對自然與日常觀看的感受。
弎畫廊｜Room 1208
弎畫廊以電影《第凡內的早餐》為發想，參與ONE ART Taipei 2026，將「早餐」設定為一段介於日常與不安之間、得以暫時靠岸的時刻，使展位成為觀者重新安放感知與情緒的過渡空間。本次展出彭思錡、郭秉恩、李秉璈、張芸家與戴瑋霆五位年輕藝術家，透過各自不同的媒材與創作策略，回應生活碎片如何被保存、轉譯，並在觀看之中生成新的意義。
其中，彭思錡以極為纖薄的葉片造形陶瓷為創作主軸，取材自構樹與血桐等造紙原料的葉片，並轉化為熟悉的書畫用紙語彙。本次展出的《持籤》以書籤為靈感，將葉片鑲嵌於書頁之中，使閱讀行為成為一種夾藏記憶與時間的身體經驗。
郭秉恩則關注生活物件與「經驗」作為載體之間的關係，六件作繪畫《小記事》，以記事本般的尺寸與格式，承載日常行動的片段紀錄，使私人生活轉化為可被凝視的視覺節奏。
而李秉璈以壓克力為主要媒材，從生活速寫與零星記憶出發，透過圖層般的反覆堆疊與打磨，使畫面在完成之際生成另一層意義，將熟悉的材質語言轉化為略帶抽象的心理景觀。
異雲書屋｜Room 1105
首次參展「ONE ART Taipei」的異雲書屋以「流變之墨」為題，以臺灣、中國與日本共七位藝術家之作：梁兆熙、黃健亮、山本尚志、朱笑竹、楊新收、郭輝、廖育瑩，探討水墨在傳統與現代之間的轉化與延續。即將於3月在畫廊舉辦個展的郭輝，擅長運用工筆線條輔以墨色為基礎的淡雅色彩進行烘染，並透過貼近當代審美的視覺語彙，重新詮釋佛教經典角色的繪畫題材，使畫面在莊嚴之中流露出輕盈而詩性的恆定之美。
畫廊長期合作的楊新收，以特殊的設色手法創作山水畫而具有鮮明的視覺語彙，透過墨、彩、水的淋漓融合凸顯粗絹的材質特性。長年鑽研傳統畫畫體系的朱笑竹為首度與異雲書屋合作，現場展出的工筆花卉作品轉化古典審美意趣，其作品內斂而雅致的精神氣質，亦將成為畫廊持續發表的重點藝術家之一。而同樣是畫廊初次展出的臺灣新銳藝術家廖育瑩，透過獨到的空間布局引導觀者展開全新的敘事角度，為當代水墨注入靈動的觀看經驗。
伊日後樂園BACK_Y｜Room 1001
伊日後樂園於本次展出多位國內外藝術家之作，並以去年臺北美術獎得主謝榕蔚與王冠蓁的作品揭開展位序幕。謝榕蔚新作《昨日與蜜蜂》以原子筆結合清水暈染，使筆跡由清晰線條擴散為帶光暈的邊界狀態，畫面如植物般生長。王冠蓁的「小集」系列，將2014至2022年間的寫生、塗鴉與草圖，重新組構為大小不一的畫布碎片，以人物與動物回應臺灣日常的片段經驗。而同樣關注日常觀看的轉化，李世文之作則顯格外安靜，取材自長途通勤的火車車窗：移動中的殘影、雨後微霧的玻璃，藝術家以粉彩取代炭筆，使畫面更貼近影像殘留的狀態，亦更接近記憶本身的朦朧質地。
展位中，亦可見多位值得關注國外藝術家之作。西班牙藝術家Sergio Mora《The Queen of Supersonic Visions》以近乎童話式的構圖展開，明亮而人工化的色彩，將童真、流行文化與史前想像並置，營造出甜美卻微微失真的奇異風景。近年作品甫獲SOLO Collection收藏、西班牙藝術家Grip Face的《Sunday Night》則以明亮色彩包覆人物與動物臉孔的童話符號，夢幻色彩之中卻暗指著社會結構的矛盾與不安；與之相對，則有新加坡藝術家王鴻川與西班牙藝術家 Lusesita以民間傳說與童年記憶為靈感創作的陶瓷作品，引導觀眾重新思考神話與日常之間的隱約連結。
丹之寶｜Room 1013
丹之寶藝廊於ONE ART Taipei 2026 展位1013推出「邊界未定：形構之間」，以飯店型藝博會的私密尺度，回應當代藝術在傳統結構與現實世界之間不斷轉譯的狀態。展覽集結橫跨臺灣、喜馬拉雅與南亞地區的五位藝術家，關注全球化語境下身份、記憶與形式的持續變動。
其中，年輕藝術家柯驎晏以「實景山水」為創作核心，發展出源自北海岸地質紋理的「海苔皴」技法，結合多點透視與當代平視結構，將行旅經驗與地景感知納入水墨語彙，並融入當代視覺符號，重新解構人們對風景的觀看方式。如作品《翠峰八駿》結合八隻獨角獸意象，展現傳統符號與當代語境交錯下的敘事張力。
來自不丹的金寶．旺楚克（Gyempo Wangchuk），則以深厚的唐卡訓練為基礎，運用天然礦物顏料，將疫情、戰爭與現代化衝擊引入宗教圖像結構之中，使作品在保有儀式性與精神性的同時，轉向對人類內在狀態的當代凝視。
暮拉多元藝術空間｜Room 1110
暮拉多元藝術空間本次以「忘形之人」為題，借引英國人類學家梅蘭．查林傑（Melanie Challenger）《忘了自己是動物的人類》一書為起點，串聯廖昭豪、山本淳平、林義隆、上條文穗、謝宜庭、卡德蓮蒳·德尼斯科與蕭珮宜等人之作，重新思考「身而為人」的意義及其邊界。
入圍本屆新賞獎的藝術家廖昭豪，以「銅線磨石子寫生計畫」系列成為展位焦點。作品乍看如石材或磨石子結構，實則以紙漿塑形而成，並刻意保留內部構造，使層層堆疊的紙材與中空結構自斷面中顯露。其創作靈感來自於求學臺南期間對廟宇建築的長期觀察，如在傳統磨石子基底上覆以繁複彩繪紋樣，成為他作品中動物與花卉圖像的視覺來源，並輔以金色箔材修飾，形塑出介於神話意象與日常物件之間的畫面語言。
另一展出亮點則為蕭珮宜的平面繪畫系列，其中《憂傷的孤島》一作以大量廢棄物意象堆疊出島嶼地貌，破碎物件與蒼白塊體構成如文明遺骸般的孤立世界，回應人類活動對自然環境所造成、難以逆轉的破壞狀態。島嶼既是地景，也作爲一種心理象徵，即環境崩解後殘存的集體憂傷。她以接近雕刻的繪畫方式建構畫面厚度，更強化了作品中關於「沉積」與「無法回收」的隱喻。
ISFOR ART｜Room 1218
ISFOR ART 於ONE ART Taipei 2026 推出「風的形狀」（The Wind Between Us），展出來自日本、泰國與臺灣的五位藝術家，包括石田美穗（Miho Ishida）、HIRASE、Muangthong Imthong、Pongpipat Katboonsai，以及劉柏漢，透過木雕與繪畫作品，呈現不同文化背景下對情感、時間與感知的觀察。
展覽以「風」作為概念線索，指向創作在文化與經驗之間的流動狀態。石田美穗以動物形象作為主要語彙，承載內在情緒與心理狀態；這次作品常見有兔子，並且作品中常見的「山」被視為守護性的象徵，而刻意保留的燒痕與木材質地，使作品維持明確的手工感與材料特性。HIRASE則以簡化構圖處理時間與狀態之間的過渡，其畫面多安排如入口般的結構，引導觀者進入未知的世界。
泰國藝術家Muangthong Imthong與Pongpipat Katboonsai分別以木雕與繪畫回應生命重量與人際關係等主題，作品在敘事與形式之間取得平衡，也反映出近年東南亞當代藝術的關注方向。臺灣藝術家劉柏漢則以木雕為主要媒材，處理內在情緒的轉化與停滯，使作品成為情緒狀態的具體呈現。
日帝藝術｜Room 1212
日帝藝術匯集8位35歲以下藝術家參展：霍凱盛、葉誌航、吳家潁、王昱翔、黃子杰、馬俐安、曾義晴以及陳岳宏，反映出長期推廣潛力新秀的策展視野。獲選展會「TOP 10 十大亮點作品」的《卜彌格之書》，是澳門藝術家霍凱盛以17世紀波蘭傳教士卜彌格（Michał Boym）的來華旅程為文本，其生命經驗象徵東西文化、知識與宗教的流動，也映照明清政權興衰消長的時代動盪，現於畫廊同步舉辦「夢渡泰西」個展，更全面觀照對於「地方」的理解與想像。而其創作後續也將在今年威尼斯雙年展、葡萄牙最大雙年展Cerveira International Art Biennial 2026接連亮相。
而在去年底升格人母的馬俐安，以敏銳的女性感知將身體變化與身分轉換所經歷的細膩感受融入創作，作為梳理人生階段的遞進、自我覺察的深化以及面對新生的喜悅，一系列作品以簡單造型與明亮色彩構築鮮活的視覺語彙，展現出極具渲染力的情感能量。
晴山藝術中心｜Room 1010
晴山藝術中心長期致力於推廣台灣與日本的亞洲年輕新銳藝術家，本次展出以探索新一代藝術家的美學詮釋為主軸，作品橫跨油畫、水墨、岩彩、陶瓷、木雕、玻璃與不鏽鋼等多樣媒材，展現青年創作者如何透過不同材質的特性，將內在感知轉化為具體的藝術語言。
展位亮點包括首次參展便獲新潮賞優選的王莉瑩，其作品《一首關於樹的歌》以詩意筆觸構築微型宇宙，將視覺變異經驗中的光體與粒子轉化為帶有節奏感的漂浮語言，探討人際關係的獨立與相連。高一心則以色彩絢爛、角色可愛的畫面，溫柔抵抗成人世界的平庸，在靜謐相依的少年角色中尋找自我認同。林佳賢以戲劇化視角解構日常，細膩呈現獨特的想像世界。兩屆全國美展金牌得主邱奕寧跳脫傳統水墨框架，以筆墨堆疊內心起伏的桃花源。前輩藝術家吳熙吉透過油性粉彩的立體色塊，呈現萬物呼吸的景象。韓國藝術家柳濟閠以京都為基地，將陶瓷化作「移動的山」，賦予山巒手臂與腿部，反思人際關係與信念的無常與變遷。
青雲畫廊｜Room 1008
青雲畫廊這次帶來來自台灣、日本與韓國多位藝術家的精選作品，如崔元瑄、陳宏群、胡崴翔、陳麒文、許幼歆、李梓維、Onram、金汝玉、松島由季、芸森等，展出聚焦具象創作與多元媒材，涵蓋繪畫、陶藝、木雕、金工及複合媒材。
其中陳宏群的圓形大幅畫作《疊構LXVI-圜圜3》為展間帶來吸睛的甜蜜氛圍。崔元瑄作品在陶瓷上以鈷釉作畫，呈獻細膩且富吉祥寓意的花鳥畫。陳麒文以充滿童話寓言感的畫面，結合人造城市與動物，探索人與自然的關係。芸森呈獻線條柔和、顏色淡雅的雕塑作品，充滿著溫柔與作夢的氣息。整體而言，展覽作品在令人感覺親近的同時，也引導觀者回望自身內在與生活節奏，期許著藝術能成為感知世界與安放情緒的地方。
鶯歌光點｜Room 1215
本次鶯歌光點主題為「混沌與秩序：從無序到和諧」，匯聚吳炫三、IWACO、陳盈如、薛宏瑋、曾祥軒、梁佑華、朝井颯志等七位臺日藝術家。展覽核心探討在紛繁複雜的世界中，藝術家如何將內心的動蕩、原始的慾望或自然的無序，轉化為具備結構與有機美感的視覺語言，在「混沌」與「秩序」的交織中尋求情感與表達的微妙平衡。
展覽亮點之一為兩位鶯歌陶藝家梁佑華與曾祥軒，前者以「神獸系列」融合神話敘事與神秘造型，在奇幻的結構中建立文化歸屬感；後者則觀察微觀花粉的精細構造，將自然界的生命律動轉化為極致精密的秩序美學。以及日本藝術家IWACO的雕塑，她利用和服古布與絲線等細碎素材，透過巧妙的組織與穿引，使無序的布料演化為柔和且富有生命感的偶。另外值得注意的還有這次獲得新賞獎的朝井颯志，他專精於銅版畫創作，利用精準的「錯視效果」創造多重層次，引導觀者在錯綜複雜的畫面背後，洞察隱藏的社會議題。
Gallery UG（日）｜Room 1210
在東京與福岡皆設有據點的Gallery UG連年參與「ONE ART Taipei」，已在臺灣具有相當知名度，本屆參展主題「Laissez-faire」意在強調當代藝術的「自由放任」精神。現場呈現：浅野淳子、飯沼英樹、板谷麗、川平遼佑、田島享央己、立花光朗、長尾恵那、沼野伸子、野原邦彦、前垣美沙子、幸貴子以及渡辺おさむ等逾12位日本藝術家的紛陳之作。川平遼佑以黑色幽默的角度描繪兒時尿床經驗與衍伸出的想像而入選本屆「新賞獎」，隨著自己近年也升格人父，他將這段陰影轉化為正向鮮明的角度，成為一同陪伴兒子成長的力量。
板谷麗的《甜菜沙拉》為展會「TOP 10 十大亮點作品」，此系列係將食材以「肖像攝影」的形式呈現出不同於既定印象的擬人化視角，探討食物所承載的文化與情感意義，並在拍攝之後，將食材做成與題目相同的料理享用。渡辺おさむ則為仿真甜點風格的先驅，以細緻手法形塑出甜美的動物造型，帶有極高的辨識度。
觀止堂 ADMIRA Gallery （香港/台北）｜Room 1115
觀止堂以「Fields of Difference」為主題，展現多位藝術家如何以獨特視角回應當代社會經驗。與以往不同，本展特地打破界限，將藝術、設計與時尚的作品有機結合。雖然藝術家們各自保有獨立的風格語言，但這些「差異」並非隔閡，而是共同構築出當代藝術的新討論面貌。展覽引領觀者走入由差異所生成的流動場域，在多元媒材與感官的碰撞中，感受深刻的文化共鳴。
其中藝術家蔡旻芸擅長以東方媒材探索視覺與心靈的邊界，其作品常帶有一種靜謐而深邃的滲透感，在墨色的變化中捕捉那些存在於視線之外的幽微情感。國本泰英 的作品則游走於人與生物之間，常以動物或變異的形態作為慾望的象徵。野村仁依那擁有空間設計背景，擅長在塑膠材質上穿鑿規律性的洞孔，探討有機與無機的材質語言。都淳朗作品則充滿時尚與前衛色彩，將衣服的廢棄布料重新使用，探索服裝作為「第二層皮膚」與藝術表達之間的流動關係。
Gallery ANN（韓）｜Room 1002
位於首爾的當代藝術畫廊Gallery ANN，此次帶來五位韓國藝術家Cho Mong Ryong、Kim Gyeol Hui、Cho Chang Hae、Lee Mi Hwa與Lee Joung Kwa之作，鋪展出關於情感、想像與日常感知的韓國當代藝術風景。展位的視覺焦點落在Cho Mong Ryong的繪畫上：由少女、動物、家屋與遠方層層疊起的山海，被包裹在柔軟的藍色、暖黃色調之中，成為一處暫時逃離現實的內心避風港。
一旁的Lee Joung Kwa則以花卉與人物構成更為內斂的場景。她將人際關係中難以言說的緊繃與修復，轉化為以細密線條刻畫的形象，近距離觀看更顯薄透而深邃的色澤。在展位另一端，Lee Mi Hwa 「Oops All Bears」系列最初為孩子而畫的小熊，面容頑皮可愛，卻在反覆描繪中逐漸長出各自的性格與情緒，更似一組關於成長與童年溫柔寓言。
台南新藝獎｜Room 1221、1121、1020
One Art Taipei 今年首度與台南市政府文化局合作增設了「臺南新藝獎（Next Art Tainan）」展區，連結在地文化與青年藝術，在展會中展出新銳藝術家的作品，提供更多元的藝術生態與國際視野。
其中，索卡藝術（1221）帶來新銳陶瓷藝術家李盈蓁的「從底部而生的景」系列作品，她以細膩的陶瓷線條，結合多彩的色料，反覆燒製而成。作品呈現藝術家寫意的線條與繪畫時的身體流動，將創作的時間與身體感凝鍊在脆弱易碎的瓷土上，創造詩性的想像空間。而作品的鏤空特性也為其光影變化創造了精彩的舞台。
加力畫廊（1121）帶來藝術家邱馳的作品，他以金屬和3D列印材料，透過手工拼接成一盆盆花盆，旋轉的摩爾紋與動力原理都成爲他創作的靈感，將看似習以為常的事物，賦予新的造型意義。而花盆造型的作品也刻意使用IKEA量產的花瓶，反思大量手工製作與機器量產的關係。
水色藝術工坊（1020）呈現吳德馨的新系列作品，取材自大眾記憶中熟悉的傳統花鳥圖像。對她而言，這些圖像所承載的「吉祥」意涵，早已超越了單純的祝禱或諧音，而是演化為一種深植於生活經驗中的視覺直覺。觀者在凝視畫面時，無需刻意辨識，便能自然感受到那種特有的節令感與情調。
ONE ART Taipei 2026 藝術台北
公眾展期｜2025.01.17（六）- 01.18（日），11:00-19:00
地點｜JR東日本大飯店 台北（臺北市中山區南京東路三段133號）
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