即將在2026年1月登場的「ONE ART Taipei 藝術台北 2026」在本（12）月展前記者會宣布青年藝術家獎項「新賞獎（ONE ART Award）」得主為日本藝術家朝井颯志（Soshi Asai），於現場展示的優選作品《彩虹門 Rainbow Gate》構圖層次豐富且充滿敘事張力，加之高度嫻熟的銅版技法，令人驚嘆竟是出自於年僅23歲的藝術家之手。
「新賞獎」以「發掘亞洲下一位新銳之星」為核心，由評審團以「藝術性」、「潛力」與「市場性」三大面向進行評選，從中也觀察到新世代藝術家對於「個人」、「身體」與「情緒」的探問更為深刻，並對文化記憶、族群與自身背景的思考益趨於成熟。在此評選標準之中，朝井颯志以高度鮮明的創作語彙脫穎而出，而他在求學期間便屢獲獎項肯定，展現不容忽視的創作天賦與前景可期。
延伸閱讀｜「ONE ART Taipei 2026 藝術台北」攜手61間藝廊盛大登場，推出多項創新觀展體驗
刻線成為日常，內化於心的銅版創作之路
對朝井颯志而言，銅版畫並非「選擇」，毋寧說是一種內化於身體當中的語言。朝井颯志在就讀大阪府立港南造形高校時，偶然參加版畫部活動而接觸到凹版藝術，自此迎來創作方向的轉折。「簡單的刻線結構竟能創造出如此複雜的作品。」這種製作過程中蘊含的神祕性，以及在完成之前始終無法預見結果的不確定性，都令他深深著迷。然而，當時埋首於蝕刻法與飛塵技法（Aquatint）的朝井颯志，則因尚未建立起個人語彙而一度陷入迷惘，為此開始頻繁造訪美術館以尋找靈感，直到某日站在錯視藝術大師艾雪（Maurits Cornelis Escher, 1898-1972）的作品面前，瞬間感到猶如電流從頭頂貫穿而下的震撼，「艾雪打造的超現實世界觀，竟與我自幼至今腦海中浮現的景象如此相似。」朝井颯志回憶道，雖然啟發的過程描述起來頗為戲劇化，但他的創作風格從隔天起便徹底轉變，也確立投身於創作奇想版畫的志向。
從15歲開始創作銅版畫迄今，外界看來極為繁複耗時的工序對朝井颯志而言，所累積的身體記憶已如日常作息般自然，他甚至表示比用畫筆創作更加得心應手；即便是大型作品，往往也在兩週內就可完成。再者，銅版畫能超越自己構思時的想像邊界，賦予畫面更為深厚而不可預期的質感，正是他投入於此媒介的主因。此外，「偶然性」也是朝井颯志認為版畫最迷人之處，他以蝕刻技法為例：首先在版面上描繪黑白反轉的圖像，再浸入酸液腐蝕描繪部分——液體狀態、溫度等變數皆會影響製版效果。「從不確定性當中誕生的作品，宛如在草叢中偶遇的『野生之作』，充滿偶然的神秘感，實在引人入勝。」
談及創作養分，朝井颯志表示，除了深受北方文藝復興畫家老彼得．布勒哲爾（Pieter Bruegel de Oude, 1525–1569）與艾雪等西方藝術啟發之外，亦承接日本傳統美學的脈絡。他提及浮世繪師河鍋曉齋、歌川國芳的奇想風格，還有現代漫畫家水木茂、柘植義春等「ガロ系」漫畫語言（註）展現的開創式敘事與視覺語言，皆是重要的靈感來源。不僅如此，朝井颯志更有意識地將東方漫畫美學融入西方銅版畫的傳統系譜之中，期許在維持銅版畫本質的同時，探索新的表現可能。他進一步指出，所謂的「新」，並非僅指技法本身的革新，而是在既有的古典技法中，注入回應當代感知與思維的創作意識。
在黑白之中生成寓言，古老技法的當代轉譯
作為新世代藝術家，常被問及為何仍選擇沿用如此古老的創作媒介？對此，朝井颯志則提出19世紀後半葉，由威廉．莫里斯（William Morris, 1834-1896）主導的「藝術與工藝運動」（Art & Craft Movement）提倡以手工與個體精神來對抗工業化量產的機械文明之理念作為參照；如今的人類已進入超越機械文明的人工智慧與數位虛擬時代，甚至連「創造性」也逐漸被科技取代。他曾對電車內的廣告插畫感到違和感，細看才發現角落標註「由AI生成」，當今已是NFT時代，數位藝術、音樂乃至無實體的圖像，皆可透過不可篡改的所有權證明產生價值。而銅版畫誕生於約1430年，在當時是革命性的複製技術，亦屬資訊共享媒體的先驅。「我認為，正因銅版畫是如此古老的媒介，反而能在當今由電力驅動的資訊生產時代，重新叩問『複製』本身的價值所在。」朝井颯志如此表示。
那麼，他又是如何在色彩表現相對受限的銅版畫，清楚呈現並深化自身的美學觀點？「黑白世界於我而言，具有獨特魅力。閱讀漫畫時，我常會在腦海中自行疊加色彩，相信許多人也有相似體驗。即使畫面沒有顏色，潛意識仍會『看見』色彩；而正是這種潛意識，驅使我以細膩的黑白色階進行鋪陳，引導觀者不自覺地為作品『賦彩』。」對此抱持高度執著的朝井颯志如此回應。此外，他也將漫畫創作常見的網點與線條技法導入銅版創作，使其作品在古典技法的基礎上兼具鮮活的當代視覺語言。
穿越《彩虹門》，看見生活、感知與未來的彼岸
因此，獲得「新賞獎」肯定的《彩虹門 Rainbow Gate》也翻轉大眾對於彩虹必然呈現絢麗色彩的既有印象，以黑白色調營造出凝鍊且強烈的精神張力。此作發想於朝井颯志在長崎南島原市駐村創作的體悟：雖然當地積澱著農民曾被長年苛待，以及在江戶時期隱匿基督徒而遭受壓迫的陰暗歷史，然而，他也在此目睹整齊劃一的梯田、旭日自地平線升起的壯闊景致，以及巨型彩虹蘊含的壓倒性能量。這讓朝井颯志深信，與其以豐富的色彩呈現，唯有透過黑白色階的布局，才能傳達出內心所見那道「彩虹門」的本質。
《彩虹門 Rainbow Gate》帶有史詩般的磅礡場面，朝井颯志為此構築出一則關於洪水、文明、科技與希望的末日寓言：「由於人們過於依賴當代生活的高度便利而迷失本能，神因而降下第二次大洪水。在充滿汙染與虛假資訊的黑海之中，唯有懷抱愛與智慧的人方能駕舟克服試煉。當洪水退去，神創造了與人類立約的「彩虹門」，並由花神芙羅拉（Flora）與美惠三女神（The Three Graces）的現身帶來自然重生的豐饒。見證這一切的倖存者在敬畏中意識到生命的脆弱與堅韌；神則於彩虹門之後靜靜守望人類與自然共生的新紀元。」此作對於文明進程與自然失衡的反思，在當代語境下顯得格外切身而深刻。
朝井颯志的創作亦深刻投射其個人生命經驗。成長過程中，曾難以融入校園生活的他，因自身的敏感與外在的疏離，逐步摸索出與自我相處的方式。「在這段笨拙卻真誠的探尋過程所沉澱的、宛如支撐自我運轉的哲思，亦流露於畫面之中。」同時，朝井颯志也試圖捕捉現代社會所瀰漫的普遍情緒；他在日常生活中如同感應器般接收沿途風景與細微觸動，並轉譯為作品的視覺敘事；此外，他亦從太宰治《斜陽》、川端康成《雪國》等描寫人性幽微與情感流動的文學經典中，汲取關於孤獨、斷裂與存在狀態的靈感。儘管創作主題多元，他表示「解放」與「對比」兩大概念始終貫穿自己所有的作品；因此，即便每一件作品皆蘊含精心鋪陳的敘事結構，朝井颯志仍樂見觀者以自身經驗為線索，在觀看過程中生成各自的詮釋。而在創作之外，他甚至親手製作畫框，將作品本體、邊框與標題名牌視為不可分割的整體。
最後，朝井颯志表示，獲得此次「新賞獎」的肯定，使他更深刻感受到持續創作、穩步前行的希望。他亦透露，鶯歌光點美學館在今年8月舉辦「夢與軀殼：在美與怪之間」展覽時，自己也專程造訪臺灣尋找靈感，所見的風景與藝術品都將成為創作的養分，目前已經在著手籌備臺灣的展覽計畫並期待能夠穩步實踐。
回顧朝井颯志的創作脈絡，不難看出他並非僅以年輕之姿挪用古典技法，而是在高度自覺的思考之下，持續回應媒介、時代與自身經驗之間的張力。從銅版畫的身體性勞動，到黑白色階所承載的想像與寓言，他所展開的是一條在古老媒介中探索當代感知的路徑。「新賞獎」對其的肯定，也預示著新世代藝術家如何在歷史與當下之間刻劃自己的創作版圖。
註：水木茂（1922-2015）創作多以科幻或妖怪故事為主，對於各國民俗學、神祕學與祭典儀式亦深感興趣，代表作為《鬼太郎》。
柘植義春（b. 1937）擅於刻劃夢境和意識的陰暗面，以及難以言明的妄想慾念，內容抑鬱而帶有強烈的虛無感，有日本前衛漫畫始祖之稱，代表作為《無能之人》。
ガロ系漫畫（Alternative manga）原指日本漫畫月刊《ガロ》所刊載的具有高度原創性、情節設定非大眾市場取向之作品，而後衍伸為風格前衛的漫畫代稱；凡是觸及哲學、心靈與社會觀察等議題而帶有深度內省甚至陰鬱的敘事調性，皆可稱為「ガロ系漫畫」。
「ONE ART Taipei 2026 藝術台北」
藏家預展：2026年01月16日（五）12:00 – 19:00
貴賓預展：2026年01月16日（五）14:00 – 19:00
公眾展期：2026年01月17日（六）、18日（日）11:00 – 19:00
地點：JR 東日本大飯店 台北 Hotel Metropolitan Premier Taipei（臺北市中山區南京東路三段133號）10-12樓
