謝貽娟　人們應該記住她的名字

在楊心一為此次展出的規劃當中，謝貽娟的主要作品可粗略分兩個時期：早期的「自由抽象」與單色畫「藍色時期」。「自由抽象」時期，作品一方面帶有「超現實的抽象主義」特徵，另一方面借鑒西方抽象藝術大師，特別是康丁斯基（Wassily Kandinsky）一脈對「音樂性」的強調，而這類強調抽象線條動感的創作大多見於其1990年代發表的早期創作；複雜的色彩配合多變的線條，宛如音符般的律動，其中以《None-space M1》為箇中佳作。

延續上述的抽象繪畫創作脈絡，謝貽娟開始於2000年代的創作題材中注入東方性的想像，並表現出其對藍色的特殊喜好與想像。藝術家幾乎都將其創作命名為「None-Space」，在中文的語境當中通常會被翻譯為「非空間」，也可說是貫穿其創作生涯的重要理念。在其創作自述中，她表示「非空間」是「一切的空，也是一切的真，就像是『氣』沒有盡頭，也沒有開始，只有之間。」而藝評家江凌青曾在其評論專文〈在邊緣之間趨近真實的藝術家—謝貽娟與她的「非空間」世界〉中指出，這種關於「沒有盡頭也沒有開始，只有之間」的時間觀，最適合用來開啟對謝貽娟作品的深入討論，而本文也接續江凌青的詮釋方法，解讀本次楊心一策展專題中的各種討論。

整個展覽開啟於「自由抽象」這個單元當中，首先映入眼簾的，便是2000年發表的「太極系列」，在這個題名充滿中國風情的系列創作中，雖然主要的媒材以油彩為主，但是依然帶有某種水墨式的意象或比擬，最常見的視覺構圖為比例與尺寸相差極大，類似顏料潑灑後的水珠效果圖樣，在這極大的對比中，表現出了十分有趣的韻律感與視覺效果。

我們或許可以先探討「太極」這概念的源起來思考謝貽娟的創作，太極一般是指宇宙最原始的秩序狀態，出現於陰陽未分的混沌時期（無極）之後，而後形成萬物（宇宙）的本源：混天太極。其中《無極圖》的圖像十分簡單，就是一個白底配上正圓形的黑色輪廓，而陰陽概念出現而生的太極陰陽圖，則是目前大眾所熟知的圖像，黑白交錯，但是黑與白的領域中各有一個對比色的圓點。而對比「太極陰陽圖」與謝貽娟的作品，便可以看到兩者間有趣的連結與對比。太極陰陽圖中，黑白對比各據一方，但兩者間卻以圓潤的線條作為彼此的邊界，若我們視覺焦點放在黑色，另外一方的黑色圓點卻與大面積的黑形成對比，這樣的對比事實上強調的反而比較像是由小到大、由窄至寬或由淺至深時，中間被忽略的那些膨脹進程。或者我們可以用另外一種方式去形容，從白到黑的那些灰色漸層，或許沒有被表現出來，但卻存在於這樣的「對比」當中，而謝貽娟太極系列中那些大小差距極大的，或者深色抽象圖形相對的一片白淨畫布空間，某種程度亦反映出了此類意念。

在2010年代，謝貽娟可說如同偏執的愛好者般一頭栽入藍色的世界，如其創作自述所言：「回想起1997年時，一個人坐在開往西班牙的火車上，望向窗外看到滿天的藍，清澈的河水倒映著各種不同的藍，那樣的光、影、色，打從心底的激動，如此的純粹……」為了深入了解或者說慢慢地讓自己融入這個色彩當中，藝術家採取的方式更為「穩重」，或者說更加地寧靜與深邃。以「空間系列」的創作為例，謝貽娟幾乎捨棄了先前創作中狂放跳動的線條或色塊，彷彿苦行僧般地一筆一劃描繪各種層次的藍。舉例來說，在《None-space S1》、《None-space S16》、《None-space S14》、《None-space S22》中，皆是直條式的單色繪畫，這四件作品依序從混沌到出現確切的線條邊界為止，彷彿創作者從持續地觸碰探索到豁然開朗的過程。另外的「粉末系列」則是「藍色信仰」單元中，另一個最為精彩的部分，在這系列創作當中，謝貽娟直接使用顏料最原始的元素：礦石粉末，以自己的雙手直接在畫布上堆疊出彷彿光暈般的奇想光束。在這一系列作品當中，藝術家如同修行者般地透過自己的身體，透過各種實踐不斷地靠近自己心中的藍色信仰，包括透過畫筆堆疊出的藍色漸層亦或是回到身體感的創作形式，而這段過程亦映照出藝術家追求自我的創作生涯。

1967年出生於台灣嘉義的抽象藝術家謝貽娟，在去年結束了她50年的人生與創作旅程。同年11月的台北國際藝術博覽會中，采泥藝術即以「人們應該記住她的名字—謝貽娟」為題，由藝術史博士暨策展人楊心一主持學術研究，為謝貽娟的創作生涯作一個完整的詮釋與討論，之後展覽於11月22日開始，移師至采泥藝術的畫廊空間繼續展出。

謝貽娟的創作生涯大多以英國為主要的基地，1991年前往倫敦求學，1998年獲英國皇家藝術學院（Royal College of Art）碩士學位。2002年獲英國費爾茅斯藝術學院（Falmouth college of Art）藝術哲學博士學位後定居英國，2015年回到台灣，去年9月逝世於台北。