相較於以藝術風格與年代分期為主的傳統藝術史敘事，今年部分策展主題回到了1990年代以後的文化情境，關注世代差異、流行文化、身分政治與仍在發酵的集體記憶，藉此連結個人經驗、社會轉型與文化風格的形成。與此同時，過往持續受到關注的「去殖民」、「多元族裔」與「性別」等議題，亦未退居次要位置。值得一提的是，2026年亦可觀察到女性藝術家個展與回顧展明顯增多，相關趨勢可見編輯部另整理的延伸閱讀。
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另一方面，隨各大藝術基金會的角色日益凸顯，以及跨國巡迴展逐漸成為常態形式，也進一步改變展覽的生產條件與流通結構，使展覽內容與觀眾組成更趨多元，策展重心亦不再完全以公共美術館為唯一核心。在空間與組織層面，自去年末至今年初，陸續有館舍進入整修、擴建或重啟階段，連帶調整博物館的運作方式與展示條件。閉館期間的分散式展出，以及跨城市、跨機構的策展協作逐漸成為常態，也使展覽更頻繁以「網絡」而非單一場館為單位被規劃與流通。
綜觀2026年的全球展覽版圖，可見其呈現出一種持續調整的狀態：一方面透過藝術史的經典回顧作為展覽焦點，另亦藉由對世代與近史的觀察組織當代經驗；而橫跨歐、美與亞洲的巡迴展與跨館合作，則進一步擴大展覽的流通範圍與能見度，逐漸改變展覽被生產、觀看與理解的方式。
回顧經典
2026年，全球各大美術館似乎不約而同地以「全面回顧」為關鍵字，從文藝復興時期的經典之作，到現當代藝術的標誌性藝術家，聚焦於藝術史中的重要座標。三月，大都會藝術博物館（The MET）將率先迎來美國首度舉辦的拉斐爾大型回顧展「拉斐爾：崇高詩篇」（Raphael: Sublime Poetry，2026/3/29–6/28）。歷時七年籌備，展覽集結來自全球公私收藏的200餘件素描、油畫、掛毯與裝飾藝術品，其中多數作品從未同場展出，試圖重構這位文藝復興大師如何將人體藝術、宗教情感與政治理想熔鑄為一種近乎完美的視覺經驗。
年末，倫敦國家美術館（National Gallery）「凡．艾克：肖像畫」（Van Eyck: The Portraits，2026/11/26–2027/4/11）一展，則是史上首次將分散於歐洲各地、北方文藝復興代表畫家揚．凡．艾克（Jan van Eyck）存世的九幅肖像畫作（約佔其現存作品的一半）齊聚一堂，其中亦包括館方鎮館之寶《阿諾菲尼的婚禮》（Arnolfini Portrait），觀眾得以近距離觀看凡．艾克的肖像畫如何透過對細節與光線的處理，以及人物凝視的安排，逐步建立起早期寫實繪畫的視覺方式。
進入20世紀的現當代藝術，紐約現代藝術博物館（MoMA）將於春季推出自1973年以來首度在美國舉辦的「馬塞爾．杜象」大型回顧展（2026/4/12–2026/8/22）。展覽集結約300件作品，橫跨繪畫、現成物、裝置與出版品，系統梳理杜象於1900至1968年間如何持續拆解「藝術」的定義，並遊走於立體主義、超現實主義乃至普普藝術等多個現代藝術運動之間，不斷自我革新、刻意資相矛盾的創作方法。
同一城市中，惠特尼美術館（Whitney Museum of American Art）自去年展出並持續至今年三月的「高空走鋼索：卡爾德馬戲團百年慶典」，透過金屬絲雕塑、繪畫與檔案資料，回溯與杜象同時期的雕塑家亞歷山大．考爾德（Alexander Calder）自1930年代起，如何將馬戲團轉化為現代雕塑的實驗場域。與此同時，美術館亦將於今年推出「Roy Lichtenstein」大型個展，回顧這位普普藝術代表人物如何以商業漫畫式的視覺語言，形塑戰後美國藝術的圖像風格。
去（2025）年，適逢美國現代藝術重要人物羅伯特．勞森伯格（Robert Rauschenberg）百年誕辰，相關回顧展自年末啟動並多延續至今年中。古根漢美術館（Guggenheim Museum）「羅伯特．勞森伯格：生命無法停止」（Robert Rauschenberg: Life Can’t Be Stopped，即日至2026/5/3）以館藏十餘件關鍵作品為基礎，並結合勞森伯格基金會之重要作品借展，聚焦他對材料與媒材的激進運用及其跨界方法；亞洲方面，香港M+於「勞森伯格與亞洲」（2025/11-2026/4）特展中，系統梳理他與亞洲之間的創作往返與連結，亦為本波紀念展的重要延伸。
在歐洲，倫敦泰特現代美術館（Tate Modern）則延續畢卡索《三個舞者》（The Three Dancers）問世百週年的討論，推出由藝術家吳曾與策展人恩里克．富恩特布蘭卡共同策劃的「畢卡索劇院」（即日至2026/4/12）。展覽以「表演性」為線索，透過繪畫、雕塑、紡織品與紙上作品，呈現畢卡索如何長期著迷於舞台、表演與身體的可塑性，並將之轉化為一種不斷變形的現代主體。
同樣位於倫敦，肯辛頓花園的蛇形藝廊（Serpentine Galleries）則將於春季推出「David Hockney」近作展（2026/3/12–8/23），聚焦霍克尼近年對iPad數位繪畫的持續嘗試，以及他如何在新媒介中延續對觀看方式與時間感的探討。除代表作《月亮的房間》外，展覽亦將呈現長達90公尺的巨幅作品《諾曼地的一年》，描繪藝術家於法國舊工作室中經歷的四季變化，其中多數作品為首次在英國公開。
與此同時，蛇形藝廊每年最具象徵性的公共建築實驗「夏季展亭計畫」（2026/6/6–2026/10/25），今年則將由墨西哥建築事務所Lanza Atelier操刀，設計靈感來自起源於古埃及、後被英國園藝文化吸收的磚砌花園牆，採取蜿蜒如蛇的結構取代筆直立牆，以結構穩定性回應臨時建築的脆弱本質，也為倫敦市中心再添一處期間限定的公共空間。
而將視線移往歐洲其他城市，荷蘭阿姆斯特丹的梵谷美術館將以「黃色：超越梵谷的色彩」（2026/2/13–5/17），從著名代表作《向日葵》出發，以顏色為策展核心，延伸至十九世紀末的藝術、時尚、音樂與文學想像，同時邀請奧拉弗．埃利亞松以光線裝置回應「黃色」作為一種心理與感官經驗。
在法國南部，阿爾勒梵谷基金會亦將於四月推出「致文森：冬日童話」（To Vincent: A Winter’s Tale，即日起至2026/4/26），從他與高更等藝術家的書信出發，回望1888年後梵谷的創作與生活，其中包括向梵谷美術館借展的兩幅畫作；並透過21件來自不同藝術家的作品，呈現梵谷如何在短暫的生命中，對同期與後世藝術家產生持續而深遠的影響。
公共體系之外
這些橫跨數個世紀的大型回顧展，勾勒出當前美術館如何透過「經典」向觀眾呈現藝術史中的若干關鍵節點。而這股回望歷史、同時回應當代的動能，亦不僅發生在國家級館舍之中。近年來，各大藝術基金會逐漸成為展覽生態中另一股重要力量。在相對彈性的制度與資源條件下，提供不同於公共美術館的策展視角。位於米蘭的普拉達基金會（Fondazione Prada），以「莫娜・哈透姆：上方、下方和中間」（Mona Hatoum: Over, Under and In Between，2026/1/29-11/9）呈現藝術家對流亡經驗、身體政治與空間權力的長期關注。展覽以三件為基金會園區量身構思的特定場域裝置為核心，圍繞「網絡」、「地圖」與「網格」等哈透姆創作中的原型語彙，回應當代世界的動盪狀態與生存的不穩定性。
路易．威登藝術基金會（Fondation Louis Vuitton）則以典型回顧展路線，在去年延續至今年初的「Gerhard Richter」大型回顧展中（即日至2026/2/3），呈現德國畫家格哈德．李希特於2017年停止繪畫前的創作全貌；展覽自早期的攝影寫實繪畫出發，止於晚期抽象作品，以十年為節點梳理其風格變化，呈現一條「逐步離開繪畫」的創作軌跡。
整修與重啟
自2025年末起陸續有美術館進入漫長整修期，或於今年完成擴建後重新揭幕。甫於閉館整修、預計2030年重新開放的法國龐畢度中心（Centre Pompidou）已啟動「星座計畫」（Constellation）將部分館藏與跨域項目移至巴黎大皇宮、巴黎鑄幣廠與摩納哥格里馬爾迪會議中心等館舍展出；另亦確定將與西班牙、中國與比利時的美術館合作，並正與美國、澳洲、日本等機構洽談巡迴事宜，以國際巡迴展形式維持其作為文化平台的流動性。
位於紐約，剛結束整修週期的新當代藝術博物館（New Museum）則以擴建後的全新館舍重新開放，開幕首展「新人類：未來的記憶」（New Humans: Memories of the Future）集結約150位藝術家、作家、科學家、建築師與電影創作者，橫跨20世紀至今，在超現實與烏托邦想像之間往返，將「未來」視為不斷回寫「當下」的記憶工程，觀看人工智慧、生物科技與虛擬現實如何重塑當代感知？重思「人類」這一概念所指向的邊界。
世代經驗回望與轉譯
在技術快速改寫身體、感知與勞動結構的現實條件下，亦可觀察到部分策展視角並未一味指向未來，而是逐漸轉向對「近史」的重新整理。回望2025年，除了人工智慧對知識生產體系帶來的震盪之外，圍繞千禧世代與Gen Z的身分焦慮、文化品味與集體記憶等的討論，也逐漸從社群媒體擴散至藝術場域。
這種「向近史回看」的趨勢，首先顯現於對國族敘事的再檢視。紐約惠特尼美術館以館藏展「無題（美國）」回顧20世紀美國藝術的形成軌跡，從1900年至1980年代初的關鍵創作出發，梳理藝術家如何回應城市景觀、集體記憶、消費文化與大眾媒體的視覺政治，並以費利克斯・岡薩雷斯－托雷斯（Generative System）的《無題（美國）》為核心線索，將「美國」視為一個始終未完成的概念。
延伸閱讀｜溫柔的戰術 費利克斯．岡薩雷斯－ 托雷斯的滲透式美學
另一方面，將於年末在泰特不列顛（Tate Britain）登場的「The 90s」（2026/10/8–2027/2/14）則把時間焦點指向1990年代，回顧冷戰結束後英國社會短暫而劇烈的轉型時期：藝術、時尚、音樂與設計彼此滲透、階級界線鬆動，高雅文化與流行文化首次大規模交疊。從尼克．奈特（Nick Knight）、達米恩．赫斯特（Damien Hirst）到亞歷山大，麥昆（Alexander McQueen）與薇薇安．衛斯伍德（Vivienne Westwood），呈現一場圍繞風格、身分與權力結構重組的集體實驗。
而延伸至亞洲，日本國立新美術館與泰特合作的「YBA & Beyond: British Art in the 90s」（2026/2/11–2026/5/11）則將於年初率先登場，或可視為「The 90s」的前導展覽。聚焦19「英國青年藝術家」（YBAs，註）如何在柴契爾時代（1979-1990）後的社會裂縫中崛起，透過繪畫、裝置、攝影與影像回應消費主義、媒體環境與身分政治，呈現一個世代如何將不穩定轉化為創作語言，並逐步進入主流藝術體系。
去殖民與族群議題
另一方面對「近史」的回望，亦與當下的國際現實密切交織。回到2025年，中東局勢持續動盪、俄烏戰爭延宕未歇，難民移動、邊界管控與族群衝突再度成為全球政治的日常背景。在此脈絡下美術館既回顧世代轉折，重新理解當代社會如何成形；其策展視野亦延續既有關注，持續聚焦於「去殖民」與「多元族裔」等結構性議題。
紐約MoMA以「Wifredo Lam：When I Don’t Sleep, I Dream」（即日至2026/4/11）回顧展，梳理古巴藝術家林飛龍自1930年代以來的創作軌跡。展覽從其早期受歐洲現代主義影響的階段出發，經歷長達十八年的海外流亡，直至重返加勒比海後，轉而以非裔加勒比的宗教、神話與歷史經驗重塑自身語言，發展出一種帶有創傷記憶與文化復權意識的現代主義形式。
「非洲的理念：肖像畫與政治想像」（Ideas of Africa: Portraiture and Political Imagination，即日至2026/7/25），則聚焦攝影如何成為政治敘事的媒介。展覽回溯20世紀中期的攝影實踐，呈現攝影師與其拍攝對象如何透過日常生活與音樂場景，構築跨越國界的泛非洲想像；這些影像既是個人肖像，也是一種集體宣言，映照出獨立運動高漲之際，文化如何先於政治凝聚共識。
倫敦泰特現代美術館的「奈及利亞現代主義」（Nigerian Modernism，即日起至2026/5/10）則將此一脈絡進一步擴展為跨洲際的藝術網絡。展覽橫跨扎里亞、伊巴丹、拉各斯、埃努古，以及倫敦、慕尼黑與巴黎等城市，集結五十餘位藝術家的繪畫、雕塑與混合媒材作品，呈現冷戰時期奈及利亞藝術家如何在殖民教育體系與本土文化傳統之間，發展出高度混血的現代性。而在V&A博物館的「音樂是黑色的：一個英國故事」（The Music Is Black: A British Story，2026/4/18開幕）中，則聚焦於英國黑人音樂在英國發展的125週年，揭示其如何跨越四大洲、歷經百餘年進而塑造英國文化。
館際合作、巡迴展的常態化
回到亞洲，近年不少美術館的年度重點展覽，皆可見與歐美的館際合作與既有巡迴展的引入。以東京為例，今年多檔重要展覽皆建立在跨館合作與國際借展的基礎之上。國立西洋美術館以「丘爾廖尼斯回顧展：內在星圖」（M.K. Čiurlionis, The Inner Constellation）呼應這位立陶宛國寶級藝術家誕辰150週年紀念，借展立陶宛國家丘爾廖尼斯美術館80餘件油畫與版畫藏品，呈現這位兼具作曲家與畫家身分的創作者，如何發展出帶有民族認同意識的視覺語彙。
另一展覽亮點「版畫家林布蘭：挑戰、繼承與影響」（Rembrandt the Etcher）則以阿姆斯特丹林布蘭故居博物館與國立西洋美術館典藏為核心，結合日本各地館藏與國際私人收藏，梳理其版畫實驗及其對後世的影響。
同屬跨館合作，國立西洋美術館於年末將推出重量級展覽「 羅浮宮館藏文藝復興傑作」（2026/9/9–12/13）則精選50餘件繪畫、雕塑與裝飾藝術作品，並在睽違52年後，再度將達文西真跡《美麗的費隆妮葉夫人》（La belle ferronnière）於日本展出；橫濱美術館則將呈現由V&A博物館策劃、已於歐洲引發關注的國際巡展「Marie Antoinette Style」，透過服飾、珠寶與家具，回顧瑪麗．安東尼在時尚與設計史上的長期影響。
而今年，適逢東京都美術館創館100週年，館方則將陸續推出包括「北歐之光：瑞典國家博物館典藏展」在內的四大特展，以1880至1915年間瑞典藝術黃金時代為主軸，從「自然」、「光」與「日常生活」等關鍵詞建構北歐藝術的文化形象，並同步展出「安德魯．魏斯 邊界或窗戶」、「百花撩亂－跨越國界的江戶繪畫」與「奧塞美術館館藏展」。
森美術館則以「Ron Mueck」大型個展，呈現澳洲超寫實雕塑藝術家讓．穆克早期至近年的11件作品，其中6件為日本首度展出，並以沉浸式方式重現由100顆巨型骷髏構成的裝置《Mass》，同場亦展出法國攝影師、導演Gautier Deblonde拍攝的工作室影像，補充其創作過程。
在日本之外，也可見東亞館際間的穩定合作。由香港M+與首爾Leeum美術館聯合主辦的「李昢：一九九八年至今的創作」（2026/3/14–8/9），回顧南韓藝術家李昢自1990年代末以來的關鍵實踐，展出逾200件作品，涵蓋「我的宏大敘事」與「賽博格」等系列。而此展下一站，亦將續巡迴至安特衛普當代藝術博物館與加拿大國立美術館。
從東京到香港、首爾，再延伸至歐洲與北美，可以觀察到館際合作與國際巡迴展正逐漸成為美術館運作中的常態形式。在某種程度上，也重新界定了「展覽」於當代美術館體系中的角色。其所涉及的層面，已不僅限於藝術家與作品的展示方式，同時牽動機構聲譽、借展網絡、資源配置與跨館合作等多重層面。
註 「青年英國藝術家」（YBAs）通常用以指稱一群鬆散的英國藝術家群體，他們從1988年開始共同舉辦展覽，並以其對材料和工藝的開放態度、前衛的創作手法和創業精神而聞名。許多活躍於1990年代的藝術家都拒絕接受這個標籤。
章郡榕（Chun-Jung Chang）( 60篇 )