在雕塑中創造詩性空間：黃麗音於貝浩登（東京）「當相遇發生時」

觀看黃麗音的雕塑，實則是一場意義的解碼與再編碼的動態過程。作品的語彙，讓其意義在「抹除」與「賦予」之間持續游移，並隨著時空的介入，長成無法預知的驚喜。這種特殊的觀看型態，不禁讓人聯想到羅蘭・巴特在《明室》中探討的攝影哲學。他的創作並非簡單地停留在可被文化符號化、具備普遍意義的知面（Studium）層次——即作品在客觀層面所展現的跨國經濟產業與文化殖民的歷史註腳。更關鍵的是，那些往往在觀者記憶的綿密皺摺之處，召喚出只屬於個人的、難以言喻的情感共鳴，成為難以被定義、卻能強烈「擊中」觀者內心的刺點（Punctum）。

詩歌與小說的分野，並非僅是文體差異，而是一種對語言本質的根本性思維取向。詩的語言拒絕遵循約定俗成的語法邏輯，以一種非固定、挪動、游移甚至跳躍的方式，為詞語的排列「創造新的規則與意義」，甚至是對既有知識體系進行顛覆。而這種詩的「暴力」，讓語言得以擺脫線性邏輯的束縛，挑戰原本追求穩定、確定意義的傳統使命。

有「材質的詩人」著稱的藝術家黃麗音，他的作品透過現成物與可塑性材料拼貼，從人們普遍共享的經驗中汲取靈感，再以時而失序、時而延續其象徵意義等多重方法，如同「詩」般製造了物件與材質間溫柔的衝突、困惑與張力，展現其不斷變化的意涵。今年（2025）九月，黃麗音也與國際畫廊貝浩登展開合作，於東京六本木貝浩登（Perrotin Tokyo）帶來全新個展「當相遇發生時」，結合自身跨國經驗與對日本本地的觀察，以獨特的創作語彙為觀者帶來一場開啟想像的跨文化時空漫遊。

黃麗音「當相遇發生時」貝浩登（東京）一樓展覽現場。圖／貝浩登提供。攝影：Osamu Sakamoto。Courtesy of the artist and Perrotin. Photo by Osamu Sakamoto.

傳統意義與感性經驗的碰撞

出生於臺灣、常駐倫敦的黃麗音，無疑對於跨國文化與全球經濟產業的形貌並不陌生。2022年「臺北美術獎」首獎作品《蒸蒸日上》即探討人類飲食文化中的資本與勞動系統；2024年於英國倫敦泰特不列顛美術館（Tate Britain）個展「Art Now: Steph Huang: See, See, Sea」則實際走訪英國各地，田野全球貿易對當地漁業、社區及消費者的影響，質疑超市貨架上隨手可見的食品背後複雜的層層結構；今年於臺北市立美術館的個展「Lili Deli 麗麗食品」以臺灣常見的小吃文化為題，反思消費主義所催生的快速、便利景觀。不過，黃麗音的創作並非是直接再現全球化的問題，而是以眾多碎片式、柔軟的感性經驗，允許觀者從各自文化脈絡來回應當代現況。

這次在東京的「當相遇發生時」，結合他對東京的觀察，並初次在展覽裡帶入「可愛（Kawaii）」的概念，不僅指涉了泛亞洲文化對「可愛」的著迷，也在作品構成中回應日本獨有的文化符號。事實上，黃麗音的展覽總是會隨著所在地的文化來進行調整，他將自己的身體視為一個載體，廣泛吸取不同的感知後再次輸出。他觀察到臺灣至今仍留有許多日本殖民時期的影響，再加上日本向外輸出的流行娛樂與影視文化等，幾乎是已經融入到臺灣人的血液中，當然也包含了自己。然而，雖然他沒有經歷過日本殖民時期，但在殖民傷痛後，要直接將這樣的文化美好想像複製進展覽中，對他而言是非常弔詭的。

他在展覽中刻意使用擁有多重符號的物件，來製造觀看同一物件時，因地域文化脈絡所產生的「差異」。作品《Momotarō ii》以玻璃和銅製作了一顆鮮豔的橘紅色桃子，象徵日本文化中耳熟能詳的《桃太郎》故事，而回到他成長的臺灣脈絡，桃子反而讓他想起生日蛋糕上時常出現的醃漬水果，水果背後代表的是當時臺灣舶來品產業鏈的發達，以及因爲昂貴只有在特殊時刻才會出現的珍稀食品。《Pachin Pachin》則以日本柏青哥遊戲場為起點，同時也回應臺灣夜市時常會出現的彈珠台遊戲機。散落在展場地上的《Collision of Fate》則以圓潤的玻璃造型模擬日本的扭蛋文化，也隱喻著消費社會的欲望泡泡。另一《Dance in the Cosmos》中使用的「壁紙」，甚至是來自藝術家爺爺奶奶家的牆壁，回應了臺灣某時期模擬西方現代性的建材流行，也乘載著家庭生活的私人記憶。

黃麗音《Momotarō ii》。圖／貝浩登提供。攝影 Osamu Sakamoto。Courtesy of the artist and Perrotin. Photo by Osamu Sakamoto.

除此之外，黃麗音也善於挖掘具有特殊意義的物件與視覺符號，包含異地之間彼此的模擬與想像，以及物件如何折射出跨國經濟殖民等現象。《Dance in the Cosmos》（2025）黃麗音刻意以幾何圖像的編排，設計一種具有無限往前的視覺感受，來回應日本1970－80年代流行的音樂風格city pop，此音樂風格以融合西方都市感聞名，而其中也有一脈絡是使用合成器、電子節奏以及充滿異國情調的旋律，營造出如在未來都市或太空中遨遊的氛圍。《The Column of Fortune》（2025）他在羅馬柱臺座上擺放著以銅製作的幸運餅乾，幸運餅乾是一種流行於西方的亞洲風味脆餅，裡面包有類似箴言的字條，或是印有幸運數字，但實際上在華人地區並沒有這種食物習俗。《In a Rich Tomato Sauce》（2025）中的鯖魚罐頭與玻璃製蝦子，連結了日本、臺灣、英國都深受海洋文化的影響，尤其英國在1812年設立全球第一家食品罐頭工廠，臺灣則在日殖時期建立漁業，並由日本專家傳授研發各種魚罐頭。罐頭不只是日常飲食的記憶，其背後更有跨國經濟殖民的歷史意味。

黃麗音《In a Rich Tomato Sauce》。圖／貝浩登提供。攝影 Osamu Sakamoto。Courtesy of the artist and Perrotin. Photo by Osamu Sakamoto.

黃麗音《The Column of Fortune》（局部）。圖／貝浩登提供。攝影 Osamu Sakamoto。Courtesy of the artist and Perrotin. Photo by Osamu Sakamoto.

雕塑是在製造空間

另一值得關注的是，黃麗音在材質的選用與現成物造形上，並非是遵循著某種特定邏輯，在《A Pause Button》、《Mediterranean Sea》他並置了從地中海取得的海膽外殼和玻璃吹製的泡泡，似乎早已安排好在有機與無機的材質中共同顯現某種脆弱性。不過黃麗音卻坦言，自己的創作過程並非如同傳統雕塑般，依循著擬定好的草圖將作品完成，而是在生活的過程中作為一位觀察者，對物件保有開放與好奇的態度，並仰賴長時間與物件相處、甚至是在工作室的發呆時光，等待著無法被預測的靈感現身。如同他也刻意逆反當代社會快速生產的邏輯，透過親力親為、耗時的學習與製作，取代工廠與專業技師的介入。

黃麗音《Mediterranean Sea》。圖／貝浩登提供。攝影 Osamu Sakamoto。Courtesy of the artist and Perrotin. Photo by Osamu Sakamoto.

而那無法切卻描述、沒有具體最終目標、高度仰賴時間的方法，都在藝術家身上成為一種創作經驗的累積，成為黃麗音的美學判斷。

這樣的美學判斷甚至也展現在展覽現場的空間調度，對他而言，雕塑是在製造空間。他的作品不只是在展場中單純「展示物件」，而是與空間持續互動的成果。他不僅會直接在現場調度作品的型態，也會回應地域的特性，使其在不同的時空中長成階段性的獨特樣貌。像是東京的都市空間雖然住商分離，但只要轉過一個街區，就會馬上出現林立的商店，而他在展覽空間的設計上，也以此為靈感，結合樓下展間水泥地板與白牆的設計，將一樓定調為較有現代都會感的空間，二樓因其木質地板與接待空間的特性，則呈現模擬居住空間般較溫潤、私密的靜謐風格。

黃麗音「當相遇發生時」貝浩登（東京）二樓展覽現場。圖／貝浩登提供。攝影：Osamu Sakamoto。Courtesy of the artist and Perrotin. Photo by Osamu Sakamoto.

無獨有偶，作品《Urban Symphony》（2025）在展場中懸吊著一個空的鳥籠，並在其中放置會發出鳥鳴聲響的裝置。觀眾雖不見鳥的形態，卻能透過聽覺經驗勾勒出鳥存在的意象，此經驗更連結到東京交通號誌的電子導引聲音。在日本高度規訓的社會中，鳥鳴早已等同於允許行走的聲音，刻寫在人們身體中。黃麗音也透過這樣的捕捉，企圖模糊展場與外部都市空間的界線。

黃麗音《Urban Symphony》。圖／貝浩登提供。攝影 Osamu Sakamoto。Courtesy of the artist and Perrotin. Photo by Osamu Sakamoto.

有刺點的雕塑

觀看黃麗音的雕塑，實則是一場意義的解碼與再編碼的動態過程。作品的語彙，讓其意義在「抹除」與「賦予」之間持續游移，並隨著時空的介入，長成無法預知的驚喜。這種特殊的觀看型態，不禁讓人聯想到羅蘭・巴特（Roland Barthes）在《明室》（Camera Lucida）中探討的攝影哲學。他的創作並非簡單地停留在可被文化符號化、具備普遍意義的知面（Studium）層次——即作品在客觀層面所展現的跨國經濟產業與文化殖民的歷史註腳。更關鍵的是，那些往往在觀者記憶的綿密皺摺之處，召喚出只屬於個人的、難以言喻的情感共鳴，成為難以被定義、卻能強烈「擊中」（pierce）觀者內心的刺點（Punctum）。