藝術展演

高雄金馬賓館「塵與金」特展，藤村真 × 道川省三共譜光與重生之旅

金馬賓館當代美術館 9/28 推出年度大展「Dust and Gold 塵與金」，由日裔美籍藝術家藤村真與日本陶藝家道川省三首度在臺聯展。展覽以「材質 ✕ 生態」為核心，串連礦物顏料與陶土火焰，呈現修復與重生的意象。藤村真以近百層礦物堆疊，讓光自畫布深處綻放，如時間的祈禱；道川省三則以摔打、旋轉與落灰技法，讓陶土展現火山般的能量。展覽透過三大篇章空間設計，引導觀者從靜默的微光、穿越裂痕與混亂，最終抵達信念的平靜。

朱佑霖（Chu Yu-Lin）

2025.09.27

金馬賓館：從軍事驛站到當代藝術館

走進高雄鼓山哈瑪星，金馬賓館當代美術館佇立在山海交會之處。這棟建於 1967 年的戰後建築，原為軍友社興建後轉贈國防部。1967 至 1998 年間，來自全臺的青年在此報到、等候啟航，成為金馬前線軍人與親屬道別、重逢的場域，不安與堅毅交織於這棟建築之中。在冷戰陰影下，「金」「馬」象徵金門與馬祖，如同柏林圍牆與北緯 38 度線，皆是地緣政治的歷史符號。隨著兩岸戰事逐漸平息，金馬賓館於 1998 年退役，轉由交通部鐵工局使用，直到 2012 年搬遷後再度閒置。

2016 年，高雄市政府公開招標，由永添藝術承接修復與營運，歷時兩年完成建築規整與文史調查，還原當年的建築風貌：洗石子外牆、二丁掛磁磚、花磚圍籬被重新整理，迴廊由「ㄇ字型」改造為「口字型」，光線引入空間，使館舍重新呼吸。2018 年底，金馬賓館以「當代美術館」之姿重生，不再是離愁別緒的見證，而是承載新時代文化創造的搖籃。

「Dust and Gold 塵與金」：材質的詩性與自然

2025 年秋，金馬賓館推出重量級特展——「Dust and Gold 塵與金」。延續館方對「材質」的策展關注，本展繼年初「天穹之眼」探討「材料 ✕ 智慧」後，再度回到「材質 ✕ 自然」的命題。

（由右至左）展覽策展人李晏禎 Jenny Lee、展覽發起人兼策展人邵雅曼 Yaman Shao、展出藝術家道川省三 Shozo Michikawa、展出藝術家藤村真 Makoto Fujimura、學術主持張志龍 Richard Chang。（© 金馬賓館當代美術館 ALIEN Art Centre）

策展人邵雅曼指出，當代藝術界從倫敦設計雙年展「Surface Reflections」到 Tate Modern、Guggenheim 的展覽，都不斷探討「物質」如何在藝術語境中被使用與再現。「塵與金」正是在這樣的國際脈絡下，邀請觀者把作品視為「可被閱讀、修復與再生的材料地圖」，並透過藝術家之眼重新思索人與物、技術與自然的關係。

展覽邀集兩位重量級藝術家——日本陶藝雕塑家道川省三（Shozo Michikawa）與日裔美籍抽象表現主義藝術家藤村真（Makoto Fujimura）。兩人雖分屬不同領域，卻同樣以材質為信仰，將自然的能量、時間的痕跡與精神的追尋，凝結為獨特的藝術語彙。本次不僅展出藤村真近年來最具代表性的作品系列，也標誌著道川省三首次在臺灣的大型展出。值得一提的是，本展展期橫跨一年，特別分為上下兩部：

• 光之篇章（2025.09.28–2026.04.06）以「光如何誕生」為題，聚焦於修復與希望；
• 力之篇章（2026.04.15–2026.08.30）則探問「力如何成形」，呈現時間與手勢的交織。

如此安排，讓展覽不僅是一場單次的觀展經驗，而是一段隨時間推移、逐步展開的修復與重生的旅程。

道川的創作靈感源於大自然地形、生態、季節、植被，乃至個體的生命形態和底層紋理，理解生命的無常並轉換新生，本件作品在窯燒內燒製了三天三夜完成。（© 金馬賓館當代美術館 ALIEN Art Centre）

道川省三：與自然共生的陶土語言

1953 年出生於北海道的道川省三，自幼在火山與湖泊環繞的環境中成長，20 多歲時親歷有珠山火山爆發，目睹灰燼覆蓋城市的震撼景象。這段經歷深刻烙印在他心中，成為其藝術創作的精神底色。在開幕講座中他提到：「我的背後是強壯噴發的火山，前方卻是一大片平靜的湖泊。這種對立深深影響我的作品——既有力量，又有寧靜。」

道川的作品以陶土與火焰為基礎，強調材料的不可控性，作品以穴窯（anagama）、瓦斯窯等不同方法燒製。他深知陶土在燒製過程中會膨脹、收縮、斷裂，於是透過鐵線切割、木棒推壓、重複摔打等方式，讓陶土顯露「自然意圖」。他提到，許多人在創作時總想要完全掌控陶土的形態，但對他而言，陶土像是一位朋友，有其自由的意志與方向。他不會試圖馴服或過度雕琢表面，而是選擇從作品內部施加扭轉的力道，順著泥土自身的力量來塑形。這種方式讓作品在旋轉與變形的過程中自然生成，帶著偶發與不可預測的特質

在他的作品裡，螺旋翻騰的塔狀器皿、覆以乳白色粉引釉的表面，或是炭化黑色的瓶形雕塑，都蘊含自然劇變的力量。這些造型既粗獷又穩重，既像火山爆發的能量，也像湖面反射的靜光，置於茶室壁龕或當代展廳中，皆能自成風景。

道川的創作靈感源於大自然地形、生態、季節、植被，乃至個體的生命形態和底層紋理，理解生命的無常並轉換新生。（© 金馬賓館當代美術館 ALIEN Art Centre）

除了藝術實踐，道川更將理念延伸至文化復興。他創辦笹間國際陶藝節，邀集國際藝術家進駐靜岡山區，與村落共生共創，藉此為人口外移的社區注入新能量。他認為藝術不僅是形式的呈現，而是土地記憶與社群力量的凝聚。

另外，他也提到自己從制式教育中解放的過程：年輕時習慣依循傳統技法製作相同器物，但隨著實踐，他選擇拋開規範，發展出能在拉坯盤上創造方形、三角形的技術，甚至讓陶土在旋轉中自由扭曲，呈現不可預測的姿態。他強調，創作的關鍵不是掌控，而是與自然保持對話，接受材料帶來的驚喜與失望。

道川省三的作品有如自然所創造的生命體，土壤在高溫燒製後產生的結晶在光線下折射出不同的質地。
本件粉引（Kohiki）釉色《Kohiki with gold Sculptural Form》以素樸白釉為基底，風格源自韓國的「粉青瓷」，為道川最喜愛的顏色。（© 金馬賓館當代美術館 ALIEN Art Centre）

因此，道川省三的作品不僅是陶土與火焰的結晶，更是一種與自然能量共舞的見證。他的藝術，既源自對土地與自然的敬畏，也體現了創傷與修復並存的生命哲學。

藤村真：光與時間的祈禱

1960 年出生於美國波士頓的藤村真，早年主修動物學與藝術，後赴日本東京藝術大學深造，師承戰後藝術家加山又造，與村上隆、千住博並肩學習。他長年以日本畫技法為基礎，使用天然礦物顏料——如金箔、孔雀石、雲母粉——在畫布或和紙上反覆堆疊，透過水分控制與緩慢乾燥，使色層自然顯影。

他的作品往往散發出一種靜謐的光澤。銀箔隨時間氧化變化，令畫面成為「時光的載體」；粗顆粒礦物的折射則引導觀者反覆凝視，進入靜觀與默想。藤村特別關注「破碎與修復」，受日本金繼美學啟發，將創作視為一種信仰行動——在不完美中修補，並以藝術付諸關懷。他的《Walking on Water》系列正是對「如何在混沌與不確定中持守信念」的探問。

巨幅作品《光之寂靜》，使用單色的牡蠣殼表現光（Aura)，與道川省三的作品相呼應。藤村真透過藝術形式保存古老工藝，如雲積紙、礦物原料，並帶動新一代創作者共同關注創作日本畫的媒材。（© 金馬賓館當代美術館 ALIEN Art Centre）

在東京藝大的學習，使藤村與日本琳派建立深厚連結。琳派以金銀箔展現華麗與靈性，老師加山又造曾示範純金能被陽光穿透、散發聖潔光彩，讓他聯想到《啟示錄》中「以純金鑄成的新耶路撒冷」。這段經驗深刻影響他的方向，使金屬在作品中成為神性與聖光的象徵。他延續琳派「以華麗呈現精神光輝」的傳統，並轉化為當代語言，結合信仰、修復與文化關懷，開展新的精神層次。

延伸閱讀｜如光的行者　藤村真

在開幕講座中，藤村回顧自己在 1990年代紐約的創作背景。他指出，當時「美」在藝術圈幾乎被視為禁忌，但他認為在黑暗時代，更需要藝術去創造美。他舉例受啟發的兩位藝術家：一位是黑死病時期仍持續創作的修士畫家，另一位是戰後在黑暗中追尋靈性與色彩的馬克・羅斯科。藤村強調：「對我而言，藝術就是對黑暗的回應，作品是一種祈禱，也是抵抗。」

在美國社會與政治分裂嚴重，掀起文化戰爭的背景下，他提出「文化關懷」（Culture Care）的理念，主張文化不是戰場，而是孕育生命的土壤。911 事件後，這一理念對他更顯迫切。他本人正是事件的倖存者——當天因大樓倒塌受困於地下鐵，僥倖逃生。這段經歷讓他更深刻體會創傷與修復的真實，也使「文化關懷」不只是理論，而是刻入生命的信念。

在鏡面反射中，藤村真與道川省三的作品彼此映照。在這裡，每當下午太陽西照的時候，陽光便會進入展間，作品的畫面與姿態和後院的地景相呼應，展現自然的生機。（© 金馬賓館當代美術館 ALIEN Art Centre）

他在雙子星遺址旁舉辦茶道活動，受千利休的茶道精神啟發，以一杯茶為這片地區的居民帶來片刻平靜。他說：「雖然我們的力量微小，但只要能帶來一絲安寧與希望，那就是藝術存在的理由。」

藤村不僅是藝術家，更是思想家與文化實踐者。他創立 IAM Culture Care 國際藝術運動組織，持續推動藝術、信仰與文化的深層對話，並將藝術的使命延伸至人道救援與社會修復。他著有《藝術與信仰》、《沈默與美》、《文化關懷》等書，為當代提供面對不確定與裂痕的另一種理解路徑。

展覽三大單元：在塵與金之間

「Dust and Gold 塵與金」透過三個篇章的鋪陳，引導觀者從材質的微光，走向破碎的重生，最終抵達信念的平靜。展場燈光亦隨之轉換——由幽暗到微亮，再到明敞——如同穿越時間與物質的一場旅程。

在這裡，「塵」象徵無常與日常，是物質風化後的延續與殘餘；「金」則寓意光的閃現與信念的沉澱，是不被銷蝕的靈性回聲。兩者看似對立，卻在時間的流轉中彼此交織，既是消散，也是轉化。從礦物的微觀結構，到陶土與顏料的肌理，再到藝術家持續的創作行動，材質不僅是媒介，更是一種思索世界的方法。展覽邀請觀者放慢步調，隨著呼吸去感知作品，見證裂縫與縫合如何在眼前展開。