點將三劍客，再掀熱潮　春拍亮點搶先看

關於顏色的應用，趙無極表示：「我不需要去找其他題材，也不必一定要用某種顏色。能適當表現我的憤怒的，並非是某一種色彩，而是色彩間的關係：它們如何混合、如何對立、如何相愛、如何相斥。」在趙無極認為「顏色就是光線的概念」之下，《02.11.59》讓觀者像是身處在峽谷，從兩邊峭壁之間突然露出一道黃色光芒，呈現出自幽暗中探看未來的感覺。而《14.12.59》上半部的紅色呈現出日出效果，透過畫面中間的白色與下半部的黑色產生一種連結與對照的關係，而在白色之中的紅跟黑交錯融合狀態，在細節描繪的張力非常強烈，帶有火跟熱意象的光線效果。至於《10.11.58-30.12.70》則帶有雷電的能量感覺，細碎的白色在黑暗中忽隱忽現，以視覺效果談論時間感。這幾張作品都帶有自然的提示，非常典型地呈現出趙無極所欲追求的看不到的無形力量，透過色彩的演繹變化達到磅礡而細膩的動勢，正如他所言：「想藉對比和同一色彩的多重震顫使畫布躍動起來，要找到一個放光的中心點」。

朱德群繪畫超脫物象，並以饒富音樂性的韻律感躍然畫布之上為人著稱，藝術史學者蘇利文（Michael Sullivan）曾評論，「從他那栩栩如生的筆路中，我們可以默讀到如雲、如浪潮、如開天闢地的混亂中宇宙的旋律」。在本次上拍的《第51號-萬家掩映翠微間》、《第182號　碩果》的濃烈底色與上層深黑線條與色塊狀撞擊出深厚而壯闊的生命悠遠之感，而《第81號》、《第221號》以黑白色調為主，更可看出透過單純筆墨的運行所呈顯的雄渾氣勢。

在1947年自法國返回中國的吳冠中，對於東西藝術的融合試驗始終未輟，在他一生繪畫行旅長達半世紀的過程中，極少照搬再現眼前景物，他往往先進行觀察，甚至「跑遍山前山後，村南村北，然後在腦中綜合、組織形象、挖掘意境」。他從寫生中抽取物件最根本的點、線、面元素，透過以簡馭繁的布局將山川林木呈現出前所未見的全新風貌。有如《江南村鎮》、《盆景海》以黑白調性為主的表現，亦有重彩《灕江新篁》、《墻上秋色》的景觀描繪。

在1974年始投入水墨創作的吳冠中曾說，「我早期（學生時期）主攻油畫，兼攻傳統國畫，在這東西兩大畫種間水彩起了溝通作用，曾是我藝術生涯的鵲橋。油彩之彩，水墨之水，邂逅於小小水彩畫中，朝暮相處，情意纏綿……油畫、水彩、水墨，三家門下輪來。油畫中的中國情調，水墨中的西方風貌，近朱赤，近墨黑，相互影響往往並不自覺。」畫面上濃淡疏密錯落的線條與色點，亦遊走在具象與寫意之間。

而朱沅芷的《歡樂節慶的百老匯》具有時代意義和其成熟風格之揭示。這件作品為朱沅芷「共色主義」（Synchromism）以後的作品，將共色時期的冷、暖色調之色塊相互組合，而陰影與建築結構的對比關係也呈現出鮮明的街景活力。

在東南亞藝術版圖中，身為南洋藝術畫派的女先鋒張荔英，曾於1985年獲頒新加坡文化獎，其作品已多獲美術館藏，本次上拍的《靜物與紅毛丹、山竹果與菠蘿》，以素雅細膩的畫風呈現主題鮮明的南洋意象，亦是市場上難得一見之作。而近年在拍場上屢屢譜寫個人拍賣高價紀錄的菲律賓女藝術家安妮塔‧馬賽賽‧荷，則在本次推出《番茄採摘》，藝術家擅長描繪女性認真投入勞作的情景，她們堅毅的形體與意志散發出崇高的生命態度，將尋常的農事昇華至另一境界。而越南藝術家黎譜的《少女品茶》傳遞出一股閒適之感，其溫婉畫風也獲得不少擁戴。將在春拍登場的草間彌生《No. F. C. H.》以濃烈的橘紅底色覆以藍色的網格線條得緊緊擒獲著觀者的目光與心思，這是草間彌生最早於紐約獲得注目的「無限的網」系列，在1959年獲得美國極簡主義藝術家唐納德‧賈德（Donald Judd）撰文盛讚其呈現出「既複雜又簡單的效果」。始自於幼年便困擾著草間彌生的幻覺景象，她曾表示：「我筆下的網不僅超越自己更超畫布本身。這些網一直延伸至牆壁、天花板，最終覆蓋整個宇宙。」而本次上拍之作更是草間彌生於1990末期最具指標意義的「Love Forever: Yayoi Kusama, 1958-1968/In Full Bloom: Yayoi Kusama, Years In Japan」美國與日本巡迴展中，所展出的「無限的網」系列作品之一，這件擁有重要展覽資歷的作品將在本次首度在拍場曝光。而奈良美智本次上拍的《In the Pinky Lake》在創作形式與尺寸都與去年秋拍登場的《MIA》一作相當，後者更在當時拍出2290萬港元的亮麗成交價，而本件作品的色調柔和，女孩造型益發討喜。

在日本藝術家方面，除了眾所熟知的草間彌生與奈良美智之外，山田正亮（MASAAKI YAMADA）也將在本季春拍首度搶灘夜場，而擅以浮世繪風格直指社會議題的寺岡政美（MASAMI TERAOKA）亦會有一系列奇想式作品登上日場。

在東京國立近代美術館於2016年12月為其舉辦的「endless 山田正亮的繪畫」一展中，形容他是「一位將繪畫與生活融為一體的藝術家，從藝術的潮流裡走出來，在寂寞中繼續畫畫」。在風起雲湧的的日本戰後藝術環境中，山田正亮從未參與過任何團體或流派，他以嚴謹自持的態度創作了多達5千件作品。

1929年生於東京的山田正亮，創作歷程可區分為三大階段，一是在二戰後「Still Life」系列（1948-1955），以靜物的描繪反映出在戰爭時受到死亡寓意之衝擊；第二階段則是進行最久的「Work」系列（1956-1995），初期以阿拉伯風格的複雜圖騰作為表現，而自1958年前後開始轉化為格紋、十字紋與條紋形式，並針對最常繪製的條紋整理了逾2000頁以上的創作手札；第三階則是以單色填滿畫面的「Color」系列。在持續時間長達40年的「Work」系列中，他將1950年代的創作，命名為「Work B」、1960年代則是「Work C」，依序類推至1990年代為「Work F」。本次於春拍夜場亮相的《Work C. 135》，顏料滴流的狀態、色塊彼此的連結關係皆隱含在看似重複的條紋水平排列的表面之下，潛藏其中的力量待人發掘。

而在本次春拍夜場中的西方當代藝術拍品的小專場「融藝」也是陣容堅強，並且在其創作概念與媒材所形成的多重隱喻，也與東方藝術形成豐富的對比。例如：極具影響力的德國藝術家李希特（Gerhard Richter），而他的繪畫涉及到雕塑的概念，而印度裔英國藝術家卡普爾（Anish Kapoor）的雕塑有強烈的影像意象在上面，亦不能單純以雕塑視之，而本次上拍的《Mirror》不同於多數鏡面不鏽鋼的光潔表面而折映出明晰的影像，這件帶有藍色調性的作品，也與中國水墨的溫潤內斂達到某種程度的呼應。此外，還有近年以殖民文化的生存、認同等議題在迅速累積出知名度與展覽經歷的越南裔丹麥藝術家傅丹（Danh Vo），也將首度在夜場上拍，除此之外，在中國當代藝術家則有曾梵志、周春芽與王懷慶，另外也有較為年輕的袁遠與黃宇興。東西方藝術家在近似作品主題的對話也將會碰撞出不同的火花，例如：李奇登斯坦（Roy Lichtenstein，與奈良美智的併置。Peter Doig的作品跟白南準放在一起，也會看出一種整合式、拼貼式的比較，呈現出多重意義聚焦在人體主題的探討。而白南準在本次上拍的作品《Alexander the Great》，曾於威尼斯雙年展展出，獨特性跟代表性都相當具分量。

拍賣｜2018.05.25-30

地點｜香港會議展覽中心（香港灣仔博覽道1號）

去年的亞洲藝術市場無疑是「趙無極年」，在狂草旋風的席捲下持續堆疊出拍賣新高紀錄。而在本次佳士得香港春拍又再度集結一系列趙無極精采之作，而這次作品明顯著重在藝術家所實踐的「顏色就是光」概念，徵集年代跨距從1950年代晚期至1990年代初期，呈現出趙無極豐富多變的色調運用與思維。

除此之外，「法蘭西三劍客」趙無極、朱德群與吳冠中也將連袂登上夜場，這三位亦皆畢業於杭州藝專，更是本次春拍不可錯過的一大話題，他們橫跨東西兩個文化追尋與實踐他們的藝術，呈現出的創作風格與畫面儘管殊異，但在思考上都與中國傳統有著無法斷開的深厚連結。

法國詩人畫家亨利．米修（Henri Michaux）對趙無極的創作曾評論道：「趙無極的作品有種輕盈感，這種無重狀態用在其他地方會引起疑慮，而且是蓄意營造的……不忠實地精確，（精密的鋸齒線型）構成了整個風景，卻未曾跟著重量走。帶著最精緻如麥稈般的錯綜複雜，讓遙遠之地變得快速可及……在掩飾之際卻又明示。擾亂了直線，使其開始波動，在大師冥想著這段步道的蜿蜒，以及他以夢為師之畫筆的飛行軌跡，正是趙無極的表象……」正如創作於1955年甲骨文時期的《雪花飛舞》，光線像空氣一樣，飽滿充盈在空間當中，使文字像是飄浮般，呈現出漫天飛揚的效果。

自1959年自香港之行回到法國後，趙無極即宣告：「我要畫一種看不見的東西：生命之氣、風、動力、形體的生命，色彩的開展與融合。」返回巴黎後的創作，可見到更明顯書法的影響，也標誌著他在生命與藝術歷程上進入一個嶄新的轉向。