鹽月桃甫140週年「島嶼之色」展，從順益典藏看臺灣美術的百年色彩

2026年，是日籍畫家鹽月桃甫（Shiotuki Toho, 1886-1954）誕辰140週年，順益台灣美術館以此為契機，策劃了「島嶼之色」典藏展。這場展覽不僅是一次作品的陳列，更是一場關於美學基因、教育傳承與土地認同的歷史梳理。鹽月桃甫作為日治時期「臺灣美術展覽會」（臺展）的重要推手，將後期印象派與野獸派的前衛思潮引入這座島嶼，被譽為臺灣油畫創作的播種者。展覽從他參與催生的「臺展三少年」出發，延伸至受其教育思想啟迪的眾多門生，最後終結於他最深切關懷的原住民題材，勾勒出一條清晰的島嶼色彩脈絡。

序幕——臺展三少年的藝術啟蒙

展覽的第一展區由觀眾耳熟能詳的「臺展三少年」拉開序幕。這三位畫家——郭雪湖、林玉山、陳進，在 1927 年第一屆臺展中異軍突起，奠定了臺灣膠彩畫（東洋畫）的經典高度。

首先映入眼簾的是郭雪湖61歲創作的《淡江群舟》（1969）。這件作品以其童年記憶中的大稻埕與淡水河為背景，詳實記錄了清末民初臺海貿易的重要工具「戎克船」。郭雪湖曾自言：「我的繪畫求精，不求多。」這種求精的精神反映在鮮豔別緻的船身與細膩的淡水景致中，不僅展現了地方特色，更具備深厚的歷史意象。

緊接著是林玉山的《儷影雙棲－鸚鵡》（1929）。在順益的典藏品中有三幅被命名為「儷影雙棲」的作品，林氏這幅作品充分展現了對「寫生」的堅持。他在傳統吉祥主題中注入了活靈活現的生命力，一對依偎的鸚鵡與簇擁的花團，呈現膠彩畫精緻優雅的韻致。

另一焦點是陳進的《北港朝天宮》（1966）。與其早期著名的人物畫不同，這件作品展現了宏偉的格局與熱鬧的廟會民俗。廟宇繽紛的裝飾與流動的信眾，在暖陽般的氣息下顯得有序且莊嚴。值得一提的是，此作因題材緊扣創辦人每逢年節便會到朝天宮走春的回憶，特別安排於創辦人肖像的正對面，形成了跨越時空的感性連結。

核心——野獸派鬼才鹽月桃甫

鹽月桃甫出身日本宮崎縣貧農家庭，1921年35歲的鹽月帶著家人抵臺後致力於美術教育。他的畫風深受西方野獸派影響，善用強烈對比色彩與粗曠線條，被譽為「野獸派鬼才」或「東方高更」。

本次展出的《公園一隅》（1926）是其極少數傳世的風景佳作。在這幅小件作品中，鹽月捨棄了寫實樣貌，透過主觀感受將景物符號化，強烈有勁的筆觸讓畫面充滿自信張力。他主張「畫畫要用頭腦，而非僅用手」，這種不拘泥於技法、鼓勵自我風格的教學思維，正是臺灣美術走向現代化的重要轉折點。

傳承——受前衛思想啟迪的學生們

鹽月桃甫在1921於臺北第一中學（現建國中學）與臺北高等學校（現臺灣師範大學）擔任美術老師期間，孕育了多位性格鮮明的非典型藝術家。這一區作品呈現了這些學生如何在鹽月的前衛思想下，開創出自我的藝術語言。

楊三郎作為追逐光影的一代大師，年少時正是因為在文具店窗前駐足欣賞鹽月桃甫的作品，受其感召而立志投身藝術。楊三郎熱衷戶外寫生，堅持背負畫架，踏遍山川海岸。本幅《玉山殘雪》描繪從阿里山望向玉山的角度，展現他深受印象派影響的寫生功力，透過暗色松林與明亮雪峰的對比，營造出強烈如劇幕般層層推遠的戲劇效果。

蔡蔭棠是鹽月在臺北高校的學生。雖然他在雙親期望下進入日本京都帝國大學攻讀經濟學，但始終未曾放棄繪畫熱情。在臺北市立大同中學任教期間，課餘時間自修美術，創作了《阿里山塔山（東埔）》（1962）展現了對立體派與野獸派的多重試探，分割的畫面與大膽的調色盤，體現了他獨立自由的風格。

許武勇本業為醫師，畢業於東京帝國大學醫學部，中學時期即受鹽月桃甫啟發，師生關係深厚，是當時臺灣少見的跨界畫家。在創作上，他重視「心象」的表現，超越對技法的單純追求。本次展出的〈貓鼻頭〉（1996），呈現其晚年融合超現實、東方精神與宗教意象的創作面貌。畫面中，天空可見敦煌飛天輕盈穿梭，岩洞內鎮坐的南海觀音，則呼應在地流傳已久的歷史傳說。反覆出現的竹筏，以及如菱鏡般切割的折線結構，共同編織出一種近似夢境的視覺場域，形塑出其獨具特色的「羅曼主義」風格。

在新竹地區任教近40年的蕭如松，早年學畫展現創作天賦，他曾自述因得鹽月賞識，兩度獲其私下一對一藝術指導的機會。他的《靜物》以冷色調的不透明水彩，快筆處理玻璃、煤燈與窗外光影的折射線條，畫面靜謐而澄亮，反映了他追求純淨生命的特質。

轉變——從「他者凝視」到「自我覺察」

展覽最後幾件作品，探討了鹽月桃甫喜愛的原住民題材。鹽月是當時少數以人道關懷視角凝視臺灣原住民文化的日籍畫家。此區透過跨世代的作品，呈現視角的轉變。

首先是前輩畫家李澤藩與顏水龍的作品。李澤藩的《紡紗（泰安鄉）》（1961）運用其獨創的「洗畫」技法。這種技法源於他為減省創作材料費而反覆使用畫紙，逐步發展而成。畫面細膩描繪一位盛裝的泰雅族婦女，專注於手工紡紗的姿態，在寧靜的氛圍中流露出平實而內斂的人文關懷。

顏水龍的《日月潭風景》（1975）則為入藏後首度展出，畫面以極具辨識度的冷色平塗層層推疊，捕捉黎明前夜色未退、晨光未至的過渡時刻。深淺交織的湖水綠暈染出湖光山色的純淨與質樸，使觀者在靜謐之中緩緩體會自然的氣息與感動。儘管這些作品各具魅力，仍可見早期畫家多以「他者」視角進行觀察與再現。

作為展覽壓軸的是當代排灣族藝術家伊誕．巴瓦瓦隆。他的作品《風中的一家人》（2015）運用獨創的「紋砌刻畫」風格，在上色後的木板上雕刻紋樣，形塑出流動而有節奏的視覺語彙。在莫拉克風災後，部落許多居民被迫遷離原鄉，他透過木刻紋路重現大自然的圖騰，將百合花與太陽紋等文化符號納入畫面。畫中三朵臺灣原生百合花在強風中彎折傾倒，卻仍屹立不屈，凝聚堅挺的生命意志。

在此，原住民形象已不再只是被觀察的對象，而是原民藝術家在痛心家園被毀後，對自我文化認同與生命力的深刻呼喊。從鹽月桃甫初期的凝視，到伊誕的自我覺察，原住民藝術完成了一次由「他者觀看」走向「主體發聲」的文化轉向。

結語：島嶼色彩的永恆共鳴

「島嶼之色」典藏展不僅是一次對鹽月桃甫誕辰的致敬，更深刻地揭示了臺灣美術如何從日治時期的前衛啟蒙，經過第一代本土畫家的實踐與轉化，最終回歸到多元文化的自我覺醒。這一抹島嶼之色，是色彩，是記憶，更是這塊土地上永不熄滅的藝術靈魂。

典藏展：島嶼之色

展期∣ 2026.01.21–06.21（週一休館）
地點∣ 順益台灣美術館2樓典藏展