芝加哥藝術博物館（Art Institute of Chicago）當前舉辦的特展「韓國國寶：兩千年美術史」（Korean National Treasures: 2,000 Years of Art），是該館40年來規模最大的韓國文物展，陳列超過140組精品，包括繪畫、陶瓷和雕塑，其中22件屬於國寶級。這些作品曾為三星集團李氏擁有，尤其已故會長李健熙（1942－2020）及父親李秉喆（1910－1987）畢生致力收集韓國史上珍貴而富有故事的文物，旨在護持與傳承文化遺產。2021年其後代向政府捐贈超過23000件作品，以供大眾欣賞和研究，藉此宣揚韓國藝術流變中的豐富傳統與多元創新。
身為收藏者的李氏家族：延續文士風雅
朝鮮王朝（1392－1897）的菁英階層崇尚儒家思想，進而收藏與其理念相關的物品，本部份即體現這一學人群體的審美態度和生活樂趣。李健熙在擴充父親李秉喆於1950年代開始的收藏時，正是秉持此種儒家鑑賞觀。李氏父子的收藏不僅是為了弘揚文化價值，更是力圖重拾數十年殖民統治和戰亂中流離失所的歷史遺存。在2021年的捐贈裡，超過半數作品為圖書、書畫和文房雅玩，體現他們竭盡保護文士傳統的決心。
最能凸顯此類文雅意象者，是一種獨特繪畫—冊架圖（chaekgeori），其描寫書架上陳列卷冊、文具、古董、陶瓷、花卉和蔬果等場景。這種視覺傳統源自清宮多寶閣，在18世紀中葉傳入朝鮮，不久便受到朝廷青睞。展品19世紀〈冊架圖〉（圖1）中繪製的各式物件大多奢華又富象徵，不僅反映王朝的繁榮景象，也顯示文人渴望收藏和展示奇珍的意圖。冊架圖的另一特徵是，畫家運用線性透視和明暗處理，以增強隔板的空間深度感。之後冊架圖的描繪焦點從書架構造轉移到物品本身，使之更容易被大眾接受。
建立在儒家意識形態根基之上的朝鮮王朝，其藝術目標與之前以佛教為主流的高麗王朝（918－1392）截然不同。本部份展出的繪畫，顯示五百多年來創作體裁和風格表現的多樣性，當中主要由兩類群體領導。宮廷畫家為帝王服務，作品涵蓋標準和規範。而業餘畫家—文人士大夫和皇室成員—則自由地抒發思想與情感，並成為引領潮流的鑑賞者、評論人和收藏家。爾後相互影響日益加深，反映社會格局的變化更迭。
理想與自我表達：朝鮮王朝繪畫
鄭敾（1676－1759）是最早描繪實景山水畫（silgyeong sansuhwa）的創作者之一，他以寫實風格、對空間的精準把握與嫻熟筆墨運用而廣受讚譽，代表作為1751年〈仁王霽色圖〉（圖2）。鄭氏出生於漢陽（今首爾），一生都在觀察仁王山的壯麗景色。他於76歲高齡創作本畫時，除了選擇較大尺幅，還留下題識年款，足見其珍重之意。畫家以自信筆觸和深邃墨色，成功捕捉仁王山的雄偉氣勢。他運用快速簡潔筆法勾勒山峰輪廓，同時透過疊加皴法營造山脈陰影。前景中添加的樹木雲霧，展現豐富林貌氤氳，傳達自然界的勃勃生機。
完成於18世紀末至19世紀初的〈權尚夏像〉（圖3），是李命基（1756－？）臨摹前輩金振汝（1675－1760）在1719年所繪的肖像畫。權尚夏（1641－1721）是知名理學家，畫中他頭戴幅巾（bokgeon），身著深衣（simui），透露其士大夫身份。李命基出生於開城，1791年曾參與正祖（1776－1800在位）的君王肖像製作。此處畫師實力顯露無疑，尤其體現在臉部描繪上。虹膜漸變的灰色調和清晰的黑色瞳孔，營造堅定而生動的眼神。額頭、眼睛和臉頰兩側的重複筆觸，賦予人物立體感。高揚眉毛、緊抿嘴唇和長白鬍鬚，亦展現人物尊貴氣質。
朝鮮宮廷器物以象徵題材、昂貴材料和精湛工藝而著稱，一如展件19世紀〈十長生圖〉（圖4）。約在14世紀，韓國開始重視以自然元素為福壽符徵，稱之為十長生（shipjangsaeng）。在這套屏風裡，日、雲、山、水、松、竹、芝、鶴、鹿、龜，皆代表人世間的延年祝願。畫中使用的礦物顏料因稀有或產自國外而價格昂貴，只有宮廷畫師才具備配用特權。此處隨類賦彩純粹，色度飽和鮮豔，畫風以平面性取勝。從15世紀開始，帝王會在新年把長生圖贈予官員，通常放置大廳或主位後方，亦做為喜慶儀式背景，以彰顯尊貴與期待繁榮。
神聖圖像與經文：佛教藝術
西元4世紀之際，來自印度和中國的佛教人士抵達朝鮮半島，帶來佛像經文等物品。隨著當地人民皈依佛教，藝術家與僧侶開始創作用於禮拜儀式及輔助修行的圖像和器具，豐富本土的視覺藝術與物質文化。此部份展品年代橫跨三國時期（公元前57年－公元676年）至朝鮮王朝，彰顯韓國佛教藝術風格的多方發展。此外，李氏家族本身亦為佛教徒，盡心收羅這些流散珍品，亦顯露其虔誠之心。
一件6世紀〈金銅菩薩三尊立像〉（圖5），是韓國最早的佛教藝品之一。這種三尊像組合源自中國南北朝，但在朝鮮半島上更為常見，於三國時期廣為流行，後亦傳播至日本。傳統三尊像的內容通常是一佛二菩薩或一佛二弟子，而在此則以菩薩為主尊，兩側各有一名羅漢僧侶。尊像的背後圓光、底座和人物是一體鑄造，造型簡練古雅。圓光上刻畫火焰紋，底座外裝飾蓮花紋。菩薩右手示施無畏印，左手持與願印，脅侍則雙掌合十，神態皆具靜穆莊嚴。
《大方廣佛華嚴經》，簡稱《華嚴經》，是韓國佛教的重要經典。〈普賢行願品〉為其精髓篇章，講述善財在五十三參的最後階段拜見普賢，以修習十大願而成就佛果。此處的引首扉畫（圖6）描繪毘盧遮那佛與普賢菩薩分別對坐兩側蓮臺上，周圍環繞諸多弟子。善財則立於普賢面前，雙手合掌祈請菩薩賜教。此圖採用經摺裝，以泥金精心繪製，線條流暢細緻，色澤華麗典雅。根據題識可辨認的部份，推測本作可能完成於元至正年間（1341－1367），是由一位名叫「文卿」之人繪製。
屬於18世紀的〈三藏菩薩圖〉（圖7），描繪中央執掌天界的天藏（Divyagarbhah）、右側管轄地界的持地（Dharanimdhara）以及左方統攝冥界的地藏（Kshitigarbha）。飽和色彩、對比鮮明的綠紅雙色，與環繞主尊周圍的眾神祇，都是朝鮮王朝佛教繪畫的典型標誌。三藏菩薩像的出現與水陸法會密切相關，自王朝早期便在皇室中盛行，後來亦普及民間。根據文獻記載，三藏菩薩像應供奉於中壇位置，所以也被稱為中壇幀（jungdantaeng）。這幅作品是由畫師僧敏熙（活躍於18世紀早中期）等人完成，整體人物神情端敬，絕佳表現出嚴謹構圖與精微細節。
另一套描述佛陀生平的〈八相圖〉（圖8），完成於18世紀晚期，是由丕賢（活躍於18世紀中晚期）等畫師僧創作。每幅右上角均有標題，另配簡短文字，用以區分故事段落。在「兜率來儀相」中，釋迦牟尼的前世──護明菩薩，正騎著白象準備入胎。其他七相包含毘藍降生、四門遊觀、踰城出家、雪山修道、樹下降魔、鹿苑轉法與雙林涅槃。此類佛傳畫應源自高麗王朝，但現存實物只能追溯至15世紀。這些圖像最初用於宗教儀式或收錄在《釋譜詳節》等文本中，後來從明代中國傳入像《釋氏源流》等書籍，催生出新的敘事風格。
韓國陶瓷千年傳承
陶瓷是韓國歷史悠久、最具活力的藝術形式之一。在高麗王朝時，當地陶工開始發展製作青瓷。青瓷屬於灰綠色炻器，在佛寺和宮廷中備受重視。到了朝鮮王朝，青瓷逐漸被一款獨特陶瓷──粉青沙器（buncheong）取代。它是一種灰色炻器，外飾以白色化妝土。粉青沙器的出現，是為了迎合以崇儒信念為基礎的品味。然而，皇室和上流社會最終仍偏愛純白器皿，因其與儒家美學更加相符，並促使朝廷於1467年建立官窯，主導推行生產與使用。
展件12世紀〈靑磁陰刻蓮花紋瓜形注子及承盤〉（圖9），造型優美，色澤柔和，是高麗青瓷的傑出代表，表露當時菁英群體的雅緻飲食文化。注子豎紋形似瓜果，取其瓜瓞延綿、子孫繁衍之意，另雕刻盛開蓮紋，線條流暢，豐盈端莊。承盤則飾有蓮紋，邊緣略微外撇，分為十二瓣，與注子的垂直線條相互呼應。此類承盤兼具實用與美觀，既能保溫，又能穩固注子，還能起到視覺上的提升作用。在12世紀中期以前，承盤的設計能使水面覆蓋大部份壺身，但隨著時間推移，承盤高度也逐漸降低。
本展中一件15世紀晚期至16世紀早期的〈粉靑沙器鐵畫魚紋瓶〉（圖10），是朝鮮王朝同類器中的典範佳作。其口沿向外微張，瓶身下腹漸趨豐滿，底部帶有圈足。此瓶起初外表先塗上厚重白色化妝土、素燒且以氧化鐵顏料畫樣。接著浸入淺淡綠釉中，經二次燒製後，不透明釉面遂呈現淡黃色。另外，一條游魚環繞瓶身，筆法線條大膽，造型生動活潑。魚不僅寓意豐饒富足，象徵後代繁衍，也因其睜眼休眠，能在水中自由活動，所以佛教喻為一種自覺狀態，提醒人們在修行時隨時保持警醒。
在朝鮮王朝宮廷的宴會和禮儀裡，像18世紀〈白磁青畫雲龍紋壺〉（圖11）這樣的大罐被稱為龍樽（yongjun），是用於盛裝酒水或插花裝飾。龍樽的特點是罐身高聳、肩寬、足窄，並飾以鈷藍色龍紋。高麗和朝鮮王朝期間，龍的形象與鈷藍顏料的使用皆嚴格限制於統治階級。此罐口部飾有卷草紋，肩部和底部則繪如意紋。罐身出現兩條雲中巨龍，五爪張開飛騰追逐火珠。龍樽的製作規範在英祖（1724－1776在位）和正祖時期確立，這時相關作品產量最大，造型也最為精美。
體型碩大、圓潤飽滿且形似滿月的器皿在17世紀末至18世紀初的朝鮮王朝風靡一時，如同展品〈白磁大壺〉（圖12）。當時記載稱之為大罐或圓罐，可能是用來儲存液體或乾貨，而更具詩意的月亮罐（moon jar，又名月亮壺）之名，則是由20世紀的鑑賞者和藝術家創造出來。由於尺寸較大，月亮罐通常在陶輪上分成上下兩部分製作，然後再拼接起來。輪廓圓潤度的細微變化與白色釉面的深淺不一，都是朝鮮月亮罐的典型特徵。月亮罐造型是韓國陶瓷獨有的，如今仍為許多創作人的靈感來源，更是韓國美學情趣的重要表徵。
融入新世界：韓國藝術的現代性
在朝鮮王朝後期，韓國基本上與世隔絕，這段和平時期於1860年代隨著一系列來自西方的軍事活動而結束。由於數世紀以來的鎖國政策，突遭動盪侵擾局勢，朝鮮朝廷遂與列強簽訂不平等條約，最後以1910年的《日韓合併條約》告終，而使之失去主權。在這段騷動年代，韓國藝術家接觸來自外界的新表現形式，有些人熱情地迎接開放，而有些人則選擇性地保留觀望。本部分主要介紹20世紀韓國藝術的兩大重要發展：韓國畫（hangukhwa）與西洋畫（seoyanghwa）。
韓國畫一詞出現於1950年代，指的是用傳統毛筆和墨料在韓紙上進行圖繪，並融合線性透視和寫實主義等西方技法的新風格水墨畫。一幅典型的韓國畫屏風〈桃花源〉（圖13），是1968年盧壽鉉（1899－1978）的大作，其基調清雅脫俗，描繪漁夫在美好春日景色中邂逅仙人的場景。盧氏早期創作寫實山水，後期則偏好理想化景觀。他師從安中植（1861－1919）和趙錫晉（1853－1920），兩人都是朝鮮王朝的圖畫署畫員。盧氏曾榮獲1926年朝鮮美術展覽會及1929年朝鮮博覽會的金獎，1949年起任教於首爾大學，並擔任韓國國立藝術院院士。
西洋畫則指所有在畫布上使用油彩的創作，即採用全新媒材和藝術風格的西式油畫。這種新興形式吸引著韓國數個世代的藝術家，其中包括白南舜（1904－1994）。白氏已知最早作品為約1936年的〈天堂〉（圖14），其融合東西方對於烏托邦的描繪。遠處山峰、蜿蜒溪流和傾瀉瀑布讓人聯想到上述盧壽鉉的作品，而部份建築、人物和植物表現則各異其趣。在女性被期望待在家庭的時代，白氏曾於東京女子美術學校學習油畫，1928年遠赴巴黎深造，接觸歐洲現代主義潮流，成為韓國現代首批採用西畫風格的女藝術家。
最後，創作於1973年的〈迴聲19-II-73#307〉（圖15），是韓國抽象藝術先驅金煥基（1913－1974）面對歷史傳統與西方美學的迷人結晶。1933至1937年間，金氏在日本學習抽象油畫，期間對朝鮮王朝陶瓷產生強烈興趣，這些器物簡潔的造型和質感貫穿他的藝術實踐。在本件作品中，帶有柔和光暈的圓點彷彿於漩渦中湧動起伏，一條纖細白線打斷它們的韻律弧線，在廣闊畫布上開啟更加深邃的藍色維度。這種對形狀與色域的節奏提煉，體現金氏對於傳統與現代、個人與普世的精湛融合。
韓國國寶：兩千年美術史（Korean National Treasures: 2,000 Years of Art）
芝加哥藝術博物館｜2026/3/7－7/5
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