繼開館展「未記持」之後，基隆美術館首次策劃的國際大型展覽「第25小時」於今天開幕，邀請到7國17組藝術家，以藝術家們日常的特殊生命經驗為引，探討個人生命和社會環境的交互性。展覽最大亮點，是此次基隆美術館與法國龐畢度藝術中心合作，邀請法國藝術家雙人組 Clédat & Petitpierre（伊凡・克萊達特 & 可可・佩蒂皮耶） 三方共治的大型互動裝置《蔓舞奇境》。除此之外，有共五位藝術家特別為此次展覽製作新作，引導觀眾從基隆城市與生活中的日常光景，穿梭到藝術的魔幻時刻次元之中。 「第25小時」由青年策展人林裕軒和黃郁捷策展、Cammier Huang擔任計劃總監、黃彥榕（Debbie Huang）展覽監製，有別於開幕展「未記持」以基隆深厚的歷史縱深為導向，「第25小時」以輕鬆、繽紛且富含想像力的氛圍，拓展基隆美術館在內容策劃上的多樣性。
透過藝術 感知你我的生命經驗
展覽主題「第25小時」源自策展人與幾位藝術家之間的談話，藝術家們不約而同都談起經歷過一段特殊的生命經驗後，彷彿在日復一日之外，延伸出另外一個時空，能夠裝載那些伴隨改變而來，滿盈、尚未歸類，且無法言喻的情感和行為。
兩位策展人表示，藝術家們從個人產生異於原本時空尺度的感性面出發，無論是經歷過疫症、災害，或是新身分帶來的感情羈絆、遷旅的途徑中，身心的重新調整等。「這些經驗或是事件，足以改變習慣，給予熟悉事物全然不同的意義，而展場就是將各種時空抽象變化具體的場所，讓觀眾可以隨著作品的節奏，思索都市空間的結構分界、身體勞動的記憶，以及現代社會之下，那些藏於表象後的另一種真實。」
展覽裡頭的Clédat & Petitpierre 、鈴木悠哉、下道基行、高雅婷、楊健生等，都是展覽中值得探訪的藝術家。其中台灣藝術家黃博志的作品《一週八天》便是藝術家在不同展覽因緣際會寫下的故事，他發現無論是自己的母親，或是深圳的吳姨、韓國小型成衣加工店舖的金太太、香港投身反迫遷運動的何先生等，這些跨域四個地域的時間和故事，相似又迥異，作品啟發自藝術家母親「我沒有空」的自嘲，似乎在超時工作的狀態下，唯有一週八天才真正擁有空閒和時間。
台灣的高雅婷，則是以自身成為母親的經驗化為創作的《以母之名》以編織的形式，將受孕的經驗與神話信仰、夢境的研究呈現，從過往作品中追尋「家的所在」到產子後「我的身體成為他人的家」，將全身血管圖，轉化成植物造型，構築出一個綿延的花園意象去回應成為母親的澎湃氣息。
另外台灣藝術家林冠名長期思考「影像何用」的問題，這次作品《床》以高畫質時代下的「觀看」為主題，探討日新月異的科技變革所造就的影像爆炸現象。賴科維《一些杯子》以燒陶翻製一次性的塑膠杯為題，透過陶與塑膠的材質轉化，藉此闡述工藝品與現成物之間的關係。陳為榛《家飾》透過材料與材質再造日常風景，交錯出以假擬真、以虛擬實的趣味。
法國龐畢度中心特別共製 《蔓舞奇境》讓大小朋友一同共創
17組藝術家中，有超過一半的藝術家來自於台灣以外，其中備受注目，同時也是整個展覽量體最大的作品，來自法國雙人組的Clédat & Petitpierre的《蔓舞奇境》。這件作品曾在法國龐畢度當代藝術中心、上海西岸龐畢度中心、澳門等地展出，這次的展出為此作品台灣的首度展示。 Clédat & Petitpierre多以合作的形式創作，擅於空間和身體的探索，《蔓舞奇境》即是以一株奇異與巨型的藤蔓植物，蔓生在基隆美術館最為標誌性的結合古典宮燈的空間的一座巨型景觀，邀請觀眾用自己的方式互動，找尋自己的特殊經驗，打破實體空間的限制。
走入藝術裝置 經驗改變時空
香港藝術家鄺鎮禧常以冷靜和犀利的觀察，提取日常對應事務結構的樣態，在這次「第25小時」的委託製作裡，他重組日常物件，改變其物質狀態與使用方式，來產生變化對應他對社會的觀察。《綠燈》以綠光水平珠至於LED燈版中，借用其顏色將光線過濾成綠色，雖然水平珠會隨著位置展生不同的校準結果，但個體間的誤差並不影響整體的「校正平衡」；《紅氊》則是擷取紅白相間的防滑磨砂帶中的紅色部分，篩選了防滑砂帶的警戒象徵，呈現如磚紅色的地毯。藝術家透過改變物件的使用邏輯轉譯空間的調性，引導觀眾產生異於平時的身體感，繼而思考人、物件、空間三者關係。
同樣這種異於日常體驗的關係，也可以曾於台北當代藝術博覽會展出的德國藝術家歐拉夫・尼可萊（Olaf Nicolai）的作品《如何想像蠟燭熄滅後的光》感受到。他擅長在空間裝置內，藉由變化媒材的特性，對日常瑣事和既定認知提出圍觀的論點，利用觀者的直覺為支點，放大和提醒特定的感知。在這件沈浸式的互動裝置裡，當觀眾步入暗間時，用光探索的痕跡將留在另一面由紫外線燈照射的牆裡，彷彿捕捉光和時間。
代表今年威尼斯日本館的日本藝術家毛利悠子（Yuko Mohri），則是擅長收集日常生活的各種零件，建造成自己自足的生態系統，看似不協調的機械裝置，其實是精心的安排，展出中的《Piano Solo – Ohara》，是她在疫情期間獨自住在琵琶湖山中小屋的創作，展場中麥克風收入預錄的自然聲響和現場環境音，透過自動演奏轉成即興鋼琴演奏曲，然而麥克風無法精準的截取，於是產生了失準和延遲，點出自然和人工之間的不協調，與窗戶外的基隆港景色，產生有趣的呼應。
馬來西亞藝術家楊健生則是在來台駐村期間，發現所住的地方，前身為警察宿舍與兒時成長的「華人新村」建築外牆都使用雨淋板。無論在台灣或是馬來西亞，這項技術皆由殖民者引進。因此他將雨淋板以百葉窗的造型呈現，大面積覆蓋美術館入口處的落地窗。以馬達帶動的窗簾拉繩，因玻璃百葉窗傾斜角度的差異和馬達轉速的快慢，和百葉窗之間產生不同音高的聲響，此起彼落迴盪於展場。藝術家將木建築中帶有節奏感的視覺構造，轉化成聲音 ，同時藉由聲音來製造過去與現在交疊的記憶。
藝術家眼中的基隆
展場中的另外一件作品《內庭／外庭》則是另外一件委託作品，是日本藝術家鈴木悠哉（Yuya Suzuki）的「路上觀察學式」的系列作品，並以基隆作為田野調查的基礎。他以家戶前的小花園作為主要的觀察對象，這些暫時的花園對藝術家來說，既個人又公共，隨意放置的無用之物和自然元素，自成循環系統，他將這些物件以繪畫的方式抽象化，映照出「私人／公眾」之間的灰色地點，從個人的內心世界和記憶與外頭的物質和社會之間的連結，試圖呈現這個想像中的花園，人類如何與周遭環境連結和抵抗。
另外一位日本藝術家，同樣也是2019威尼斯雙年展日本館參展藝術家，下道基行（Shitamichi Motoyuki）同樣以田野調查為基礎，藉由照片、活動和採訪等手法，編輯埋沒在日常生活中即將忘卻的故事和事物，將其可視化。此次的作品《橋》背景則是來自於2011年的311大地震，海嘯摧毀許多漁港，以及沿岸城市的生活，通往東京的交通被阻斷，藝術家的展覽亦同。身為以攝影為媒材的藝術家的他，也曾糾結是否要拍攝災難的影像。同年的3月16日，他買了一輛小型摩托車，開始拍攝「類似橋」的景象，但其實只是放在路邊排水溝的板子，但這1200英里的拍攝旅程，不禁讓人思索這些連結道路和生活的「小橋」是工具還是結構？也許是一種獨特的景觀，連結自然與人類的生活。在展覽期間，他也將帶領工作坊，跟觀眾一同在基隆以「看不見的風景」跟個大家走入基隆街區，找尋那延伸自日常生活的感知不同時空。
屬於策展人的獨立觀點
策展人林裕軒過去策展從藝術的生態結構與社會議題出發，近年則是思考人類如何與災難共存，人與空間的政治關係；黃郁捷則是，長期關注亞洲當代藝術策展的拓展與歷史，以及當代藝術實踐中的檔案轉向，曾參與2023台北雙年展製作團隊、立方計劃空間專案經理，也曾參與策劃新板藝廊「持景行走」等。
林裕軒表示：「年初在日本Tokyo Arts and Space進行駐村計畫時，我進行了關於災難的研究，從兩國間面對自然災難的應變方法，再到對於人造災難（勞動與政治）的解讀，成了我在思考展覽『第25小時」的雛形。在日本與藝術家下道基行碰面的時刻，我們分享了面對災難與政治上的詮釋，他提到：『在地震發生的時刻』，作為以攝影為媒材的藝術家，他是否應該拍攝災難的影像？』最終他以另種方式創作了『Bridge』這件作品，而這樣的思考途徑，也讓我反覆思考台灣作為一個『災難』頻繁的地方，能否以策展這種方式來想像我們的時空？」
黃郁捷表示：「經歷一場疫情後，確實有種時空被扭曲的錯覺。但除了談『事件』本身，我們還能怎樣理解這種生活被迫重新調整的經驗，該如何從中細緻地提取和描繪個人感受，以小見大地去回應這種具大規模關聯性的轉變，是我一直希望可以在這檔展覽中呈現的。」
第25小時
展期｜2024年9月26日至12月1日
地點｜基隆美術館1樓、M樓與3樓（基隆市中正區信一路181號），開放時間：週二至週日 9:00-17:00，週一固定休館，國定假日除外。
ARTouch編輯部( 1655篇 )