由社團法人中華民國畫廊協會主辦的ART TAINAN 2026台南藝術博覽會（以下簡稱台南藝博），於3月12日下午在台南晶英酒店盛大開幕。
今年台南藝博邁入第14屆，在經歷數年「數位虛無」與「AI 奇觀」的視覺轟炸後，特別定調為一個安靜的「深層修復」週期，透過「安平小調」的頻率與手作的「真實觸感」，在文化古都的感性紋理中，尋回讓心安定的藝術力量。此外，今年亦適逢2026年台南運河開通100週年，這條貫穿府城的歷史長河，與「海洋認識論」相互交融，挑戰封閉的陸地敘事，開啟「群島思維」（Archipelagic Thinking）的全新想像，
畫廊協會理事長陳菁螢於開幕式中表示：「台南藝博最鮮明的特色，就是我們堅持創造一個『溫柔、舒服』的藝術場域。特別是與文化局合作的『臺南新藝獎』，堪稱藝術界的『超級星光大道』，從400多位徵件中脫穎而出的傑出新秀，正是我們與城市共同孕育的驕傲。」
臺南市長黃偉哲則是對藝博會的文化價值給予肯定：「台南是台灣第一個城市，我們持續致力於讓年輕藝術家接軌市場。適逢春天，我特別邀請大家展開一段『北蘭花，南藝博』的旅程：先在藝博會感受小調的溫柔，再到後壁欣賞蘭展，晚上逛台灣燈會。期待台南市美術館與國家台南美術館能互相輝映，共同打造藝文雙引擎都市。」
琢璞藝術中心｜Room 609
琢璞藝術中心於展位609推出策展主題「流光之間」，集結白鍾恩、何稼春、林姿吟、陳平、趙惠潤、蔡佩真等六位台灣與韓國藝術家，試圖透過多元媒材與視角，詮釋光如何在生命縫隙間流動、折射。
韓國玻璃雕塑家白鍾恩帶來一系列玻璃雕塑作品，她將堅硬玻璃轉化為輕盈飄逸的質地，在《難以掌控的時刻－駝鹿》以及《難以掌控的時刻－象》中，可以看見光穿透玻璃的透明與半透明結構，發散出溫潤的光澤。另一位來自韓國的藝術家趙惠潤，她筆下少女雙眼靈動深邃，這是她試圖回應這個世代的敏銳觀察，。
台灣藝術家的部分，則可以關注何稼春以極具代表性的「盆栽人」系列，隱喻個體在社會框架下的生長姿態，其中《日常微光》一作，描繪人在限制中仍能尋得屬於自己的光亮。林姿吟的油印木刻版畫「小夥伴」系列，以家鄉砂石場為靈感，將童年機械記憶轉化為充滿防禦與傷痕的心靈地景，特別是圍籬與「禁止」的符號，指向她的心靈傷口——「敞開的不等於邀請」。蔡佩真則經常透過敘事畫面呈現夢境中的壓力、恐懼等內容，例如油印木刻作品《快樂謀殺案》以及《誤闖禁地》等作品。
伊日藝術計劃｜Room 611
伊日藝術計劃此次於 611 展間呈現多位藝術家的創作。甫進入展間，最引人注目的作品之一，便是去年台北獎得主謝榕蔚的「光梯」系列，同時亦展出其中性筆紙本作品系列「昨日與蜜蜂」。藝術家以原子筆與清水為主要媒材，透過滲透與暈染的過程，使原本清晰的筆跡逐漸轉化為帶有光暈的邊界狀態。畫面在控制與生成之間展開，如同植物般緩慢生長的節奏，呈現出時間與筆跡交會的動態。
這些視覺律動源自藝術家對時間與感知的長期關注，也根植於其文化經驗中對氣韻與細節的敏銳感受。作品並不預設明確圖像，而是讓墨與水在紙面上自行發展與擴散，構成一種具有節奏感的視覺場域，在觀者凝視的過程中留下時間與物質交會的痕跡。
此外，台北獎優選藝術家王冠蓁亦帶來一系列小幅繪畫作品。她的創作以描繪帶有疏離與孤獨氛圍的人物形象著稱，透過細膩的情緒刻畫，呈現藝術家對當代世代心理狀態的觀察。另一位藝術家江孟禧則展出作品《瑞馬傳捷報》，以搖擺的木馬結構作為造型基礎，透過帶有童趣與隱喻的形式，提出一種哲學性的觀察：「在不穩定的世界之中，為心靈搭建一艘仍能持續前行的小船。」
尊彩藝術中心｜Room 621
尊彩藝術中心位於621展間的「臺灣繪畫裡的時代敘事」特展，以「世代對話」為核心，梳理台灣從日本時期、戰後現代化到當代數位語境的臺灣狀態，呈現出一幅跨越百年的立體圖景。
值得關注的便是進入展間可以看見的第一張作品，洪通的《觀音與媽祖》，是紅蠟春聯紙媒材系列中尺幅最大的作品，畫面以朱紅色為底，並加以鮮豔的黃綠色，主題人物花紋細膩、色彩豐富。令人聯想傳統百衲被描繪台灣民俗信仰的神祇。曾經創下洪通1997年以來拍賣最高紀錄。
經典與現代作品的部分，現場可以看見楊三郎《古城春日》中，他以厚實的油彩肌理，將法國印象派光影與臺灣土地色彩完美融合；而李石樵《美國海邊》對於海邊的描繪，則使用低明度、高彩度色彩，呈現溫暖、和諧的畫面。戰後藝術則是帶來李重重《小寶貝》、《女兒心》等作品，她則以現代水墨的詩意抽象，描繪親子間的真切之情。而劉得浪的高山寫實作品，則精準捕捉了臺灣山岳在不同時節的氣息，讓觀者彷彿置身於中央山脈的雲霧之中。
而當代新銳的部分，吳耿禎將剪紙工藝轉化為極具母性與靈氣的藝術語言；王建文的《鏡 －觀星者 2.222 系列》，以氤氳畫面、光團般的設色，構築了關於時間和空間交織構成的複雜維度。
丁丁藝術空間｜Room 700、701
丁丁藝術空間這次帶來了11位風格迥異的國際藝術家，共同交織出多元的時代樣貌。展間亮點首推莫伊．亞格斯（Moisés Yagües）的作品，作品多半以圓頭人物為題材，在他的大頭中，還會有梯子、花草、鋼索等不同的場景，就像在探究人變化多端的內在世界。值得注意的是，這次帶來《蒙德里安製作中》（Mondrian in Progress）以及《馬勒維奇玩耍中》（Playing Malevich）兩件致敬藝術史的作品。
另外，在公共展區亦有展出的日本木雕藝術家葉栗剛（Takeshi Haguri），也值得關注。他的作品融合傳統與現代，打造浮世繪英雄像，由其藝術搭檔長崎美希（Miki Nagasaki）在這些赤裸的木雕肌膚上，繪製極度精細、繁複的刺青圖樣，並且經常搭配面具，呼應日本能劇與祭典文化。
此外，來自日本北海道的藝術家真吏奈（Marina）以女性生活經驗為創作核心，提出「維納斯之眼」（Venus Eye）的創作概念，透過如女神俯瞰人間般的視角，捕捉現實與夢境交織的日常景象。其創作靈感源自女性家庭的成長背景、成為母親後的生命經驗，以及北海道江差町祭典與海洋意象。此次展出「MOMOKO」系列中的全新作品《彩羽》（Iroha），描繪一位追尋音樂夢想的少女，在夢想與自我探索之間展開敘事。
雷相畫廊｜Room 717
雷相畫廊今年以「當代與古典的交織」為策展主題，於 717 展間呈現九位藝術家的作品，包括黃柏勳、邱奕辰、住舍、吳騏、陳慶銘，以及日本藝術家佐佐木經二（Keiji Sasaki）、山本紅雲（Koun Yamamoto）、町田泰宣（Machida Taisen）與小山美和子（Miwako Koyama）。展位透過不同世代與文化背景藝術家的創作，構築出一條在古典精神與當代視角之間往返的觀看路徑。
畫廊以承載技法、圖像與精神傳承的「古典」為引，延伸至對當代世界的敏銳回應。其中，黃柏勳的「他方冬陽」系列格外引人注目。在作品中，「冬陽」既是時間流動的隱喻，也如同通往「他方」的微光指引，引領觀者進入藝術家所建構的詩性空間。隨著視線延展，展間另一側則鋪陳日本藝術家山本紅雲、町田泰宣與小山美和子等人細膩而帶有古典氣息的繪畫作品，使整體展位形成一種層層交織的敘事結構，邀請觀者在不同文化語境之間游移。
展間中最大尺幅的作品《追隨者》亦成為視覺焦點。作品試圖回應一個關於存在的提問：在人生這座既美麗又喧囂的世界之中，人們如何仍能以優雅的姿態前行。即使遭遇挫折，仍能提起勇氣，依循內心的信念，持續追尋自由與方向。
丹之寶藝廊｜Room 722、724
丹之寶藝廊今年以「Between Tradition and Becoming 在傳統與成為之間」為題，匯聚了 11 位來自不丹、尼泊爾與台灣的藝術家，同步展開於722與724兩個展間。
其中值得注意的是，不丹當代藝術代表金伯麗（Zimbiri）使用傳統 Saa-tshen礦物顏料與Rhay-shing畫布，以「虎」為象徵，重新構築關於文化、精神敘事與內在覺醒的作品《起源之時》（Hours of Origination）。畫面描繪12隻老虎以順時針方向前進，中央繪製太陽與月亮符號。而才仁．夏爾帕（Tsherin Sherpa）收錄於美國維吉尼亞美術館的限量版畫《喜馬拉雅諸靈》（Himalayan Spirit），以及象徵吉祥勝利的銅雕作品《勝利的天行者》（Tsherin Sherpa），展現了傳統符號與當代語言的完美融合。而金寶．旺楚克（Gyempo Wangchuk）則以深厚的唐卡繪畫功底，結合疫情、戰爭與都市化等當代議題，在嚴謹的宗教藝術根基上建立新的視覺辨證。哲旺．丹增（Tshewang Tenzin）受其唐卡畫家父親與多位不丹傳統工藝大師影響，在延續不丹工藝精神的同時，發展出屬於自身的當代創作語境。
而台灣新生代藝術家的部分，則有以自創「海苔皺」技法聞名的柯麟晏，這次帶來《深海花園》、《秋意濃》等作，重新演繹山水語彙。而李依恬的「生－水月鏡花」系列，繪製於圓形畫布上，透過構圖象徵生命起始與包容，再以
層層堆疊的「風信子」圖像，構築具有輪迴意象的視覺律動，回應佛教中「四生」的概念。蔡名璨以中國明代傢俱為背景，描繪動物與神獸穿梭其中的想像場域，透過多層次的水墨乾濕暈染，營造出虛實交錯的並置宇宙觀。雕塑創作者睡夢頭（Somnus），則是以溫潤的手感與童趣造型，將植物、動物與礦石等自然元素轉化為可觸摸的雕塑形體，呈現人類情緒的流動。
阿波羅畫廊｜Room 612
位於612展間的阿波羅畫廊，以「觀看之間」（In Between Seeing）為題，匯集了陳昭宏、劉洋哲、戴壁吟等11位不同世代與脈絡的藝術家，探討「觀看」這項行為如何隨著個人經驗與創作歷程不斷形塑。
從寫實到意象的經典脈絡下，陳昭宏以其享譽國際的超現實照相寫實風格，挑戰觀者對真實與官能的邊界；劉洋哲則將傳統版畫與繪畫元素融合，轉化為具詩意的符號敘事。戴壁吟的《CTLABCT》以手工紙作為媒材，在低彩度的肌理中探索物質與空間的辯證；而葉東進的作品則散發著一種孤獨而平靜的修行氣息，將自然景觀簡化為心靈的內在投影。
而異質媒材與敘事的交會則展現了更多元的觀看維度。王綺穗以失焦的油畫語彙捕捉速度與記憶的流動；黃至正結合金箔與數位圖像，探討生命脆弱與永恆的矛盾；韓國藝術家裵秀英（Bae Soo Young）則以異文化視角，在立體空間中構築律動感。
蘇泓諺的作品充滿敘事性，常在魔幻寫實的氛圍中映射當代生活；張凱閔與林禹良則分別從微觀與宏觀的角度，重新定義繪畫中的光影與結構；江為彬的作品則在媒材實驗中尋找與土地、日常物件的連結。
異雲書屋｜Room 712
深耕當代文人美學的異雲書屋，於712 展位帶來黃健亮、朱笑竹、楊新收、郭輝、張小黎以及廖育瑩六位藝術家的精彩作品。
其中，郭輝的《飛鳥》、《雷公圖》以及《涅槃圖》尤為特殊。郭輝巧妙地將經典傳統與現代轉型融匯於其作品中。如《涅槃圖》一作中，他描繪佛祖涅槃的經典故事，卻讓佛祖躺臥於花叢中，使得觀者透過畫面得以猜想佛祖究竟是以然涅槃或是小憩於花間。而《雷公圖》則是中國少見使用「貼箔」效果的作品，銀白色的線條布於郭輝以暈染繪製的畫面中，是少見充滿動態感的作品。
此外，楊新收的《幻玉》以及《翠微上》等山水畫，以「大膽潑墨」結合「細筆勾勒」著稱。作品常描繪「空山」，純粹以自然景觀營造出一種「世外之山」的枯寂感。而台灣新銳藝術家廖育瑩，以水墨紙本與膠彩為主，透過纖細的「渴筆」線條與楮皮紙的肌理，營造出如劇場般的私密空間。她引導觀眾以慢速度、近距離的方式探索畫面，讓繪畫成為一種微觀的敘事與感官體驗。
弎畫廊｜Room 728
弎畫廊於728展位帶來臺南新藝獎得主藝術家蕭宇倢的最新創作。蕭宇倢的創作以物質特性為出發點，長期專注於宣紙材質的氣氛與隱含其中的細微變化。她在創作中運用噴灑、皺褶、揉捏等方式，使紙張產生多層次的肌理結構，並藉由墨與水在紙面上的滲透與擴散，形成帶有呼吸感的視覺空間。
最新的「無題」系列作品，其宣紙纖維經過反覆堆疊與折疊，讓輕薄的紙張從原本的平面狀態中微微撐起，形成帶有節奏的層次肌理。當觀者在展位中移動時，光線在紙面之間穿透與反射，畫面也隨觀看距離與角度而產生細微變化，營造出靜謐而幽微的視覺氛圍。
她在畫面中刻意降低具象指涉與敘事元素，以近乎單色的灰階與極簡結構，將觀看的焦點重新帶回媒材本身。遠觀時，作品往往呈現近乎純白的抽象形體；而當觀者逐漸靠近，紙張纖維與墨色層疊的細節則逐步浮現，使觀看過程成為一種逐層展開的感知經驗。本次展出亦與「倒風內山：文明發酵術—2026臺南新藝獎」展覽計畫相互呼應，透過弎畫廊的展位呈現新世代藝術家在媒材與感知層面上的實驗與探索。
甘樂阿舍美術館 × 曾芷郁｜Room 730
甘樂阿舍美術館今年攜手新銳藝術家曾芷郁，於730展位呈現 13 件最新平面作品。喜愛登山與散步的曾芷郁，長期在行走與觀察之中汲取創作靈感。她透過記錄旅途中邂逅的植物形態與光影變化，將自然輪廓轉化為畫面中的痕跡——時而模糊、時而清晰，如同一種帶有時間感的「記遊」式創作累積。
其中，「簾」系列以日式竹簾的形態為畫面主體，其靈感來自藝術家過去在茶館打工的生活經驗。作品透過水墨、礦物顏料與絹印的層層疊加，構成若隱若現的視覺狀態；簾面之上浮現的植物圖像，源自日常生活的片段景象，使「看不清楚」的朦朧感轉化為貼近記憶的感知經驗。
另一值得注意的系列「花草跡」，則源自藝術家在行走中的細微觀察。無論是在山林野外或城市街道，花草常以零散而片段的姿態出現，成為情感與記憶的載體。如《花序-3》、《仙丹-3》等作品，這些畫面既記錄了當下凝視的瞬間，也映照出藝術家當時的身體與心理狀態，再貼上金箔勾勒的畫面中，如同被反覆書寫又抹去的日記，在層層堆疊之間留下時間流動的痕跡。
ARTouch編輯部( 1998篇 )