無框，亦無罣礙：「光彩共舞——賴純純」的自由生成美學

因而，「光彩共舞」展區涵蓋一、二樓展間及六樓戶外空間：一樓聚焦2000年後的作品，主軸是賴純純近年反覆實踐的「自由生成美學」；二樓則回溯她如何從平面繪畫走向立體、裝置，再至公共藝術；最終延伸至六樓戶外，回應她所堅持的：「藝術應當走入生活。」

自由生成美學

「自由生成美學」是賴純純累積四、五十年的思考，在AI迅速發展的近年，重新收攏而成的一套當代美學觀。其核心在於「自由」：作品完成之後並未就此凝固，而會隨時間、光影與往來的觀者持續變化、不斷生成。

這樣的觀念，與藝術家的生活軌跡密不可分。賴純純位於臺東都蘭的工作室，背倚山林，前方是廣闊的太平洋。都蘭的曙光、海洋與土地，延展了她長久以來對「存在與變化」的辯證思考，以及對藝術本質的理解：藝術源於材料、身體與環境在某一刻相遇時所激發出來的「事件」。因而，展名「光彩共舞」所指涉的，正是光、色彩與人彼此牽引的狀態，也是藝術家將個人生命與創作美學結合的實踐。

心無盡，心無漏

位於全展入口的《無盡》，是理解「自由生成美學」的起點。上百顆的心形彩繪壓克力浮貼牆面，每一顆皆親手製作，色彩的流淌各自獨一無二。選擇壓克力，在於其輕盈與穿透性：當光線穿過心形浮雕，色彩映上牆面，光影因而層層疊合，象徵著心的千變萬化。

儘管一顆顆的心固定於原處，在視覺上，它們卻始終處於流動之中，乃至光線的強弱與時刻的推移，皆成為作品的一部分。正如賴純純所欲傳達的，人心會隨每個瞬間而變，每一刻都因與環境的互動而生出不同情緒，心因而有無數種樣貌，一如生命本身。

而在一片繽紛之外，《無漏》呈現了另一種心性狀態，或許也是最難以企及的一種：在色彩如此飽滿的空間之中，保有一處乾淨的留白。「漏」在佛教語彙中意指煩惱，「無漏」即無煩惱。早在1990年代，賴純純便為探究東方美學，開始研讀佛經以靜心思考。《無盡》與《無漏》正彼此對照，以色彩映照人心永不止息的變化，以透明說明人心亦可無罣礙、一無所有。

島嶼浮現，浪開花 

賴純純十分重視「空間」，多次親赴現場佈展，調整每件作品的配置。在一樓的開闊展間中，作品並非各自獨立存在，而是依循她所構想，共同構成一個整體，走動其間的觀眾亦是其中一部分。

分布於展場各處的《島嶼浮現》，形狀各異地綿延整個展間。生長於臺灣，賴純純對島嶼有著深刻的體認：島嶼既有與外界隔絕的地理特性，也透過海洋與世界相連。因而，她不以固定的輪廓呈現島嶼，而以鏡面不鏽鋼敲打成形，表現島嶼在時間流動中持續變化的樣貌。

地面上，這些不鏽鋼島嶼映照著一旁《浪開花》的繽紛色彩。此作全長約十米，由九片鏡版並排組成，大小不一的圓點層層堆疊，深沉與明亮的色塊交錯流淌，如花瓣盛開，也似浪花碎裂的瞬間。在意象上，取「浪」象徵海洋的能量，「花」則是生命綻放的狀態，以及時間持續流轉於一道浪、一片花海中的能量。而當走動其間，地面色彩彼此映現與交織，每個觀看角度都形成一幅新的作品。所謂「光彩共舞」，便在觀眾移動與尋找觀看視角的過程中逐步展開。

生命四季，日常色彩

沿著島嶼的意象向前，「島嶼誕生節氣系列」由〈夏至〉、〈小雪〉與〈春分〉組成。同樣以彩繪壓克力為媒材，〈夏至〉綠意溫暖繁盛，一隻蜻蜓點綴其間；〈小雪〉以藍色呈現生命沉澱的狀態；〈春分〉則以些許粉紫，帶出萌發氣息。隨節氣轉換的色彩，映照出生命的不同階段，也象徵人的生命與宇宙運行相互呼應，如同四季更迭，有興旺，也有低落。

而延伸至一旁的《自由的藍》、《天空海洋》與《飛燕佇春》，和賴純純1970至80年代間以紅、黃、綠等濃厚原色為主、極具鮮明個性的早期創作相比，可見她在移居都蘭之後，用色明顯轉向柔和、粉嫩，雖仍保有當年受臺灣「低限主義」先驅林壽宇影響的痕跡，卻多了早年作品中不易察見的柔軟。由大小、顏色不一的畫布組成，橫貫於白色畫布底端的一抹藍，高低起伏如海平面，也如天空，亦可是某一刻感知世界的心境。

自1990年代起，賴純純的創作逐漸由外在形式，轉向內在的情緒經驗與精神性思考，並延伸至日常生活的細節。《後花園日誌Ｉ》以不同的媒材與色彩拼組而成，記錄下生命中的片刻。雕塑《快樂時光：旺旺與發發》則形似小狗，卻不刻意追求具象，透明量體中以紅、綠、黑製造視覺焦點；命名中帶著幽默，也寄寓祝福。藝術既可深入形式上的思考，也能輕巧地回應日常。

畫框之內，畫框之外

來到二樓展間，時序倒轉，觀眾得以看見賴純純的作品美學如何形成。1980年，她赴紐約普拉特藝術學院研習版畫，彼時美國受「抽象表現主義」影響猶存。此一時期的《無題 #80001》與《無題 #80003》，畫面看似將城市拆解、重組，雖依稀可辨其元素，卻又不甚清晰，而色彩甚至開始溢出了畫面邊緣。

1982年返臺後，賴純純結識林壽宇，受其所倡導的極簡美學影響：純淨、絕對而探問精神性，著重「自我存在感」與純粹性。在「存在與變化」系列的手稿中，便可見她迎來思想與作品形式結合的突破。如《存在與變化 黑沙》（#84004）以黑色壓克力顏料與沙混合，繪製於木板之上，在造形與觀念上探問空間與存在的關係，需退後遠觀方能看清全貌。

此時的賴純純以顏色大膽地突破時代背景，並嘗試將平面帶入空間。《存在與變化 粼光2（家）》已全然脫離畫框，以積木般相互倚靠的色塊，使色彩真正進入立體空間。以保麗龍與塑膠片構成的《涅槃》亦是如此，作品切割為八等份，以日常工作室中的尺寸製作，並可依不同場域呈現不同樣貌。《無題》則以有機玻璃為主體，站立如翅膀，又如一泓流水，源於1987年她赴瑞士巴塞爾駐村時，工作室裡大量的鏡子帶來的啟發。

回到賴純純最初的藝術養成，則始於就讀中國文化學院（今中國文化大學）美術系時期。彼時，她師從臺灣第一代西洋畫家廖繼春。在1975年的大學畢業創作《陽明黃昏》中，已可見她領略到「色彩」本身即可成為表現的主體；作於隔年的大尺幅油畫《舞》，更以色彩與舞動般的節奏為焦點，令人聯想到馬諦斯的同名作品，隱約可感「光彩共舞」的意念早在此時便已萌芽，只是後來以不同媒材，愈加明確地表達。

由內而外，回到世界

1990年代初，賴純純進入一段沉澱期，開始潛心探究東方哲學。因時常為展覽與公共藝術競圖奔波，她隨身攜帶纖維較粗的紙張，隨時記下心緒與想像。此時期的《飛躍地平線》與「日昇」、「夜昇」系列中，可見顏料於紙上滲透暈染，既似東方書法筆意，又如西方抽象線條；畫中如日升日落般升起的光，則是自內心啟發而出的光。

這道由內而生的光，最終也照向了公共空間。自1998年起，她開始投入公共藝術創作。如今走出美術館，賴純純的公共藝術遍布全臺，散落在許多人的日常路徑上，代表作如高雄捷運三多商圈站的《海洋之心》，以及臺北捷運南港展覽館站的《空中之河》，皆以粼粼流動的水光，連繫藝術與往來行人的日常。

展場中也可見她為公共藝術所做的試作與模型。從彩繪壓克力到彩繪陶板，她喜好嘗試新的媒材與形式。而在創價美術館六樓咖啡廳旁的戶外空間，則可見與2025年曾於大阪世博與臺北市立美術館亮相的「奇花仙境」系列相承的「奇異花園Soka」，由《天空之花》、《生命之花》與《原型大地》所構成。

這些作品得以在南臺灣相聚，亦源於創價長年的耕耘。自2003年起，台灣創價學會便以「建構臺灣美術百年史」為目標，將臺灣重要的藝術家帶進全臺12座創價美術館所在的社區，賴純純亦屬於其中。她於1986年創立SOCA現代藝術工作室，亦發起台灣女性藝術協會，並與莊普、林壽宇等人共同推動臺灣當代藝術。創價美術館與她的合作，可追溯至2019年於鹽埕藝文中心舉辦的「絕對的光與亮」。

在「光彩共舞」一展結尾之處，引用了國際創價學會會長池田大作（Ikeda Daisaku）之語：「不管人或自然，都不可能單獨存在，萬物息息相關、互相依存，形成一個宇宙，譜出生命的韻律。」亦與賴純純在創作框架的裡外，所關注的作品與周遭的相生相息，以及如何讓形形色色的人們，在日常中感受到美，不謀而合。

回看半世紀創作，正如賴純純所自述：「自由與生成，不再是目標，而是持續展開的過程。藝術正是在這樣的過程中，與世界共同生成。」而在走過展覽之後，便能明白：色彩本身即是一種能量，不必依附於任何物件或畫布之上。