白色之中，萬象生成—何宇森雕塑裡的流動與凝結

何宇森的雕塑，仿佛經常使觀看停留在尚未完成的時刻，可以是一種正在消融幻化又或是持續的生成感，視覺上呈現出一種奇異的張力。花瓣、枝條與根系的形象依稀可辨，交錯的結構又使人聯想到骨骼、神經或某種未知的有機體。而，白色在表象將這些內裡形體化成整合，細部則向著不同的方向去延伸、流淌、結晶，呈現介於有機植物與人工構造之間的形態，一切如此地仿生自然又超乎自然。

入選2026年第19屆「MIT新人推薦特區」的何宇森，此次與耿畫廊合作，10月30日至11月2日於臺北國際藝術博會展出。白色空間裡，透過燈光映射，一件件質感殊異的白色調子作品，〈石膏—耶穌〉、〈垂墜—偶然〉、〈銜接—神經〉、〈嫁接〉、〈支撐〉、〈雙生〉安靜地展現何宇森以FRP（玻璃纖維強化塑膠）、不鏽鋼、環氧樹脂等工業材料，持續探索液態與凝固、團塊與空洞、人體與植物之間的造型辯證。乍看近乎單色的作品，隨著光線與觀看角度改變，逐漸顯露質地、光澤與結構的差異。

南方的身體，北方的雪

就從「南方雪」系列，認識何宇森。畢業於國立臺灣藝術大學雕塑系後，他赴北京中央美術學院深造。校園裡「八十米通道」是條美麗的綠化帶小徑，植物隨著季節榮枯，他撿拾起落葉與枝條，想著或許有一天能為它們創作。冬日，北京每年的兩場雪，毫無預兆地降下，白色覆蓋著世界，在魚市場裡一塊塊白霧冰體，那是商販反覆潑水，使魚貨結凍的保存方式，湊近觀看，魚蝦形狀仍隱約透出。

對出生於臺南、熟悉南方暖陽的何宇森而言，這些都是陌生的感受。水凝固為冰，雪附著於枝葉，原有形體在包覆中逐漸改變；時間也透過累積，獲得可見的厚度。這些經驗悄然進入他的創作意識，與學院裡的雕塑訓練交互作用。

學院課程從人體寫實雕塑開始，一星期完成一件等身人體，完成後就拆除，重新開始，高強度反覆地訓練，傳遞一種特定的雕塑美學。央美所提倡的是「體積感」與「團塊式」的造型思維，先堆一個形狀後，再以小塊泥土反覆堆疊，講求形狀的飽滿與肌肉的膨起。泥土在堆塑時本身即提供了結構的支撐，也正是在此，何宇森拋出突圍思考，「我不想要只是按照既有的團塊式的方式來思考雕塑。」

在雕塑的製程中，翻模是必經的步驟，將石膏或FRP等液體材料塗抹於泥塑表面，凝固後取下形狀，再進行後續的複製，「最後的作品不會看到翻模用的媒介，只會看到它所依附而想要的形狀留存下來。」何宇森對此產生提問，當流動體在凝固、附著與包覆的過程中，其自身的軌跡是否也能成為雕塑的主體？這促使他展開一系列的材料實驗，並逐步發展出其標誌性的雕塑語彙。「南方雪」的生成與生命經驗有關，也與學習經驗相聯繫。

修配廠裡的「第二自然」

要理解何宇森對樹脂、不鏽鋼、汽車漆等工業材料，物質的迷戀與實驗，可以追溯到他的成長背景。何宇森的父親經營汽車修配廠，這使得那些在一般人眼中充滿工業疏離感的化學樹脂、不鏽鋼、氬銲機、烤漆與清漆，成為他童年生活最親密的記憶，「所以我小時候這些材料就是生活的一部分，伴隨著我。看師傅怎麼怎麼調料、烤漆。對我來說，那種『自然』不是nature的自然，而是自然而然、熟悉的一種自然。」

這近似「第二自然」的生命經驗，轉化為他對工業材料語彙的獨特詮釋。何宇森之所以選擇這些材料，關鍵在於它們在特定物理或化學狀態下，皆能呈現「液體」的特性。將剛性工業材料「還原」至液態，何宇森在高度人工的物質中，成功釋放了某種接近大自然的「隨機性」與「生成感」。

在材料的保存性與物理特性控制上，何宇森展現了嚴謹態度。在早期實驗階段，他曾大量使用石膏進行創作，但石膏脆弱易損。為了追求作品的生命週期與造型自由，他開始結合塑鋼土、不鏽鋼骨架、FRP等複合媒材，並在表面塗布汽車清漆。「我希望它不要壞掉」這份追求，背後蘊含著極高昂的時間與身體勞動成本。「我一開始做石膏，一天最多只能噴三層，因為石膏它是水蒸發的，要等乾後才能再繼續噴，才能產生結晶效果。」

凝固之前，形體仍在改變

液態材料難以掌控的特性，卻也令何宇森情有獨鍾。特別是使用FRP等化學樹脂材料時，比例調配、化學反應的硬化乾固時間往往也決定了作品的成敗。「對，很好玩。但是又很棘手，會有焦慮。因為那有時就是個瞬間。」在流動與凝固的邊界，何宇森順應物質，「順著它流出來的造型去改、去修」，先以砂輪機切割、用塑鋼土或不鏽鋼件進行接合，再透過刻磨機修整造形。近年，他並引進了汽車烤漆工業中的「變色龍粉」，將其混入平光精油基底中，利用物理光學上反光的效果，在白色雕塑表面呈現類似貝殼虹光的微妙色階。

何宇森在原塑造形上反覆地噴灑或澆灌塗料，增加厚度生成形體，即便百次亦所在多有，不同材質特性與外在溫溼度，對應出不同的時間，控制著難以預期，也被難以預期所控制，「它們不是被我完全控制的材料，而是在重力、溫度、時間與加工過程中共同參與塑形。」化學試劑、平光金油、變色龍粉、石膏粉、乾枯植物與金屬支架，讓工作室仿若是介於汽車塗裝廠與植物標本室之間的微型實驗場。工業的製程與有機的形貌，在反覆加工中相互滲透。

骨骼與根莖，兩種支撐的相遇

「南方雪」飄落一場詩意的隱喻，也是何宇森對其原生身份與異地經驗進行辯證的雕塑實踐。隨着回臺、與家人重聚生活、在學校教書及建立工作室，現實生活的軌跡重塑了他的創作節奏，「過程中有一些，可能是家裡有一些變化，或者是關係有一些變化等等的。生活上的變化會讓我開始思考，不只是雕塑自身的問題，也有可能會回應到我。」

當材料在不同的植物、枝條或造形物件之間流動、包覆、接合時，也藏著他對人際關係、回憶與家庭纽帶的聯想。近年持續發展的「雙生」系列與「骨骼與根莖」系列，由此將注意力推向兩個主體之間的依存與獨立，以及形體內部支撐系統的辯證。

「骨骼與根莖」的契機，其靈感源於他在復興美工任教時的一次偶發事件。他用油土捏製的教學模型，在盛夏高溫的工作室中因受熱而坍塌，呈現出如同超現實主義畫作般、因重力與溫度而產生的有機動態。他將此坍塌形體翻模保存，並開始嘗試在其中揉合植物的造形，開啟了人體骨骼（團塊式支撐）與植物根莖（空洞式支撐）的對話。

「其實我也是在想，像人是用骨骼去做支撐，植物是用根莖做支撐。但是出來的狀態不一樣，一個是團塊式的，一個是有空洞式的，就是樹枝那樣細細的。然後有點像這兩種不同造型語彙，我透過骨骼與根莖這兩個來當它的一個命名的結合，然後剩下就是看雕塑的造型。」他在物質造型中持續進行感官測量。 在他的造型思考中，人體的量體感與枝條間的空隙，提供了兩種不同的空間經驗。兩者相遇，形體便有了充實與疏透、重量與伸展之間的拉力。「雙生」則進一步讓兩個主體相互牽引、各自延伸，使依附與獨立成為具體的造型關係。

骨肉之間，白亦有層次

何宇森雕塑中的支撐、包覆與流動，令人聯想到古人以生命語彙理解藝術形體的方式。尤其當骨骼與根莖，將雕塑此一立體線條賦予生命。猶如宋代蘇東坡〈論書〉言，「書必有神、氣、骨、肉、血，闕一不成為書也」，便將書法品評為人之身體，是為相互貫通的整體，線條質感既有支撐與分量，也具備流動的氣息和精神。

循此觀看何宇森的雕塑，內部骨架、外部包覆，以及穿行其間的空隙，也形成相互牽動的關係。骨架建立方向，表層增加量體，流動留下的痕跡則連接兩者。作品的生命感「筋、骨、血、肉」的概念，從這些關係之中浮現。

此外，白色調是何宇森創作之顯相堅持。白是可見光光譜中全部的色相所構成，隨著光之色溫與明度，以及物體表面紋理質感，光之漫反射映入眼底，白之色調也就變化無限。就如唐代張彥遠《歷代名畫記》提出「運墨而五色具，謂之得意」，墨足以承載豐富的表現，何宇森的白也在相近的意義上展開。色調的節制，仍能容納感知上的繁複。 材料的厚薄、表面的粗細與光澤，加上環境光線的色溫、入射角度及形體投下的陰影，使白色呈現冷暖、明暗與潤澀的差異；加入特殊粉體的塗層，則浮現隱微虹光。看似一致的白，然因質地與光而產生豐富層次變化，帶來柔和、滋潤、空靈、險峭、堅實之感。

在包覆之中，留下關係的形狀

「物質/流動/凝結」是何宇森在IG社群自介下寫的關鍵詞彙，而這正是他關注之所在，呈現在作品之表裡，進行著哲學辨思與實踐。流動提供變化，凝結留下形狀；每一次包覆，既承接先前的結構，也使它進一步改變。合作的耿畫廊向來以反映時代樣貌與精神價值，參照時間向度，在過去與現在之間，呈現出獨到的藝術品味與美學觀點，亦正如是。

從對材質物理特性的掌握，到將生命歷程中的身體經驗、家庭關係、地方記憶轉化為雕塑的有機結構，何宇森以一種內斂而極具感官張力的造形藝術，在2026年的「MIT新人推薦特區」中，白色調卻搶眼地建立屬於他個人的雕塑風格。當觀者步入，在枝條、骨骼與花形之間，看見支撐與依附，就像去凝視並觸碰那些存在於我們每個人生命中，層層的包覆與凝固，既親密又獨立的關係，各自生成。

何宇森導介作品

〈南方雪〉

這件作品從臺南路邊常見的一種小白花出發。南方的氣候溫暖潮濕，這些植物幾乎不會遇見雪。而我第一次看見雪時，熟悉的景物在一夜之間被覆蓋，原本的輪廓也跟著改變，那個畫面一直留在記憶裡。於是將小花放大至接近人的尺度，以金屬骨架重新建立造型，再讓材料反覆堆積、包覆與凝固，在表面形成厚實而密集的白色質地。這件作品把南方的植物與雪景放進同一個想像裡，彷彿一座被雪覆蓋的南方花園。白色最初來自石膏的本色，後來逐漸成為有意識的選擇，讓表面的細節、光影與材料累積的痕跡更容易被看見。〈南方雪〉的名字，也來自這個在南方不會真正發生的畫面。

〈垂墜—偶然〉

一次在工作室附近散步，撿到一段已經乾枯的植物。它彎曲、垂落的姿態很有意思，便帶回工作室掛起來。之後沿著枝條原有的形狀逐層包覆材料，等表面乾燥，再接著往下做。原本輕盈的植物慢慢有了新的重量，細節也隨著材料的流動與凝固而改變。這件作品沒有事先設定完整的樣子，每次重新觀看，都可能因為某個新出現的細節而調整下一步。從路邊偶然撿到的一段植物，到長時間反覆製作後形成的雕塑，最吸引我的正是其中無法完全預期的變化。

〈雙生〉

〈雙生〉從兩個相似的花形開始，讓它們朝不同方向延伸，又在中間逐漸連成一個整體。製作時想到的，是家人或兩個一起生活的人。每個人都有自己的習慣、想法和方向，長時間相處，又會彼此影響，留下共同經歷的部分。兩個形體不因為連結而變得完全相同，反而在靠近之後，更能看見彼此各自的樣子。這件作品想保留的，是既獨立、又有一部分連在一起的關係。

〈銜接－神經〉

這件作品與陪伴家人復健的那段時間有關。看著原本強壯的身體逐漸變得虛弱，同時也感受到自己正在成長，對身體的變化有了不同的體會。那時接觸了許多關於神經連結與身體修復的影像和資料，這些畫面與日常生活的片段慢慢交織在一起。製作時，鋁線經過反覆彎折、纏繞與連接，讓細小的結構逐漸聚攏、向上延伸。那些關於身體、連結和修復的感受，在持續製作的過程中慢慢形成自己的樣子。