2026巴黎巴塞爾藝術展會公布亮點
2026巴黎巴塞爾藝術展會（Art Basel Paris 2026）訂於10月23日至25日在大皇宮開放公眾參觀，21和22日為貴賓預展。今年匯集41個國家和地區的211家畫廊參展，其中32家為首度參展，並有64家在法國設有據點。
本屆在新任總監Karim Crippa的帶領下，將巴黎置於策展架構的核心，視其為藝術和文化認同的重要組成部分，不僅延續大皇宮作為主場館的定位，也進一步擴展「Public Program」的城市布局。除了首度於人權廣場（Parvis des Droits-de-l’Homme）推出大型戶外雕塑計畫，亦攜手多個歷史場域，透過裝置、影像、表演與跨領域藝術項目，將展會與巴黎的城市文化空間串聯。
主展區「Galeries」共有183家畫廊與會，其展覽涵蓋從達達主義、普普藝術和貧窮藝術等歷史運動到重新審視主流歷史、凸顯後殖民視角的當代藝術實踐。而展會的標誌性單元「Premise」呈現獨特的策展項目，重新審視並拓展藝術史敘事，今年移師至更大的塞納河沙龍展廳（Salon Seine）舉行，將有多達12家畫廊參展；該單元延續研究導向的策展特色，透過現代與當代藝術史的重新梳理，進一步拓展藝術史的觀看框架。至於聚焦新興藝術實踐的「Emergence」單元，將於大皇宮中央大廳（Nave）兩側陽台設置16個獨立展位，有12家畫廊為首次參展，形式以個展為主，許多作品更為此次展會全新委託，著重裝置與跨媒材創作。
論壇單元「Conversations」首度移至大皇宮禮堂舉行，邀集藝術與文化界重要人士對談，包括：羅浮宮館長Christophe Leribault、法國電視主持人Claire Chazal、表演藝術家Jordan Roth，以及評論家Linda Yablonsky等。此外，亦安排多場藝術家專訪，邀請2025年巴塞爾藝術獎（Art Basel Awards）金獎得主Ibrahim Mahama、2026年Reiffers Initiatives Prize得主Stanislava Kovalcikova等藝術家分享創作觀點。而為期兩天的展覽計畫「Oh La La!」也將於今年回歸，由法國演員Philippine Leroy-Beaulieu擔任藝術指導，以「神話與傳說」為主題，重新思考神話如何作為當代人理解世界與建立連結的文化媒介，而非僅是屬於過去的敘事。
首屆Frieze Abu Dhabi公佈亮點計畫，聚焦跨世代與跨地域藝術對話
首屆阿布達比斐列茲藝術博覽會（Frieze Abu Dhabi）將於2026年11月19日至22日在Manarat Al Saadiyat舉行，本屆展會將匯聚來自36個國家與地區的80多家畫廊，並透過一系列精心策劃的展演計畫，連結跨世代與跨地域的藝術創作者。
展會總監Dyala Nusseibeh表示，這次展會將深刻回應阿布達比豐富且不斷發展的文化語境，並將藝術家及其理念置於展會的核心位置。其中最受矚目的亮點為首屆「Frieze Abu Dhabi藝術家獎」，該獎項由策展人Nabila Abdel Nabi策劃，得主為活躍於貝魯特與倫敦的藝術家Dala Nasser。她將於展會中庭呈現大型場域特定委託創作《Qubbat Duris》。該作品名稱取自黎巴嫩貝卡谷地的13世紀紀念碑，藝術家運用木材結構搭配懸掛的織品畫作、木炭拓印與原始陶土等媒材，探討物質如何承載世代記憶，並反思人類對面臨破壞之自然景觀的集體責任。
此外，展會將推出由阿布達比在地創意孵化器Dirwaza Curatorial Lab策劃的年度旗艦展覽單元「對話」（In Dialogue），首展主題為「在另一個交會點」（At Another Meeting Point），巧妙地將阿聯酋資深藝術家Mohammed Kazem與新銳藝術家Alia Zaal的作品並置，藉由跨世代的交流激盪出全新的藝術視角與意外的連結。
展會的影響力亦延伸至公共空間，「Frieze Abu Dhabi雕塑展」將提前於11月16日在薩迪亞特島的Mamsha海灘登場，並一路展至12月16日。該展區由官方合作夥伴Aldar呈現，將展出Mohamed Ahmed Ibrahim、Zeinab Alhashemi、Imran Qureshi及Kamran Samimi等人的大型雕塑作品，邀請大眾在自然與人造景觀的交錯中，將藝術體驗融入日常生活中。
展會期間，主辦單位也將舉辦為期三天、匯集國際博物館領袖、策展人、藝術家與藏家的專題論壇，針對「建立全球博物館」及「跨知識系統策展」等關鍵議題展開深度探討，為全球藝術界提供一個極具啟發性的交流平台。
延伸閱讀 | 海灣崛起 中東當代藝術地圖
2026年紐約軍械庫藝術博覽會9月24日至27日舉辦
作為紐約秋季藝術圈的盛大開幕式，2026年紐約軍械庫藝術博覽會（The Armory Show）於9月24日至27日在曼哈頓的賈維茨中心（Javits Center）登場。本屆展會匯聚了來自全球30多個國家、超過240間參展畫廊，以「連結」（Connection）作為核心理念，特別將加勒比海地區及其離散文化作為貫穿全場的策展主軸。
由策展人María Elena Ortiz策劃的「Focus」展區，深度探討了加勒比海藝術的多元樣貌；而Jovanna Venegas負責的「Platform」展區則帶來了大型的場域特定藝術作品。此外，今年展會也擴大了「Presents」和「Solo」展區，為新興畫廊及藝術家提供更多對話與展示空間。
本屆展會也首度推出了「Armory After Hours」活動，上週五的展場中舉辦充滿嘉年華氣息的遊行，由DJ和現場打擊樂手帶領觀眾在展區間穿梭。在獎項方面今年也相當豐富，分別與邁阿密佩雷斯藝術博物館（PAMM）和布朗克斯美術館（Bronx Museum）合作設立購藏獎，前者由Theresa Weber (Studio/Chapple)、Joshua Nazario (EMBAJADA)、Lizania Cruz (ProxyCo)這三位藝術家獲得，後者則選定藝術家Zoë Pulley (Superposition)。
儘管全球藝術市場面臨諸多挑戰，但本屆軍械庫藝博會的買氣依舊穩健，首日VIP預展即傳出多項銷售捷報。其中最受矚目的交易，是Michael Rosenfeld畫廊以超過200萬美元售出美國抽象表現主義大師瓊·米切爾（Joan Mitchell）的畫作。其他如Nara Roesler畫廊展出的Sheila Hicks作品（報價26萬美元），以及Sean Kelly畫廊的Janaina Tschäpe畫作（以17萬美元成交），皆表現亮眼。
大都會藝術博物館現當代藝術新翼動土，Frida Escobedo設計、預計2030年開館
紐約大都會藝術博物館（The Metropolitan Museum of Art）於2026年9月15日為「唐騮千與徐心眉現當代藝術翼樓」（The Oscar L. Tang and H.M. Agnes Hsu-Tang Wing）舉行動土儀式。新翼樓由墨西哥建築師芙烈達．埃斯科貝多（Frida Escobedo）設計，她是該館156年歷史中首位設計新館舍的女性建築師。
埃斯科貝多出生並立足於墨西哥城，2018年曾以最年輕建築師之姿獲選設計倫敦蛇形藝廊年度展亭，2022年於紐約成立工作室，2024年與Moreau Kusunoki共同獲選為龐畢度中心2030改造計畫設計者。
新翼樓將成為館藏20、21世紀藝術的新展示空間。展覽面積達69,500平方英尺，較現有展廳增加近五成。改建後總面積約126,000平方英尺，在不擴大既有建築佔地的前提下，全面改善無障礙、基礎設施與永續表現，並與館內其他展區相連。館長馬克斯・霍萊因（Max Hollein）表示，大都會匯聚跨越時代與地域的作品，而埃斯科貝多的方案正體現了博物館的使命。截至目前，館方已募得6.7億美元，足以支應全部工程費用，以及新設營運基金的大部分資金。
埃斯科貝多的設計以大都會多元的建築風格、館藏與中央公園環境為靈感。五層樓的新翼高度不超過館中心1880年側翼的原始高度，也低於第五大道立面。量體由三層基座、內縮的四樓及再退縮的五樓構成，立面以石灰條狀格柵（celosía）為特色，這種屏風形式見於多種文化與時代，其礦物質感形成半透明表面，隨日光變化。室內展廳挑高11至22英尺不等，可容納大型裝置，也能營造較私密的觀展氛圍。五樓設有約1,000平方英尺的咖啡廳。
四、五樓朝南的大面窗將中央公園與曼哈頓天際線引入室內，兩層樓並新增約18,500平方英尺的戶外露台。原位於五樓的「Iris and B. Gerald Cantor」屋頂花園將移至四樓，面積擴大至10,000平方英尺。新翼將設置兩組電梯核心、坡道、與相鄰館舍更便捷的無障礙連通入口，以及清楚的參觀動線。永續方面，現有展廳至少四分之一朝南或朝西，日照不利作品長期展示且耗能；新設計透過立面與開窗配置及地下機械空間減少日射，同時善用自然光。周邊綠地則由中央公園保護協會與紐約市公園及休閒局、大都會共同整修。
施工期間，現當代館藏精選仍於館內各處展出，包括展至2029年的現代肖像展「生命之面」，以及「克拉斯納與波洛克：過去連續體」（Krasner and Pollock: Past Continuous）等特展。
佳士得將於11月在阿布達比舉辦「MAWASIM」拍賣會，紀念進軍中東市場20年
佳士得（Christie’s）於日前宣布，將於今年11月1日在阿布達比舉行「MAWASIM：中東現代及當代藝術20年」（MAWASIM: 20 Years of Modern and Contemporary Middle Eastern Art）線下拍賣會，意在紀念2006年首次進軍阿聯酋市場。「MAWASIM」在阿拉伯語為「季節」之意，標誌佳士得在中東開啟嶄新的一季，同時也回顧過去20年以來，該藝術範疇的發展歷程以及和藝術家、收藏家、畫廊與機構組成的生態系統。
佳士得中東及非洲區主席Ridha Moumni博士表示，此次拍賣舉行之際，正值阿布達比迎接多項文化發展的關鍵節點，包括：阿布達比斐列茲藝博會（Frieze Abu Dhabi）以及阿布達比古根漢美術館（Guggenheim Abu Dhabi）揭幕前夕。這場拍賣將匯聚跨度逾60年的70多件拍品，呈現中東和北非多國在其藝術實踐，以及對區域藝術發展的重要貢獻，亦反映阿布達比近年持續拓展文化版圖的發展脈絡。在這當中，也包括來自：貝魯特的達盧勒收藏館（Dalloul Art Foundation）和沙迦的巴爾吉爾藝術基金會（Barjeel Art Foundation）等知名收藏機構的重要作品，例如：巴爾吉爾藝術基金會的黎巴嫩藝術家Nadia Saikali的《午夜藍曼陀羅》（Mandala Bleu Nuit (Midnight Blue Mandala)），以其冥想式的抽象風格為特徵，透過深藍色和黑色的構圖體展現她對色彩、光線與感知的探索。此外，同場也將推出該基金會的另外四件作品上拍。
其餘領銜拍品如：已故巴勒斯坦藝術家Paul Guiragossian於1958-59年繪製的《婚禮》（Noces (Wedding)），充滿活力的婚禮場景反映出藝術家對於家庭、社群與人際關係的經典主題，此作曾為知名黎巴嫩建築師暨收藏家Farid Trad所藏。巴勒斯坦裔美國藝術家Samia Halaby創作於1970年代的代表作《昨日》（Yesterday），樹立其獨特的幾何抽象語彙，此作亦體現她對色彩、動態和空間的開創性探索。摩洛哥藝術家Mohamed Melehi在羅馬求學期間創作的《A30》為經典的「黑色系列」，展現其對禪宗哲學與伊斯蘭蘇菲主義（Sufism）的探索與回應。
提森・博內米薩博物館將在馬德里增設第二館舍，逾360件當代藝術作品進駐
位於馬德里的提森・博內米薩博物館（Thyssen-Bornemisza Museum）將增設第二館舍，以回應現有空間不足的問題。西班牙政府、博物館與提森家族歷經數月協商後達成協議，將把位於馬德里文學區（Literary Quarter）、距離現址數個街區的「冰宮與汽車宮」（Ice and Automobile Palace）改建為博物館新館，預計2032年完工。
提森・博內米薩博物館的館藏源自提森家族自1920年代末建立的藝術收藏，漢斯・海因里希・提森・博內米薩男爵（Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza）於1947年承接大部分家族收藏後，持續擴充並將收藏範圍延伸至20世紀藝術。博物館則於1992年在馬德里開館，成為這批收藏的重要展示場域。
這座建築由馬德里市政府持有，自2007年起閒置，整修工程預計投入7,000萬歐元。新館完成後，將成為提森・博內米薩基金會（Thyssen-Bornemisza Foundation）旗下TBA21當代藝術收藏的重要展示空間，預計展出超過360件21世紀藝術作品。TBA21由提森・博內米薩男爵之女法蘭西絲卡・提森・博內米薩（Francesca Thyssen-Bornemisza）創立，收藏內容也將成為此次擴建計畫的核心之一。
為促成新館計畫，法蘭西絲卡・提森・博內米薩將捐贈私人收藏中的186件作品，估值近1,600萬歐元，另提供179件作品長期借展，價值約1,000萬歐元。此外，提森家族成員博爾哈・提森（Borja Thyssen）與妻子布蘭卡・奎斯塔（Blanca Cuesta）收藏的21世紀藝術作品，也將在新館展出。
提森博物館目前每年接待超過100萬名訪客。西班牙文化部長埃內斯特・烏爾塔松（Ernest Urtasun）表示，現有建築已不足以應付博物館日益增加的需求，新館的規劃不只是增加展示面積，也希望擴大博物館的公共功能。未來新館將容納檔案館、作品庫房、修復工作室及活動中心，並規劃展覽、工作坊、研究、音樂會與講座等活動。
新館部分空間將設置恐怖主義受害者紀念中心，由西班牙內政部管理。整修工程預計於2029年展開，文化部預計於今年啟動建築設計競賽。西班牙財政部長阿爾卡迪・埃斯帕尼亞（Arcadi España）已宣布，政府將把新館建築移交給提森・博內米薩基金會。
提森博物館藝術總監吉列爾莫・索拉納（Guillermo Solana）表示，提森家族的捐贈與借展是博物館持續擴充收藏的重要來源。此次擴建也將使提森家族的私人收藏與博物館既有館藏進一步整合，形成以20世紀至21世紀藝術為核心的延伸展示空間。
大都會藝術博物館收藏38件張大千作品，涵蓋張大千各時期創作
美國大都會藝術博物館（The Metropolitan Museum of Art）9月17日宣布，從張大千（1899–1983）之女張心聲（Sing Sheng Chang）的私人收藏中取得38件作品。此次入藏橫跨張大千1930年代至1980年代的創作，包括早期作品、1940年代敦煌時期作品、1960年代「潑彩」與「潑墨」作品，以及部分未完成畫作。張大千一生輾轉於不同國家與地區，1949年離開中國後，先後旅居亞洲、美洲等地，晚年則定居臺灣，這些不同階段的生活經歷，也逐漸反映在他的創作之中。部分作品預計於今年稍晚展出，另有作品將於博物館2028年推出的20世紀中國水墨畫展覽中亮相。
其中，1965至1968年間的「潑彩」與「潑墨」作品是此次收藏的重要亮點。張大千在這一時期進一步減少對具體景物的描繪，透過墨色與色彩的潑灑、暈染與交疊構成畫面。大都會藝術博物館指出，這些作品反映張大千如何從中國水墨的傳統中尋找現代抽象藝術的可能，也成為其晚期創作最具代表性的面貌之一。
此次收藏除了山水，也涵蓋人物、荷花、工筆花卉與自畫像等不同題材，從早期對傳統中國繪畫的鑽研，到晚年更為自由的創作面貌皆可見於其中。收藏中也有一些較為少見的作品，包括張大千1940年代在敦煌研究期間的創作。在1941年至1943年間，張大千曾於敦煌停留兩年，深入研究石窟中的古代壁畫，這段經歷也成為他藝術創作的重要轉折，對其後來的創作發展產生深遠影響。此外，此次入藏還包括未完成作品、半完成的實驗性創作，以及張大千親筆題贈女兒的畫作。
此次收藏將進一步擴充大都會藝術博物館既有的張大千作品。館方目前也收藏一批曾由張大千收藏的中國古代書畫，這批作品於1989年透過收藏家約翰・克勞福德二世（John Crawford, Jr.）的遺贈進入館藏。克勞福德曾於1950年代向張大千購藏大量中國古代書畫，而這些作品也曾影響張大千對傳統繪畫的研究與自身創作。
大都會藝術博物館中國繪畫策展人約瑟夫・謝爾・多爾伯格（Joseph Scheier-Dolberg）表示，張大千早年對中國古典傳統的深入研究，以及後來在敦煌的經驗，使他得以在1940年代至1980年代持續探索新的水墨表現方式。館方也認為，雖然張大千早已被視為東亞重要的現代藝術家，但在歐洲與美洲的藝術史研究中，仍有進一步理解的空間。此次38件作品入藏後，博物館將能把張大千自身創作與他曾研究、收藏的古代書畫放在一起呈現，進一步梳理傳統中國繪畫與20世紀水墨創作之間的關係。
兩名德國男子將兩幅畫貼進《蒙娜麗莎》展廳，羅浮宮再陷安保議題
巴黎羅浮宮近日發生一起特殊事件：兩名德國男子將自己的畫作帶進《蒙娜麗莎》所在的展廳，並以膠帶直接貼在牆面上，隨後遭博物館保全人員制止並交由警方處理。警方消息人士表示，兩人因造成牆面輕微損壞而被捕，接受訊問時則表示，只是覺得「好玩」才這麼做。
兩幅畫作尺寸約為30×40公分，其中一幅描繪兩名男子中的一人身穿盔甲，另一幅則是兩名男子與一名女子的合照。目前尚不清楚兩人是否將此舉視為一種藝術行動。若羅浮宮正式針對牆面受損提出申訴，兩人將被傳喚出庭。
此次事件並未波及《蒙娜麗莎》。達文西的這件名作目前仍置於厚重的保護玻璃後方，畫作本身沒有受到損傷。不過，事件也再次引發外界對羅浮宮展場安全的關注。每天面對大量參觀人潮，博物館除了需要保護館藏，也必須維持開放的參觀環境。
近年法國多間博物館接連發生竊盜事件，博物館的安保問題也受到更多關注。2025年10月，羅浮宮曾發生珠寶失竊案，8件價值數百萬美元的珠寶在白天遭竊。警方其後逮捕4名嫌疑人，但失竊物品至今仍未尋回。這起案件也讓館內部分安全問題受到檢視，包括老舊的閉路電視監控系統。事實上，羅浮宮早在2019年委託進行的安全審計中，就已被指出相關漏洞，但部分建議至今並未落實。
除了安全問題，龐大的參觀人潮也是羅浮宮長期面臨的挑戰。博物館去年接待約900萬名遊客，參觀人數遠超過原先的設計空間。面對館舍空間與觀眾需求，法國總統馬克宏今年5月宣布推動羅浮宮改造計畫，其中包括為《蒙娜麗莎》設置新的展廳，以及增設新的博物館入口。
從珠寶失竊到此次有人直接將畫作貼上展廳牆面，羅浮宮近年的幾起事件，都讓博物館如何兼顧藝術開放與館藏安全成為討論焦點。對每天接待大量觀眾的羅浮宮而言，未來的空間改造除了回應參觀需求，也將牽涉館藏保護與展場管理等問題。
中國藝術家梁紹基81歲辭世，以蠶與蠶絲貫穿數十年藝術創作
中國藝術家梁紹基近日於上海因病辭世，享壽81歲。長期合作的香格納畫廊證實消息。梁紹基1945年出生於上海，文化大革命期間，因當地藝術院校停止招生，他曾被迫進入大型麻紡織廠工作。1980年代出國後，他接觸到跨媒材創作的觀念，之後進入杭州中國美術學院學習，專攻「軟雕塑」。他的老師之一，是保加利亞壁毯藝術家馬林・瓦爾巴諾夫（Maryn Varbanov），也是推動軟雕塑發展的重要人物。
梁紹基此後長年居住於浙江天台山的一座寺廟，也因此被稱為「隱士」。數十年間，他持續從纖維、雕塑到影像與聲音等不同媒介出發，將自然生命帶入藝術創作。1989年起，他開始長期創作「自然系列」（Nature Series），逐漸將蠶與蠶絲發展為主要創作媒介，也讓蠶從傳統纖維材料轉變為其藝術中重要的參與者。
在「自然系列」中，梁紹基不只是使用蠶絲作為材料，也讓蠶本身參與作品的生成，並將其視為創作中的「合作夥伴」。他會將蠶引入不同材質與尺度的物件，包括鞋子、塑膠杯、陶瓷碎片、鐵鍊、油桶，以及地震後留下的碎石與磚塊。藝術家先搭建創作環境，再讓蠶在其中活動、吐絲，隨著時間推移，絲線逐漸覆蓋原有物件，形成新的形態。作品因此並非完全按照藝術家的預設完成，而是在人的安排與蠶的生命活動之間逐步生成。
他特別關注蠶的生長、吐絲、結繭與蛻變，並從中思考生命、時間與轉化。這種創作方法也與中國傳統文化中蠶所象徵的重生與輪迴有所連結。除了雕塑與纖維，梁紹基也運用影像、聲音及表演等媒介，讓蠶絲從單純的材料轉化為作品中的主要結構。
2024年於深圳海上世界文化藝術中心舉行的個展《雲之海》（Sea of the Cloud），便展出一件以大型鐵鍊為核心的作品。梁紹基讓蠶在金屬結構上持續吐絲，作品前方則播放海洋影像。這件作品的靈感來自他曾觀察到的一隻蠶：牠在屋頂邊緣緩慢爬行，幾乎滑落時抓住一根絲線，接著以絲線固定自己，再重新爬回屋頂。這個瞬間讓梁紹基聯想到「生命懸於一線」，也讓他開始思考生命在危急時刻展現出的韌性。
他後來以鐵鍊作為蠶的活動框架，利用金屬的重量與蠶絲的柔軟形成對照。鐵鍊首尾相連的環狀結構，也讓他聯想到蠶吐絲時的運動。對梁紹基而言，這些作品不只是蠶絲覆蓋物件後形成的視覺結果，也是藝術家與生物共同完成的創作過程。
不過，讓活體蠶參與藝術創作，也引發部分評論者對動物倫理的討論。梁紹基過去曾表示，自己透過觀察與分析生物的生命狀態，尋找並培養牠們自身的潛能，讓轉化自然發生，並強調創作過程會避免暴力介入。
