游移於感性與秩序之間：赤粒藝術於2026 ART TAIPEI呈現五位台日藝術家的繪畫實踐

赤粒藝術將以「存在，未定；游移於感性與秩序之間」為題，於2026年ART TAIPEI台北國際藝術博覽會帶來日本當代藝術家中村一美、石川順惠，以及台灣藝術家楊世芝、洪美玲與劉家瑋五位創作者的作品。

五位藝術家的組合橫跨不同世代與文化背景，媒材涵蓋壓克力棉布繪畫、沙粒複合媒材、水墨棉紙拼貼及大尺幅油彩創作。此次展覽聚焦於「感性直覺」與「理性秩序」在繪畫過程中的交界狀態。在參展藝術家的實踐裡，直覺、情緒與身體手勢直接參與形態的生成，而幾何邏輯、網格系統與工序控制則試圖在畫面中建立結構；兩者在畫布上的拉鋸、鬆動與重組，使繪畫維持在持續演變的開放狀態。

中村一美將畫布視為能量持續建構與瓦解的運動場域。此次展出的《破庵93（窗的倉山）》，延續其代表性的「破庵」系列，以拆解與重構的雙重張力回應空間結構。在 116.7 × 91.1公分的棉布上，斜向交錯的紫色、白色與綠褐色粗獷筆觸將畫面分割為多個不規則幾何區塊，右上與右下角嵌入如木構格柵般的深綠色垂直與水平線條，中段則填入高彩度的橘紅、粉紅與鈷藍色塊，厚塗的壓克力顏料在建立結構的同時，亦保留了刷痕刮抹的不穩定動勢。

另一件高達194.3公分的大尺幅作品《存在的鳥319》，則以鳥類為引，上方由鮮紅、橘紅與螢光綠邊線勾勒出向外張開的尖角羽翼意象，下方延伸出明亮的黃色斜向通道與翠綠基底，表面覆蓋著由白、紫粉色厚塗點綴而成的鏈狀軌跡與飛散白點，將「鳥」作為存在的隱喻置入上升、墜落與消逝的運動過程。

石川順惠的創作長期圍繞「無常」（非永續性）的核心命題，透過媒材的並置，鬆動繪畫作為固定平面的既定認知。此次展出的《無常—秋入日》與《無常—素風》，皆在畫布基底混入沙粒，創造出帶有微細顆粒與暗綠、深褐斑駁質地的肌理層。在《無常—秋入日》中，數道飽和的亮橘色寬闊筆觸自左上往右下斜向掃過底層，其上再覆蓋白色、紫羅蘭與青綠色的細密垂直與水平格線，使奔放的夕照色塊與理性網格相互穿插、遮蔽與透顯。

而在《無常—素風》裡，底層隱約流動的濃黑弧形筆觸與表層交織的黃色垂直細線、群青水平線及斜向網格相互疊合，局部穿插亮橘色短線與帶有粉紅斑點的綠色長條色帶，讓空間在真實與虛像、反射與透射之間游移，呈現出近似影像與聲響交錯的節奏感。

楊世芝從身體直覺與無意識出發，以「塗鴉」與「拼貼」作為鬆開既有認知與視覺規訓的方法。此次展出的兩件作品橫跨二十六年，呈現其創作語彙的演進脈絡：完成於千禧年的壓克力麻布作品《所在》，以土黃、赭石、灰紫與墨綠鋪陳出厚重的空間感，中央一道深黑色垂直筆觸與左下往右上延伸的米白色斜向路徑交會，右下方以高密度的短促筆觸堆疊出叢林與地景肌理。

而在新作《段片式的統合》中，她在200×150公分的麻布基底上，將預先以水墨隨手塗鴉的棉紙撕裂、裁切後重新拼貼；上半部以粗獷焦墨與飛白勾勒出三座山巒般的拱形輪廓，中段匯聚疾速迴旋、疏密交織的細碎墨線，左下方則壓上暗綠與墨黑色塊並垂落縱向細線。透過無意識塗抹與自覺拼貼的往返勞動，筆觸的快慢節奏與紙張接縫共同構成非線性的視覺結構，使秩序轉化為內在生成的暫時平衡。

洪美玲自 1980 年代初確立「尋道」系列以來，她將自然地貌記憶與山水結構，轉譯為介於幾何抽象與超現實空間之間的視覺場域，並以作品編號取代具體敘事，使每一幅畫作成為生命旅程中的時間節點。此次展出的兩件油畫呈現出不同色溫與空間結構的推進：《尋道154》以溫暖的珊瑚粉、赭黃與淡紫色調為主軸，左側堆疊著宛如結晶柱體般的幾何山石與三角切面，右側則展開一條布滿拼圖狀鏤空裂隙的粉紅色平台通道，通往右上方泛著柔黃微光的天際。

而《尋道149》，色彩轉為強烈的冷暖對比，畫面兩側矗立著由亮藍、鈷藍至深藍色階構成的幾何切面岩壁，並以桃紅與淺粉色銳利線條分割出平整塊面；中央深谷則蜿蜒著一條洋紅色的階梯狀路徑，使嚴謹的幾何結構在色彩漸層與空間推移中化為流動的感知經驗。

劉家瑋以高度凝練的寫實油畫，處理「攝影記錄」與「繪畫重構」之間的時間差。在他的創作工序中，相機快門負責捕捉自然光影與森林景觀的瞬間切面，畫筆則承接後續的慢速勞動。此次帶來2026年新作《林•音》與《靜默的編織》，皆為200×200公分的正方形巨幅油畫。在《林•音》中，近距離平視的構圖讓中央粗壯筆直的杉木貫穿上下畫幅，灰褐樹皮的剝落紋理、受光面的冷暖轉折與周圍層疊的針葉枝枒經由一筆一筆的細密描繪逐一浮現，後方幽暗的垂直樹群與微光藍天交織出深邃的森林音場。

《靜默的編織》則改以仰視視角聚焦巨木分岔伸展的粗壯枝幹，前景如雕刻般的樹皮裂紋、湛藍天空下繁密交織的翠綠樹冠，與左側枝頭靜靜停駐的一隻白鳥相互呼應。在快門捕捉與畫筆堆疊的轉換之間，瞬間的光學影像被拉長為可被感知的累積與延遲，使觀看成為時間經驗的具體介入。

對赤粒藝術而言，此次於 2026 ART TAIPEI 提出的「存在，未定」，串聯起五位創作者對繪畫本質的探問。從中村一美與石川順惠在厚塗筆觸、沙粒基底與幾何格線之間的拆解及交疊，到楊世芝與洪美玲透過水墨棉紙拼貼與幾何色塊尋道所建立的內在結構，乃至劉家瑋在攝影快門與寫實畫筆之間拉開的時間維度，作品共同展現出感性運作軌跡與理性結構介入的動態協商，也讓繪畫在感性與秩序的臨界位置上，持續向未定的生成狀態保持開放。